Romantyzm w sztuce. Encyklopedia szkolna

Romantyzm w sztukach wizualnych w dużej mierze opierał się na ideach filozofów i pisarzy. W malarstwie, podobnie jak w innych formach sztuki, romantyków pociągało wszystko, co niezwykłe, nieznane, czy to dalekie kraje z ich egzotycznymi obyczajami i kostiumami (Delacroix), świat wizji mistycznych (Blake, Fryderyk, Prerafaelici) i sny magiczne (Runge) lub podświadomość ciemnej głębi (Goya, Füsli). Dziedzictwo artystyczne przeszłości stało się źródłem inspiracji dla wielu artystów: starożytnego Wschodu, średniowiecza i protorenesansu (nazarejczyk, prerafaelici).

W przeciwieństwie do klasycyzmu, który wywyższał wyraźną siłę rozumu, romantycy śpiewali namiętne, burzliwe uczucia, które ogarniają całą osobę. Najwcześniej reagującymi na nowe trendy są portret i pejzaż, które stają się ulubionymi gatunkami malarstwa romantycznego.

Kwitnący gatunek portretowy wiązała się z zainteresowaniem romantyków jasną ludzką indywidualnością, pięknem i bogactwem jej duchowego świata. Życie ludzkiego ducha przeważa w romantycznym portrecie nad zainteresowaniem fizycznym pięknem, zmysłową plastycznością obrazu.

Romantyczny portret (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) zawsze ujawnia wyjątkowość każdej osoby, przekazuje dynamikę, intensywne bicie życia wewnętrznego, buntowniczą namiętność.

Romantyków interesuje też tragedia złamanej duszy: bohaterami prac są często osoby chore psychicznie (Gericault „Wariatka uzależniona od hazardu”, „Złodziej dzieci”, „Wariat, wyobrażający sobie, że jest dowódcą” ).

Krajobraz uważany przez romantyków za ucieleśnienie duszy wszechświata; natura, podobnie jak dusza ludzka, pojawia się w dynamice, ciągłej zmianie. Uporządkowane i uszlachetnione pejzaże charakterystyczne dla klasycyzmu zostały zastąpione obrazami natury spontanicznej, opornej, potężnej, ciągle zmieniającej się, odpowiadającej pomieszaniu uczuć romantycznych bohaterów. Romantycy szczególnie lubili pisać burze, burze, erupcje wulkanów, trzęsienia ziemi, wraki statków, które mogą mieć silny emocjonalny wpływ na widza (Gericault, Friedrich, Turner).

Charakterystyczna dla romantyzmu poetyczność nocy - dziwnego, surrealistycznego, żyjącego własnymi prawami świata - doprowadziła do rozkwitu "gatunku nocy", który staje się ulubionym malarstwem romantycznym, zwłaszcza wśród artystów niemieckich.

Jednym z pierwszych krajów, w których ukształtował się romantyzm w sztukach wizualnych, byłNiemcy .

Twórczość miała zauważalny wpływ na rozwój gatunku romantycznego pejzażu.Caspar David Friedrich (1774-1840). W jego dziedzictwie artystycznym dominują pejzaże przedstawiające górskie szczyty, lasy, morze, wybrzeże morskie, a także ruiny starych katedr, opuszczone opactwa, klasztory („Krzyż w górach”, „Katedra”, „Opactwo wśród dębów drzewa"). Mają zwykle uczucie niezmiennego smutku ze świadomości tragicznej utraty człowieka na świecie.

Artysta uwielbiał te stany natury, które najbardziej odpowiadają jej romantycznemu postrzeganiu: wczesny poranek, wieczorny zachód słońca, wschód księżyca („Dwoje kontemplujące księżyc”, „Cmentarz klasztorny”, „Pejzaż z tęczą”, „Wschód księżyca nad morzem”, „ Skały kredowe na wyspie Rugia "," Na żaglówce "," Port nocą ").

Nieustannymi bohaterami jego prac są samotni marzyciele pogrążeni w kontemplacji natury. Patrząc w niezmierzone odległości i bezkresne wysokości, dołączają do odwiecznych sekretów wszechświata, zostają przeniesieni do cudownego świata marzeń. Frederick przekazuje ten cudowny świat za pomocą magicznie świecącego światła- promienna słoneczna lub tajemnicza księżycowa.

Twórczość Fryderyka budziła podziw współczesnych, m.in. I. W. Goethego i V.A. Żukowski, dzięki któremu wiele jego obrazów zostało nabytych przez Rosję.

Malarz, grafik, poeta i teoretyk sztukiPhilip Otto Runge (1777-1810) poświęcił się głównie gatunkowi portretowemu. W swoich pracach upoetyzował wizerunki zwykłych ludzi, często swoich bliskich („My Troje” – nie zachował się autoportret z panną młodą i bratem; „Dzieci rodziny Hulsenbeków”, „Portret rodziców artysty ”, „Autoportret”). Głęboka religijność Runge została wyrażona w takich obrazach jak „Chrystus na brzegu Jeziora Tyberiadzkiego” i „Odpoczynek w locie do Egiptu” (nieukończone). Artysta podsumował swoje przemyślenia na temat sztuki w traktacie teoretycznym "Sfera kolorów".

Chęć odrodzenia podstaw religijno-moralnych w sztuce niemieckiej wiąże się z twórczą działalnością artystów”. Szkoła nazareńska (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Zutter,P. von Cornelius). Zjednoczeni w swego rodzaju braterstwie religijnym („Unia św. Łukasza”), „Nazarejczycy” żyli w Rzymie na wzór wspólnoty monastycznej i malowali obrazy o tematyce religijnej. Uważali malarstwo włoskie i niemieckie za wzór swoich poszukiwań twórczych.XIV - Xvwieki (Perugino, wczesny Rafał, A. Durer, H. Holbein Młodszy, L.Cranacha). W obrazie „Triumf religii w sztuce” Overbeck bezpośrednio naśladuje „Szkołę Ateńską” Rafaela, a Korneliusza w „Jeźdźcach Apokalipsy” - rycinie o tej samej nazwie autorstwa Dürera.

Członkowie bractwa za główne cnoty artysty uważali duchową czystość i szczerą wiarę, wierząc, że „tylko Biblia uczyniła Rafaela geniuszem”. Prowadząc odosobnione życie w celach opuszczonego klasztoru, podnieśli swoją służbę sztuce do kategorii służby duchowej.

„Nazarejczyk” skłaniał się ku wielkim monumentalnym formom, starał się ucieleśniać wzniosłe ideały przy pomocy odrodzonej techniki fresku. Niektóre malowidła zostały przez nich wykonane wspólnie.

W latach 20. i 30. członkowie bractwa wyjechali do Niemiec, otrzymując kierownicze stanowiska w różnych akademiach artystycznych. Tylko Overbeck mieszkał we Włoszech aż do śmierci, nie zdradzając swoich artystycznych zasad. Najlepsze tradycje „Nazarejczyków” przez długi czas przetrwały w malarstwie historycznym. Ich ideologiczne i moralne poszukiwania wpłynęły na angielskich prerafaelitów, a także na twórczość takich mistrzów jak Schwind i Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), Austriak z urodzenia, pracował w Monachium. W pracach sztalugowych przedstawia głównie wygląd i życie dawnych niemieckich miast prowincjonalnych wraz z ich mieszkańcami. Odbywa się to z wielką poezją i liryzmem, z miłością do swoich bohaterów.

Karl Spitzweg (1808-1885) - monachijski malarz, grafik, genialny rysownik, karykaturzysta, również nie pozbawiony sentymentalizmu, ale z wielkim humorem opowiada o miejskim życiu ("Biedny poeta", "Poranna kawa").

Schwind i Spitzweg są zwykle kojarzone z nurtem kulturowym w Niemczech znanym jako Biedermeier.Biedermeier - to jeden z najpopularniejszych stylów epoki (przede wszystkim w dziedzinie życia codziennego, ale także w sztuce) ... Wysunął na pierwszy plan mieszczan, przeciętnego człowieka na ulicy. Centralnym tematem malarstwa biedermeierowego jest codzienność człowieka, nierozerwalnie związana z jego domem i rodziną. Zainteresowanie Biedermeiera nie przeszłością, ale teraźniejszością, nie wielkim, ale małym, przyczyniło się do ukształtowania się w malarstwie nurtu realistycznego.

Francuska szkoła romantyczna

Najbardziej konsekwentna szkoła romantyzmu w malarstwie rozwinęła się we Francji. Powstał jako sprzeciw wobec klasycyzmu, który przerodził się w zimny, racjonalny akademizm i wyłonił tak wielkich mistrzów, którzy decydowali o dominujących wpływach szkoły francuskiej w XIX wieku.

Francuscy malarze romantyczni skłaniali się ku wątkom pełnym dramatyzmu i patosu, wewnętrznego napięcia, dalekiego od „nudnej codzienności”. Wcielając je, zreformowali środki obrazowe i ekspresyjne:

Z nazwą wiążą się pierwsze błyskotliwe sukcesy romantyzmu w malarstwie francuskimTeodor Gericault (1791-1824), który wcześniej niż inni potrafił wyrazić czysto romantyczne odczucie konfliktu na świecie. Już w jego pierwszych pracach widać chęć ukazania dramatycznych wydarzeń naszych czasów. Na przykład obrazy „Oficer strzelców konnych idący do ataku” i „Rany kirasjer” odzwierciedlały romans epoki napoleońskiej.

Obraz Gericaulta „Tratwa Meduzy”, poświęcony niedawnemu wydarzeniu we współczesnym życiu - zatonięciu statku pasażerskiego z winy armatora, miał ogromny rezonans ... Gericault stworzył gigantyczne płótno 7×5 m, na którym zobrazował moment, w którym ludzie na skraju śmierci zobaczyli na horyzoncie statek ratunkowy. Ekstremalne napięcie podkreśla surowa, mroczna kolorystyka, ukośna kompozycja. Obraz ten stał się symbolem dzisiejszej Gericault France, która podobnie jak ludzie uciekający z wraku przeżywała zarówno nadzieję, jak i rozpacz.

Artysta znalazł temat swojego ostatniego dużego obrazu - "Wyścigi konne w Epsom" w Anglii. Przedstawia konie latające jak ptaki (ulubiony wizerunek Gericaulta, który jako nastolatek stał się doskonałym jeźdźcem). Wrażenie żywiołowości potęguje pewna technika: konie i dżokeje są napisane bardzo starannie, a tło szerokie.

Po śmierci Gericaulta (zginął tragicznie w kwiecie sił i talentu) jego młody przyjaciel został uznanym przywódcą francuskich romantykówEugene Delacroix (1798-1863). Delacroix był wszechstronnie uzdolniony, posiadał talent muzyczny i literacki. Jego pamiętniki, artykuły o artystach to najciekawsze dokumenty epoki. Jego teoretyczne badania praw koloru wywarły ogromny wpływ na przyszłych impresjonistów, a zwłaszcza na V. Van Gogha.

Pierwszy obraz Delacroix, który przyniósł mu sławę, - „Dante i Virgil” („Łódź Dantego”), napisany na fabule „Boskiej komedii”. Zadziwiała współczesnych namiętnym patosem, potęgą ponurego koloru.

Zwieńczeniem twórczości artysty była „Wolność na barykadach” („Wolność wiodąca lud”). Wiarygodność rzeczywistego faktu (obraz powstał w szczytowym momencie rewolucji lipcowej 1830 we Francji) łączy się tu z romantycznym marzeniem o wolności i symboliką obrazów. Piękna młoda kobieta staje się symbolem rewolucyjnej Francji.

Wcześniejszy obraz „Masakra na Chios”, poświęcony walce narodu greckiego z panowaniem tureckim, był także odpowiedzią na współczesne wydarzenia. .

Po wizycie w Maroku Delacroix odkrył egzotyczny świat arabskiego Wschodu, któremu poświęcił wiele obrazów i szkiców. W „Kobietach algierskich” świat muzułmańskiego haremu po raz pierwszy pojawił się przed europejską publicznością.

Artysta stworzył także serię portretów przedstawicieli inteligencji twórczej, z których wielu było jego przyjaciółmi (portrety N. Paganiniego, F. Chopina, G. Berlioza itp.).

W późnym okresie swojej twórczości Delacroix skłaniał się ku tematyce historycznej, pracował jako monumentalista (obrazy w Izbie Poselskiej, Senacie) i jako grafik (ilustracje do dzieł Szekspira, Goethego, Byrona).

Z pejzażem związane są nazwiska angielskich malarzy epoki romantyzmu - R. Benington, J. Constable, W. Ternera. W tej dziedzinie naprawdę otworzyli nową stronę: ich rodzima natura znalazła w ich pracy tak szeroką i pełną miłości refleksję, jakiej nie znał wówczas żaden inny kraj.

John Constable (1776-1837) jako jeden z pierwszych w historii pejzażu europejskiego malował szkice całkowicie z natury, zwracając się ku bezpośredniej obserwacji przyrody. Jego obrazy mają proste motywy: wsie, farmy, kościoły, pas rzeki lub nadmorska plaża: „Wózek z sianem”, Dolina Detham ”,„ Katedra w Salisbury z Ogrodu Biskupiego”. Prace Constable'a stały się impulsem do stworzenia realistycznego krajobrazu we Francji.

William Turner (1775-1851) - malarz morski ... Przyciągnęło go wzburzone morze, deszcze, burze, powodzie, tornada: „Ostatnia podróż statku” Chrobrego ”,„ Burza nad Piazzetta ”. Odważne poszukiwania kolorystyczne, rzadkie efekty świetlne zamieniają czasami jego obrazy w lśniące fantasmagoryczne widowiska: „Ogień londyńskiego parlamentu”, „Burza śnieżna”. Parowiec opuszcza port i daje sygnały o niebezpieczeństwie, gdy wpada do płytkiej wody.” .

Turner jest właścicielem pierwszego obrazu w malowaniu lokomotywy parowej poruszającej się po szynach - symbolu industrializacji. W Rain, Steam and Speed ​​lokomotywa parowa pędzi wzdłuż Tamizy przez mglisty deszcz. Wszystkie materialne przedmioty wydają się łączyć w obraz mirażu, który doskonale oddaje poczucie prędkości.

Unikalne studium Turnera nad efektami świetlnymi i barwnymi w dużej mierze zapowiadało odkrycia francuskich malarzy impresjonistów.

W 1848 roku w Anglii byłoBractwo Prerafaelitów (z łac. prae – „przed” i Rafał), która zjednoczyła artystów nie akceptujących współczesnego społeczeństwa i sztuki uczelni akademickiej. Swój ideał widzieli w sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu (stąd nazwa). Głównymi członkami bractwa sąWilliam Holman Hunt, John Everett Milles, Dante Gabriel Rossetti. We wczesnych pracach artyści ci używali skrótu PB zamiast podpisów. .

Z romantykami prerafaelici byli związani z miłością do starożytności. Zwrócili się w stronę tematów biblijnych („Światło świata” i „Niewierny pasterz” WH Hunta; „Dzieciństwo Maryi” i „Zwiastowanie” DG Rossetti), scen z historii średniowiecza oraz sztuk teatralnych W. Szekspir („Ofelia” Millesa).

Aby namalować postacie i przedmioty ludzkie w ich naturalnej wielkości, prerafaelici zwiększyli wielkość płócien i wykonali szkice krajobrazowe z natury. Postacie na swoich obrazach miały prototypy wśród prawdziwych ludzi. Na przykład DG Rossetti przedstawił swoją ukochaną Elizabeth Siddal w prawie wszystkich swoich pracach, kontynuując, niczym średniowieczny rycerz, pozostawanie wiernym swojej ukochanej nawet po jej przedwczesnej śmierci (Niebieska jedwabna suknia, 1866).

Ideologem prerafaelitów był…Jan Ruskiń (1819-1900) - angielski pisarz, krytyk sztuki i teoretyk sztuki, autor słynnej serii książek "Artyści współcześni".

Twórczość prerafaelitów wywarła znaczący wpływ na wielu artystów i stała się zapowiedzią symboliki w literaturze (W. Pater, O. Wilde) i sztukach wizualnych (O. Beardsley, G. Moreau itp.).

przydomek „Nazarejczyk” mógł pochodzić od nazwy miasta Nazaret w Galilei, gdzie urodził się Jezus Chrystus. Według innej wersji powstał on przez analogię z nazwą hebrajskiej wspólnoty religijnej Nazarejczyków. Możliwe też, że nazwa grupy wzięła się od tradycyjnej nazwy fryzury „Alla Nazarena”, rozpowszechnionej w średniowieczu i znanej z autoportretu A. Dürera: sposobu noszenia długich włosów, rozdzielonych w środkowym przez rozstanie, został ponownie wprowadzony przez Overbecka.

Biedermeier(niem. „dzielny Meyer”, filistyn) to nazwisko fikcyjnej postaci ze zbioru wierszy niemieckiego poety Ludwiga Eichrodta. Eichrodt stworzył parodię prawdziwej osoby - Samuela Friedricha Sautera, starego nauczyciela, który pisał naiwną poezję. Eichrodt w swojej karykaturze podkreślał filisterski prymitywizm myślenia biedermeiera, który stał się swego rodzaju parodią symbolu epoki. zamaszyste pociągnięcia pędzla w kolorach czarnym, brązowym i zielonkawym oddają furię burzy. Wzrok widza wydaje się być w centrum wiru, statek wydaje się być zabawką fal i wiatru.

Romantyzm jako kierunek w malarstwie ukształtował się w Europie Zachodniej pod koniec XVIII wieku. Romantyzm rozkwitł w sztuce większości krajów Europy Zachodniej w latach 20. i 30. XX wieku. 19 wiek.

Sam termin „romantyzm” pochodzi od słowa „powieść” (w XVII wieku powieści odnosiły się do dzieł literackich napisanych nie po łacinie, ale w językach z niego wywodzących się - francuskim, angielskim itp.). Później wszystko, co niezrozumiałe i tajemnicze, nazwano romantycznym.

Jako fenomen kulturowy romantyzm powstał ze specjalnego światopoglądu wygenerowanego przez wyniki Wielkiej Rewolucji Francuskiej. Rozczarowani ideałami Oświecenia romantycy, dążąc do harmonii i integralności, stworzyli nowe ideały estetyczne i wartości artystyczne. Głównymi obiektami ich uwagi były wybitne postacie ze wszystkimi ich przeżyciami i pragnieniem wolności. Bohater dzieł romantycznych to niezwykła osoba, która z woli losu znalazła się w trudnej sytuacji życiowej.

Choć romantyzm powstał jako protest przeciwko sztuce klasycyzmu, pod wieloma względami był bliski tej ostatniej. Romantycy byli po części takimi przedstawicielami klasycyzmu jak N. Poussin, C. Lorrain, J. OD Ingres.

Romantycy wprowadzili do malarstwa swoiste cechy narodowe, czyli coś, czego w sztuce klasyków brakowało.
Największym przedstawicielem francuskiego romantyzmu był T. Gericault.

Teodor Gericault

Théodore Gericault, wielki francuski malarz, rzeźbiarz i grafik, urodził się w 1791 roku w Rouen w zamożnej rodzinie. Talent artysty ujawnił się w nim dość wcześnie. Często zamiast uczęszczać na lekcje w szkole, Gericault siedział w stajni i rysował konie. Już wtedy starał się nie tylko przenieść na papier zewnętrzne cechy zwierząt, ale także przekazać ich temperament i charakter.

Po ukończeniu Liceum w 1808 roku Gericault został uczniem słynnego wówczas mistrza malarstwa Karla Verneta, który słynął z umiejętności przedstawiania koni na płótnie. Młodemu artyście nie podobał się jednak styl Verneta. Wkrótce opuszcza pracownię i wchodzi na studia do innego, nie mniej utalentowanego malarza niż Vernet, PN Gehren. Studiując z dwoma słynnymi artystami, Gericault nie stał się jednak następcą ich tradycji malarskich. Jego prawdziwi nauczyciele najprawdopodobniej powinni być uważani za J. A. Gro i J. L. Davida.

Wczesne dzieła Gericaulta wyróżniają się tym, że są jak najbliżej życia. Takie obrazy są niezwykle ekspresyjne i żałosne. Pokazują entuzjastyczny nastrój autora przy ocenie otaczającego go świata. Przykładem jest obraz zatytułowany „Oficer cesarskich konnych komandosów podczas ataku”, powstały w 1812 roku. Obraz ten po raz pierwszy zobaczyli zwiedzający Salon Paryski. Z podziwem przyjęli twórczość młodego artysty, doceniając talent młodego mistrza.

Dzieło powstało w tym okresie historii Francji, kiedy Napoleon był u szczytu swojej sławy. Współcześni ubóstwiali go, wielkiego cesarza, któremu udało się podbić większość Europy. W tym właśnie nastroju, pod wrażeniem zwycięstw armii napoleońskiej, powstał obraz. Płótno przedstawia żołnierza galopującego na koniu do ataku. Jego twarz wyraża determinację, odwagę i nieustraszoność w obliczu śmierci. Cała kompozycja
niezwykle dynamiczny i emocjonalny. Widz ma poczucie, że sam staje się prawdziwym uczestnikiem wydarzeń przedstawionych na płótnie.

Postać odważnego żołnierza niejednokrotnie pojawi się w twórczości Gericaulta. Wśród takich obrazów szczególnie interesują się bohaterowie obrazów „Oficer karabinierów”, „Oficer kirasjerów przed atakiem”, „Portret karabinierów”, „Zraniony kirasjer”, powstałych w latach 1812–1814. Ostatnia praca wyróżnia się tym, że została zaprezentowana na kolejnej wystawie w Salonie w tym samym roku. Nie jest to jednak główna zaleta kompozycji. Co ważniejsze, pokazał zmiany, jakie zaszły w stylu twórczym artysty. O ile szczere uczucia patriotyczne znalazły odzwierciedlenie w jego pierwszych płótnach, o tyle w utworach z 1814 roku patos w przedstawianiu bohaterów ustępuje miejsca dramatowi.

Podobna zmiana nastroju artysty ponownie wiązała się z wydarzeniami odbywającymi się w tym czasie we Francji. W 1812 roku Napoleon został pokonany w Rosji, w związku z czym on, niegdyś genialny bohater, zyskuje wśród współczesnych sławę pechowego wodza wojskowego i aroganckiego, aroganckiego człowieka. Idealnie, Gericault ucieleśnia rozczarowanie obrazem „Zraniony kirasjer”. Płótno przedstawia rannego wojownika próbującego jak najszybciej opuścić pole bitwy. Opiera się o szablę – broń, którą być może jeszcze kilka minut temu trzymał, trzymając ją wysoko.

To niezadowolenie Gericaulta z polityki Napoleona podyktowało jego wejście na służbę Ludwikowi XVIII, który objął tron ​​francuski w 1814 roku. kraj razem z Burbonami. Ale i tutaj był rozczarowany. Młody człowiek nie mógł spokojnie patrzeć, jak król niszczy wszystko, co osiągnięto za panowania Napoleona. Ponadto za Ludwika XVIII nastąpił wzrost reakcji feudalno-katolickiej, kraj coraz bardziej się wycofywał, powracając do starej struktury państwowej. Młoda, postępowa osoba nie mogła tego zaakceptować. Wkrótce młody człowiek, utraciwszy wiarę w ideały, opuszcza armię dowodzoną przez Ludwika XVIII i ponownie bierze pędzle i farby. Tych lat nie można nazwać jasnymi i niczym niezwykłym w twórczości artysty.

W 1816 Gericault udał się w podróż do Włoch. Po zwiedzeniu Rzymu i Florencji i studiowaniu arcydzieł słynnych mistrzów artysta lubi malarstwo monumentalne. Szczególnie interesują go freski Michała Anioła, które zdobią Kaplicę Sykstyńską. W tym czasie Gericault stworzył dzieła, które swoją skalą i majestatem pod wieloma względami przypominają płótna malarzy renesansu. Wśród nich najciekawsze są „Uprowadzenie nimfy przez centaura” oraz „Człowiek, który powala byka”.

Te same cechy manier dawnych mistrzów widoczne są w obrazie „Wybieg wolnych koni w Rzymie”, napisanym około 1817 r. i przedstawiającym rywalizację jeźdźców na jednym z karnawałów odbywających się w Rzymie. Osobliwością tej kompozycji jest to, że została skompilowana przez artystę z gotowych rysunków w pełnej skali. Ponadto charakter szkiców znacznie odbiega od stylu całej pracy. Jeśli te pierwsze to sceny opisujące życie Rzymian - współczesnych artystom, to w ogólnej kompozycji podane są wizerunki odważnych starożytnych bohaterów, jakby wyszły ze starożytnych narracji. W tym Gericault podąża ścieżką J.L. Davida, który, aby dać obraz heroicznego patosu, ubrał swoich bohaterów w antyczne formy.

Wkrótce po napisaniu tego obrazu Gericault wrócił do Francji, gdzie został członkiem opozycyjnego kręgu, który uformował się wokół malarza Horacego Verneta. Po przybyciu do Paryża artysta szczególnie interesował się grafiką. W 1818 stworzył szereg litografii o tematyce militarnej, wśród których najważniejszą był Powrót z Rosji. Litografia przedstawia pokonanych żołnierzy armii francuskiej wędrujących po zaśnieżonym polu. Postacie osób okaleczonych i torturowanych przez wojnę są przedstawione w sposób realistyczny i zgodny z prawdą. Kompozycji brakuje patetycznego i heroicznego patosu, typowego dla wczesnych dzieł Gericaulta. Artysta stara się oddać prawdziwy stan rzeczy, wszystkie nieszczęścia, jakie porzuceni przez dowódcę francuscy żołnierze musieli znosić na obcej ziemi.

W pracy „Powrót z Rosji” po raz pierwszy zabrzmiał temat walki człowieka ze śmiercią. Jednak w tym przypadku motyw ten nie jest jeszcze wyrażony tak wyraźnie, jak w późniejszych pracach Gericaulta. Przykładem takich płócien jest obraz „Tratwa Meduzy”. Został napisany w 1819 roku i wystawiony w Salonie Paryskim w tym samym roku. Płótno przedstawia ludzi walczących z szalejącym żywiołem wody. Artysta pokazuje nie tylko ich cierpienie i udrękę, ale także chęć wyjścia zwycięsko w walce ze śmiercią wszelkimi sposobami.

Fabuła kompozycji jest podyktowana wydarzeniem, które miało miejsce latem 1816 roku i które zachwyciło całą Francję. Słynna wówczas fregata „Medusa” wleciała na rafy i zatonęła u wybrzeży Afryki. Spośród 149 osób na statku tylko 15 udało się uciec, wśród nich byli chirurg Savigny i inżynier Correar. Po przybyciu do ojczyzny opublikowali małą książeczkę opowiadającą o swoich przygodach i szczęśliwym zbawieniu. To właśnie z tych wspomnień Francuzi dowiedzieli się, że nieszczęście stało się z winy niedoświadczonego kapitana statku, który wszedł na pokład dzięki patronatowi szlachetnego przyjaciela.

Obrazy tworzone przez Gericault są niezwykle dynamiczne, elastyczne i wyraziste, co artysta osiągnął dzięki długiej i żmudnej pracy. Aby wiernie oddać na płótnie straszne wydarzenia, przekazać uczucia ludzi umierających na morzu, artysta spotyka się z naocznymi świadkami tragedii, przez długi czas bada twarze wychudzonych pacjentów leczonych w jednym z paryskich szpitali , a także marynarzy, którym udało się uciec z wraków. W tym czasie malarz stworzył wiele prac portretowych.

Rozszalałe morze jest również przepełnione głębokim znaczeniem, jakby próbowało połknąć drewnianą, kruchą tratwę z ludźmi. Ten obraz jest niezwykle wyrazisty i dynamiczny. On, podobnie jak postacie ludzi, został skreślony z natury: artysta wykonał kilka szkiców przedstawiających morze podczas burzy. Pracując nad monumentalną kompozycją Gericault niejednokrotnie sięgał do przygotowanych wcześniej szkiców, aby w pełni oddać charakter żywiołów. Dlatego obraz robi na widzu ogromne wrażenie, przekonuje go o realizmie i prawdziwości tego, co się dzieje.

Tratwa Meduzy przedstawia Gericaulta jako niezwykłego mistrza kompozycji. Artysta długo zastanawiał się, jak ułożyć postacie na obrazie, aby jak najpełniej wyrazić intencję autora. W trakcie prac dokonano kilku zmian. Szkice poprzedzające obraz wskazują, że początkowo Gericault chciał przedstawić walkę ludzi na tratwie ze sobą, ale później odmówił takiej interpretacji wydarzenia. W ostatecznej wersji płótno reprezentuje moment, w którym już zdesperowani ludzie widzą na horyzoncie statek „Argus” i wyciągają do niego ręce. Ostatnim dodatkiem do obrazu była postać ludzka umieszczona poniżej, po prawej stronie płótna. To ona była ostatnim szlifem kompozycji, która potem nabrała głęboko tragicznego charakteru. Warto zauważyć, że zmiana ta nastąpiła, gdy obraz był już wystawiony w Salonie.

Swoją monumentalnością i wzmożoną emocjonalnością malarstwo Gericaulta pod wieloma względami przypomina twórczość mistrzów wysokiego renesansu (przede wszystkim Sąd Ostateczny Michała Anioła), których artysta poznał podczas podróży do Włoch.

Obraz „Tratwa Meduzy”, który stał się arcydziełem malarstwa francuskiego, odniósł ogromny sukces w kręgach opozycyjnych, które widziały w nim odbicie ideałów rewolucyjnych. Z tych samych powodów dzieło nie zostało zaakceptowane przez najwyższą szlachtę i oficjalnych przedstawicieli sztuk pięknych Francji. Dlatego w tym czasie obraz nie został odkupiony przez państwo od autora.

Rozczarowany przyjęciem, jakie spotkało jego dzieło w ojczyźnie, Gericault wyjechał do Anglii, gdzie zaprezentował swoje ulubione dzieło na brytyjskim dworze. W Londynie znawcy sztuki z wielkim entuzjazmem przyjęli słynne płótno.

Gericault zbliża się do angielskich artystów, którzy urzekają go umiejętnością szczerego i zgodnego z prawdą przedstawiania rzeczywistości. Gericault poświęca życie i codzienne życie stolicy Anglii cykl litografii, wśród których najciekawsze są prace, które otrzymały nazwy „Wielka Angielska Suita” (1821) oraz „Stary żebrak umierający pod drzwiami piekarni ” (1821). W tym ostatnim artysta przedstawił londyńskiego włóczęgę, którego wizerunek odzwierciedlał wrażenia, jakie malarz odniósł w procesie badania życia ludzi w robotniczych dzielnicach miasta.

W tym cyklu znalazły się również takie litografie jak „Kowal z Flandrii” i „U bram Stoczni Adelphin”, prezentujące widzowi obraz życia zwykłych ludzi w Londynie. Interesujące w tych pracach są wizerunki koni, ciężkich i z nadwagą. Różnią się znacznie od tych pełnych wdzięku i wdzięku zwierząt, które namalowali inni artyści - współcześni Gericaultowi.

Podczas pobytu w stolicy Anglii Gericault zajmuje się tworzeniem nie tylko litografii, ale także obrazów. Jednym z najbardziej uderzających dzieł tego okresu było płótno „Wyścigi w Epsom”, powstałe w 1821 roku. Na zdjęciu artysta przedstawia pędzące z pełną prędkością konie, a ich stopy w ogóle nie dotykają ziemi. Mistrz posługuje się tą przebiegłą techniką (zdjęcie dowiodło, że konie nie mogą mieć takiej pozycji nóg podczas biegu, to fantazja artysty) aby nadać kompozycji dynamizmu, stworzyć wrażenie błyskawicznego ruchu koni w przeglądarce. Wrażenie to potęguje dokładne odwzorowanie plastyczności (postawy, gestów) postaci ludzkich, a także zastosowanie jasnych i soczystych zestawień kolorystycznych (czerwony, gniady, biały konie; ciemnoniebieski, ciemnoczerwony, biało-niebieski i złoty). -żółte kurtki dżokejów) ...

Temat wyścigów konnych, który od dawna przykuwał uwagę malarza swoją szczególną ekspresją, niejednokrotnie powtarzał się w pracach stworzonych przez Gericaulta po zakończeniu pracy nad „Wyścigami w Epsom”.

W 1822 artysta opuścił Anglię i powrócił do rodzinnej Francji. Tutaj zajmuje się tworzeniem dużych płócien, podobnych do dzieł mistrzów renesansu. Wśród nich są „Handel czarnymi”, „Otwarcie drzwi więzienia Inkwizycji w Hiszpanii”. Obrazy te pozostały niedokończone - śmierć uniemożliwiła Gericaultowi ukończenie dzieła.

Na szczególną uwagę zasługują portrety, których powstanie przez badaczy sztuki przypisuje się okresowi od 1822 do 1823 roku. Na szczególną uwagę zasługuje historia ich twórczości. Faktem jest, że te portrety zostały zamówione przez przyjaciela artysty, który pracował jako psychiatra w klinice w Paryżu. Miały stać się rodzajem ilustracji pokazujących różne choroby psychiczne człowieka. Tak powstały portrety „Szalony staruszka”, „Szalony”, „Szalony, wyobrażający sobie, że jest dowódcą”. Dla mistrza malarstwa ważne było tutaj nie tyle pokazanie zewnętrznych oznak i symptomów choroby, ile przekazanie wewnętrznego, psychicznego stanu chorego. Na płótnach przed widzem pojawiają się tragiczne obrazy ludzi, których oczy pełne są bólu i smutku.

Wśród portretów Gericaulta szczególne miejsce zajmuje portret Murzyna, który obecnie znajduje się w zbiorach Muzeum w Rouen. Zdecydowana i silna wola osoba patrzy na widza z płótna, gotowa walczyć do końca z wrogimi mu siłami. Obraz jest niezwykle jasny, emocjonalny i wyrazisty. Osoba na tym zdjęciu jest bardzo podobna do bohaterów o silnej woli, których Gericault pokazał wcześniej w dużych kompozycjach (na przykład na płótnie „Tratwa Meduzy”).

Gericault był nie tylko mistrzem malarstwa, ale także znakomitym rzeźbiarzem. Jego prace w tej dziedzinie sztuki na początku XIX wieku były pierwszymi przykładami rzeźby romantycznej. Wśród takich dzieł szczególnie interesująca jest niezwykle ekspresyjna kompozycja „Nymfa i satyr”. Obrazy zatrzymane w ruchu dokładnie oddają plastyczność ludzkiego ciała.

Théodore Gericault zginął tragicznie w 1824 roku w Paryżu, spadając z konia. Jego wczesna śmierć była zaskoczeniem dla wszystkich współczesnych słynnemu artyście.

Praca Gericaulta wyznaczyła nowy etap w rozwoju malarstwa nie tylko we Francji, ale także w sztuce światowej - okresie romantyzmu. W swoich pracach mistrz pokonuje wpływy tradycji klasycystycznych. Jego prace są niezwykle kolorowe i odzwierciedlają całą różnorodność świata przyrody. Wprowadzając do kompozycji postacie ludzkie, artysta dąży do jak najpełniejszego i najbardziej wyrazistego ukazania wewnętrznych przeżyć i emocji człowieka.

Po śmierci Gericaulta tradycje jego sztuki romantycznej przejął młodszy współczesny artyście E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, słynny francuski artysta i grafik, następca tradycji romantyzmu, które rozwinęły się w twórczości Gericaulta, urodził się w 1798 roku. słynny mistrz Guerin. Jednak metody artystyczne młodego malarza nie spełniały wymagań nauczyciela, dlatego siedem lat później młody człowiek go opuszcza.

Studiując u Guerina, Delacroix poświęca dużo czasu studiowaniu twórczości Dawida i mistrzów malarstwa renesansu. Uważa, że ​​kultura starożytności, której tradycje również podążał, ma fundamentalne znaczenie dla rozwoju sztuki światowej. Dlatego ideałami estetycznymi dla Delacroix były dzieła poetów i myślicieli starożytnej Grecji, wśród których artysta szczególnie wysoko cenił twórczość Homera, Horacego i Marka Aureliusza.

Pierwszymi dziełami Delacroix były niedokończone płótna, na których młody malarz starał się odzwierciedlić walkę Greków z Turkami. Artystce brakowało jednak umiejętności i doświadczenia, by stworzyć wyrazisty obraz.

W 1822 Delacroix wystawił swoją pracę pod tytułem „Dante i Virgil” w Salonie Paryskim. To płótno, niezwykle emocjonalne i jasne w kolorze, pod wieloma względami przypomina dzieło Gericaulta „Tratwa Meduzy”.

Dwa lata później publiczności Salonu zaprezentowano kolejny obraz Delacroix – „Masakra na Chios”. To w nim wcielił się wieloletni plan artysty, aby pokazać walkę Greków z Turkami. Całość kompozycji obrazu składa się z kilku części, które tworzą osobno ułożone grupy ludzi, z których każda ma swój własny dramatyczny konflikt. Ogólnie praca sprawia wrażenie głębokiej tragedii. Poczucie napięcia i dynamizmu potęguje połączenie płynnych i ostrych linii tworzących sylwetki postaci, co prowadzi do zmiany proporcji postaci przedstawionej przez artystę. Jednak to dzięki temu obraz nabiera realistycznego charakteru i żywotnej siły przekonywania.

Metoda twórcza Delacroix, w pełni wyrażona w „Masakrze na Chios”, jest daleka od klasycznego stylu przyjętego wówczas w oficjalnych kręgach Francji i wśród przedstawicieli sztuk pięknych. Dlatego obraz młodego artysty spotkał się w Salonie z ostrą krytyką.

Mimo niepowodzenia malarz pozostaje wierny swojemu ideałowi. W 1827 r. Pojawiła się kolejna praca na temat walki narodu greckiego o niepodległość - „Grecja na ruinach Missolonghi”. Przedstawiona na płótnie postać stanowczej i dumnej Greczynki uosabia tutaj niezwyciężoną Grecję.

W 1827 roku Delacroix ukończył dwie prace, które odzwierciedlały twórcze poszukiwania mistrza w dziedzinie środków i metod artystycznego wyrazu. Są to obrazy „Śmierć Sardanapala” i „Marino Faliero”. W pierwszym tragizm sytuacji oddawany jest w ruchu postaci ludzkich. Jedynie wizerunek samego Sardanapala jest statyczny i spokojny. W kompozycji „Marino Faliero” dynamiczna jest tylko postać głównego bohatera. Reszta bohaterów wydawała się zamrożona z przerażenia na myśl o tym, co powinno się wydarzyć.

W latach 20. XIX wiek. Delacroix wykonał szereg prac, których wątki pochodzą ze słynnych dzieł literackich. W 1825 artysta odwiedził Anglię, ojczyznę Williama Szekspira. W tym samym roku pod wrażeniem tej podróży i tragedii słynnego dramaturga Delacroix powstała litografia „Makbet”. W latach 1827-1828 stworzył litografię „Faust”, poświęconą dziełu Goethego o tym samym tytule.

W związku z wydarzeniami, które miały miejsce we Francji w 1830 roku, Delacroix wykonał obraz „Wolność prowadząca lud”. Rewolucyjna Francja przedstawiona jest na obrazie kobiety młodej, silnej, apodyktycznej, zdecydowanej i niezależnej, odważnie przewodzącej tłumowi, w którym wyróżniają się postacie robotnika, studenta, rannego żołnierza, paryskiego gamina (obraz antycypujący Gavroche, który pojawił się później w Les Miserables V. Hugo).

Praca ta wyraźnie różniła się od podobnych prac innych artystów, których interesowało jedynie prawdziwe przekazanie tego czy tamtego wydarzenia. Płótna stworzone przez Delacroix charakteryzowały się wysokim heroicznym patosem. Obrazy są tutaj uogólnionymi symbolami wolności i niezależności narodu francuskiego.

Wraz z dojściem do władzy Ludwika Filipa - burżuazyjnego króla - bohaterstwa i wzniosłych uczuć głoszonych przez Delacroix, we współczesnym życiu nie było miejsca. W 1831 artysta odbył podróż do krajów afrykańskich. Odwiedził Tanger, Meknes, Oran i Algierię. W tym samym czasie Delacroix odwiedza Hiszpanię. Życie Wschodu dosłownie fascynuje artystę swoim szybkim przepływem. Tworzy szkice, rysunki oraz szereg akwareli.

Po wizycie w Maroku Delacroix maluje płótna poświęcone Wschodowi. Obrazy, na których artysta przedstawia wyścigi czy bitwę mauretańskich jeźdźców, są niezwykle dynamiczne i ekspresyjne. Dla porównania kompozycja „Algierki w swoich komnatach”, stworzona w 1834 roku, wydaje się spokojna i statyczna. Brakuje w nim żywiołowego dynamizmu i napięcia tkwiącego we wcześniejszych pracach artysty. Delacroix pojawia się tutaj jako mistrz koloru. Kolorystyka zastosowana przez malarza w całości odzwierciedla jasną różnorodność palety, która kojarzy się widzowi z kolorami Wschodu.

Ta sama beztroska i regularność cechuje obraz „Wesele żydowskie w Maroku”, napisany około 1841 roku. Tajemnicza orientalna atmosfera tworzy się tu dzięki dokładnemu oddaniu przez artystę oryginalności narodowego wnętrza. Kompozycja wydaje się zaskakująco dynamiczna: malarz pokazuje, jak ludzie wchodzą po schodach i wchodzą do pokoju. Światło wpadające do pomieszczenia sprawia, że ​​obraz wygląda realistycznie i przekonująco.

Motywy orientalne przez długi czas były obecne w twórczości Delacroix. I tak na wystawie zorganizowanej w Salonie w 1847 roku na sześć prezentowanych przez niego prac pięć poświęconych było życiu i życiu codziennemu Wschodu.

W latach 30-40. W XIX wieku w twórczości Delacroix pojawiają się nowe tematy. W tym czasie mistrz tworzy dzieła o tematyce historycznej. Wśród nich na szczególną uwagę zasługują płótna „Protest Mirabeau przeciwko rozwiązaniu stanów generalnych” i „Boissy d'Angla”. Szkic tego ostatniego, pokazany w 1831 roku w Salonie, jest żywym przykładem kompozycji na temat powstania ludowego.

Obrazy „Bitwa pod Poitiers” (1830) i „Bitwa pod Taibur” (1837) poświęcone są przedstawieniu ludzi. Dynamika bitwy, ruch ludzi, ich wściekłość, gniew i cierpienie są tu pokazane z całym realizmem. Artysta stara się przekazać emocje i pasje osoby ogarniętej chęcią wygrywania za wszelką cenę. To właśnie postacie ludzi są głównymi przekazującymi dramaturgię wydarzenia.

Bardzo często w pracach Delacroix zwycięzca i pokonani są sobie ostro przeciwstawni. Widać to szczególnie wyraźnie na płótnie „Zdobywanie Konstantynopola przez krzyżowców”, namalowanym w 1840 roku. Na pierwszym planie grupa ludzi ogarniętych żalem. Za nimi rozciąga się zachwycający, czarujący krajobraz. Są też postacie zwycięskich jeźdźców, których budzące grozę sylwetki kontrastują z postaciami żałobnymi na pierwszym planie.

Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców przedstawia Delacroix jako niezwykłego kolorystę. Jasne i bogate kolory nie potęgują jednak tragicznego początku, który wyrażają żałobne postacie znajdujące się blisko widza. Wręcz przeciwnie, bogata paleta tworzy wrażenie uroczystości na cześć zwycięzców.

Nie mniej barwna jest kompozycja „Sprawiedliwość Trajana”, stworzona w tym samym 1840 r. Współcześni artyście uznali ten obraz za jeden z najlepszych spośród wszystkich płócien malarza. Na szczególną uwagę zasługuje fakt, że mistrz w swojej pracy eksperymentuje z kolorem. Nawet cienie przybierają od niego różne odcienie. Wszystkie kolory kompozycji idealnie pasują do natury. Wykonanie dzieła poprzedziły długie obserwacje malarza zmian odcieni w przyrodzie. Artysta wpisał je do swojego pamiętnika. Następnie, zgodnie z zapisami, naukowcy potwierdzili, że odkrycia dokonane przez Delacroix w dziedzinie tonalności były w pełni zgodne z powstałą wówczas teorią koloru, której założycielem jest E. Chevreuil. Ponadto artysta weryfikuje swoje odkrycia za pomocą palety używanej przez szkołę wenecką, która była dla niego przykładem kunsztu malarskiego.

Wśród płócien Delacroix szczególne miejsce zajmują portrety. Mistrz rzadko zwracał się do tego gatunku. Malował tylko te osoby, z którymi był zaznajomiony od dawna, których rozwój duchowy odbywał się przed artystą. Dlatego obrazy na portretach są bardzo wyraziste i głębokie. Są to portrety Chopina i Georges Sand. Płótno poświęcone słynnemu pisarzowi (1834) przedstawia szlachetną i silną kobietę, która zachwyca swoich współczesnych. Portret Chopina, namalowany cztery lata później, w 1838 roku, reprezentuje poetycki i uduchowiony obraz wielkiego kompozytora.

Ciekawy i niezwykle ekspresyjny portret słynnego skrzypka i kompozytora Paganiniego, napisany przez Delacroix około 1831 roku. Styl muzyczny Paganiniego był pod wieloma względami zbliżony do metody malarskiej malarza. Twórczość Paganiniego charakteryzuje ta sama ekspresja i intensywna emocjonalność, które były charakterystyczne dla dzieł malarza.

W twórczości Delacroix krajobrazy zajmują niewielkie miejsce. Okazały się one jednak bardzo istotne dla rozwoju malarstwa francuskiego w drugiej połowie XIX wieku. Krajobrazy Delacroix naznaczone są chęcią dokładnego oddania lekkiego i nieuchwytnego życia natury. Żywymi tego przykładami są płótna „Niebo”, gdzie poczucie dynamiki tworzą śnieżnobiałe chmury unoszące się na niebie, oraz „Morze widoczne z brzegów Dieppe” (1854), w którym malarz po mistrzowsku przekazuje szybownictwo lekkich żaglowców po powierzchni morza.

W 1833 artysta otrzymał od króla francuskiego zlecenie na pomalowanie sali w Pałacu Burbonów. Prace nad stworzeniem monumentalnego dzieła trwały cztery lata. Realizując zlecenie malarz kierował się przede wszystkim tym, że obrazy były niezwykle proste i lakoniczne, zrozumiałe dla widza.
Ostatnim dziełem Delacroix był obraz kaplicy Świętych Aniołów w kościele Saint-Sulpice w Paryżu. Została wykonana w latach 1849-1861. Używając jasnych, bogatych kolorów (różowy, jasnoniebieski, liliowy, umieszczonych na popielatym i żółto-brązowym tle) artysta tworzy w kompozycjach radosny nastrój, który wprawia widza w poczuj entuzjastyczną radość. Pejzaż zawarty w obrazie „Wypędzenie Iliodora ze świątyni” jako rodzaj tła, wizualnie powiększa przestrzeń kompozycji i kaplicy. Z drugiej strony Delacroix, jakby chcąc podkreślić zamknięcie przestrzeni, wprowadza do kompozycji klatkę schodową i balustradę. Umieszczone za nim postacie ludzi wydają się niemal płaskimi sylwetkami.

Eugene Delacroix zmarł w 1863 roku w Paryżu.

Delacroix był najbardziej wykształconym malarzem pierwszej połowy XIX wieku. Wiele tematów jego obrazów zaczerpnięto z dzieł literackich słynnych mistrzów pióra. Ciekawostką jest to, że najczęściej artysta malował swoje postacie bez użycia makiety. Starał się uczyć tego samego swoich zwolenników. Według Delacroix malarstwo jest czymś bardziej złożonym niż prymitywne kopiowanie linii. Artysta wierzył, że sztuka polega przede wszystkim na umiejętności wyrażania nastroju i twórczej intencji mistrza.

Delacroix jest autorem kilku prac teoretycznych dotyczących problematyki koloru, metody i stylu artysty. Dzieła te były drogowskazem dla malarzy kolejnych pokoleń w poszukiwaniu własnych środków artystycznych do tworzenia kompozycji.

Pod koniec XVIII i na początku XIX wieku idee klasycyzmu i oświecenia straciły na atrakcyjności i aktualności. Nową, która w odpowiedzi na kanoniczne metody klasycyzmu i moralno-społeczne teorie Oświecenia zwróciła się ku człowiekowi, jego wewnętrznemu światu, nabrała sił i zawładnęła umysłami. Romantyzm jest bardzo rozpowszechniony we wszystkich dziedzinach życia kulturalnego i filozofii. Muzycy, artyści i pisarze w swoich utworach starali się pokazać wysokie przeznaczenie człowieka, jego bogaty świat duchowy, głębię uczuć i przeżyć. Odtąd dominującym tematem w dziełach sztuki stał się człowiek ze swoją wewnętrzną walką, duchowymi poszukiwaniami i doświadczeniami, a nie „rozmytymi” ideami ogólnego dobrobytu i pomyślności.

Romantyzm w malarstwie

Malarze przekazują głębię pomysłów i swoje osobiste doświadczenia poprzez kreację za pomocą kompozycji, koloru, akcentów. Różne kraje europejskie miały swoje osobliwości w interpretacji romantycznych obrazów. Wynika to zarówno z nurtów filozoficznych, jak iz sytuacji społeczno-politycznej, na którą sztuka była żywą odpowiedzią. Malarstwo nie było wyjątkiem. Rozdrobnione na małe księstwa i księstwa Niemcy nie doświadczyły poważnych wstrząsów społecznych, artyści nie tworzyli monumentalnych płócien przedstawiających bohaterów-tytanów, tu zainteresował się głęboki duchowy świat człowieka, jego piękno i wielkość, moralne poszukiwania. Dlatego romantyzm w malarstwie niemieckim najpełniej reprezentowany jest w portretach i pejzażach. Prace Otto Runge są klasycznymi przykładami tego gatunku. W portretach wykonywanych przez malarza, poprzez subtelne opracowanie rysów twarzy, oczu, poprzez kontrast światła i cienia, oddana zostaje chęć artysty ukazania sprzecznej osobowości, jej potęgi i głębi uczuć. Poprzez pejzaż, nieco fantastyczny, przerysowany obraz drzew, kwiatów i ptaków, artysta starał się także odkryć różnorodność osobowości człowieka, jego podobieństwo do natury, różnorodne i nieznane. Uderzającym przedstawicielem romantyzmu w malarstwie był pejzażysta KD Friedrich, który podkreślał siłę i potęgę natury, gór, pejzaży morskich, współbrzmiących z człowiekiem.

Romantyzm w malarstwie francuskim rozwijał się według innych zasad. Rewolucyjne przewroty, burzliwe życie społeczne przejawiały się w malarstwie grawitacją artystów ku przedstawianiu tematów historycznych i fantastycznych, z patosem i „nerwowym” podnieceniem, co osiągnięto poprzez jaskrawy kontrast kolorystyczny, ekspresję ruchów, trochę chaosu, spontaniczność kompozycji. Najpełniej i najdobitniej romantyczne idee prezentowane są w pracach T. Gericaulta, E. Delacroix. Artyści umiejętnie wykorzystali kolor i światło, tworząc pulsującą głębię uczuć, wysublimowany impuls do walki i wolności.

Romantyzm w malarstwie rosyjskim

Rosyjska myśl społeczna bardzo żywo reagowała na nowe trendy i trendy pojawiające się w Europie. a potem wojna z Napoleonem - te znaczące wydarzenia historyczne, które najpoważniej wpłynęły na poszukiwania filozoficzne i kulturowe rosyjskiej inteligencji. Romantyzm w malarstwie rosyjskim reprezentowany był w trzech głównych pejzażach, sztuce monumentalnej, w której wpływ klasycyzmu był bardzo silny, a idee romantyczne ściśle splotły się z kanonami akademickimi.

Na początku XIX wieku coraz więcej uwagi poświęcano przedstawieniu inteligencji twórczej, poetów i artystów Rosji, a także zwykłych ludzi i chłopów. Kiprensky, Tropinin, Bryullov z wielką miłością starali się pokazać całą głębię i piękno osobowości człowieka, poprzez spojrzenie, obrót głowy, szczegóły kostiumu, aby przekazać duchowe poszukiwanie, kochający wolność charakter swoich „modeli ”. Duże zainteresowanie osobowością człowieka, jego centralne miejsce w sztuce przyczyniło się do rozkwitu gatunku autoportretu. Co więcej, artyści nie malowali autoportretów na zamówienie, był to impuls twórczy, rodzaj autoreportażu dla współczesnych.

Pejzaże w twórczości romantyków wyróżniały się także oryginalnością. Romantyzm w malarstwie odzwierciedlał i oddawał nastrój człowieka, krajobraz musiał być z nim w zgodzie. Dlatego artyści starali się oddać buntowniczy charakter natury, jej siłę i spontaniczność. Orłowski, Szczedrin, przedstawiający żywioł morza, potężne drzewa, pasma górskie, z jednej strony przekazywały piękno i wielobarwność prawdziwych krajobrazów, z drugiej tworzyły pewien emocjonalny nastrój.

Prezentacja przybliży twórczość wybitnych malarzy Francji, Niemiec, Hiszpanii i Anglii epoki romantyzmu.

Romantyzm w malarstwie europejskim

Romantyzm to nurt kultury duchowej końca XVIII - pierwszej tercji XIX wieku. Powodem jego pojawienia się było rozczarowanie skutkami rewolucji francuskiej. Mottem rewolucji jest „Wolność, równość, braterstwo!” okazał się utopijny. Epos napoleoński, który nastąpił po rewolucji i ponurej reakcji, wywołał nastrój rozczarowania życiem i pesymizmu. W Europie szybko rozprzestrzeniła się nowa modna choroba „World Sorrow” i pojawił się nowy bohater, tęskniący, wędrujący po świecie w poszukiwaniu ideału, a coraz częściej w poszukiwaniu śmierci.

Treść sztuki romantycznej

W epoce ponurej reakcji mistrzem myśli został angielski poeta George Byron. Jej bohater Childe Harold to ponury myśliciel dręczony tęsknotą, wędrujący po świecie w poszukiwaniu śmierci i bez żalu rozstający się z życiem. Jestem pewien, że moi czytelnicy pamiętają teraz Oniegina, Pieczorina, Michaiła Lermontowa. Najważniejszą rzeczą, która wyróżnia romantycznego bohatera, jest absolutne odrzucenie szarego, codziennego życia. Romantyk i zwykły człowiek to antagoniści.

„Och, pozwól mi krwawić,

Ale daj mi wkrótce pokój.

Boję się tu dusić

W przeklętym świecie handlarzy...

Nie, podły występek jest lepszy,

Rabunek, przemoc, rabunek,

Niż moralność księgowa

I cnota dobrze odżywionych kubków.

Hej chmuro zabierz mnie stąd

Zabierz ze sobą w długą podróż

Do Laponii, czy do Afryki,

A przynajmniej do Szczecina - gdzieś!”

G. Heine

Ucieczka od szarej codzienności staje się główną treścią sztuki romantyzmu. Gdzie romantyk może „uciec” od rutyny i nudy? Jeśli ty, mój drogi czytelniku, masz serce romantyczne, możesz łatwo odpowiedzieć na to pytanie. Najpierw, odległa przeszłość staje się dla naszego bohatera atrakcyjna, najczęściej średniowiecze z jego szlachetnymi rycerzami, turniejami, tajemniczymi zamkami, Pięknymi Damami. Średniowiecze idealizowano i gloryfikowano w powieściach Waltera Scotta, Victora Hugo, w poezji poetów niemieckich i angielskich, w operach Webera, Meyerbeera, Wagnera. W 1764 roku opublikowano Walpole's Castle of Otranto, pierwszą angielską „gotycką” powieść grozy. W Niemczech na początku XIX wieku Ernest Hoffmann napisał „Eliksir diabła”, przy okazji radzę go przeczytać. Po drugie, sfera czystej fikcji, tworzenie fikcyjnego, fantastycznego świata, stała się wspaniałą okazją do „ucieczki” dla romantyka. Pamiętajcie Hoffmanna, jego "Dziadka do orzechów", "Małych Tsakhes", "Złoty Garnek". To zrozumiałe, dlaczego powieści Tolkiena i opowiadania o Harrym Potterze są tak popularne w naszych czasach. Romans zawsze jest! To stan umysłu, prawda?

Trzeci sposób odejście romantycznego bohatera od rzeczywistości - ucieczka do egzotycznych krajów nietkniętych cywilizacją. Ta droga doprowadziła do konieczności systematycznego studiowania folkloru. Podstawą sztuki romantyzmu były ballady, legendy, eposy. Wiele dzieł romantycznej sztuki wizualnej i muzycznej jest związanych z literaturą. Szekspir, Cervantes, Dante znów stają się mistrzami myśli.

Romantyzm w sztukach wizualnych

W każdym kraju sztuka romantyzmu nabrała własnych cech narodowych, ale jednocześnie wszystkie ich prace mają wiele wspólnego. Wszystkich romantycznych artystów łączy szczególny stosunek do natury. Pejzaż, w przeciwieństwie do dzieł klasycyzmu, gdzie służył jedynie jako dekoracja, tło, dla romantyków zyskuje duszę. Krajobraz pomaga podkreślić stan bohatera. Przyda się porównanie Europejska sztuka wizualna romantyzmu ze sztuką i.

Sztuka romantyczna preferuje nocny krajobraz, cmentarze, szare mgły, dzikie skały, ruiny starożytnych zamków i klasztorów. Szczególny stosunek do przyrody przyczynił się do narodzin słynnych krajobrazowych parków angielskich (przypomnijmy regularne parki francuskie z prostymi alejkami i przystrzyżonymi krzewami i drzewami). Historie i legendy z przeszłości są często tematem obrazów.

Prezentacja „Romantyzm w europejskich sztukach pięknych” zawiera dużą ilość ilustracji przedstawiających twórczość wybitnych artystów romantycznych z Francji, Hiszpanii, Niemiec, Anglii.

Jeśli jesteś zainteresowany tematem, być może drogi czytelniku, interesujące będzie zapoznanie się z materiałem artykułu ” Romantyzm: namiętna natura” na stronie poświęconej sztuce Arthive.

Znalazłem większość ilustracji w doskonałej jakości na stronie Gallerix.ru... Dla tych, którzy chcą zagłębić się w temat, Radzę przeczytać:

• Encyklopedia dla dzieci. T.7. Sztuka. - M .: Avanta +, 2000.
• Beckett V. Historia malarstwa. - M .: LLC „Wydawnictwo Astrel”: LLC „Wydawnictwo AST”, 2003.
• Wielcy artyści. Tom 24. Francisco Jose de Goya y Lucientes. - M .: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2010.
• Wielcy artyści. Tom 32. Eugene Delacroix. - M.: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2010
• Dmitrieva N.A. Krótka historia sztuki. Wydanie III: Kraje Europy Zachodniej XIX wieku; Rosja XIX wieku. - M .: Sztuka, 1992
• Emohonova LG Kultura sztuki światowej: Podręcznik. Przewodnik dla studentów. Środa ped. badanie. instytucje. - M .: Centrum Wydawnicze „Akademia”, 1998.
• Lukicheva K.L. Historia malarstwa w arcydziełach. - Moskwa: Astra-Media, 2007.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova EA, Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova Kultura sztuki światowej. XIX wiek. - SPb.: Piotr, 2007.
• Miniencyklopedia. Prerafaelizm. - Wilno: VAB "BETIARY", 2013.
• Samin D.K. Sto wspaniałych artystów. - M .: Veche, 2004.
• Freeman J. Historia sztuki. - M .: „Wydawnictwo Astrel”, 2003.

Powodzenia!

Sztuka romantyzmu kształtuje się w polemice z klasycyzmem. W aspekcie społecznym pojawienie się romantyzmu kojarzy się z Wielką Rewolucją Francuską XVIII wieku, powstaje jako reakcja powszechnego entuzjazmu dla jej początku, ale także jako głębokie rozczarowanie ludzkimi możliwościami po jego pokonaniu. Co więcej, niemiecki romantyzm został później uznany za bezkrwawą wersję rewolucji francuskiej.

Jako nurt ideologiczny i artystyczny romantyzm deklaruje się w pierwszej połowie XIX wieku. Pojawia się przede wszystkim jako ruch literacki - tutaj aktywność romantyków jest wysoka i udana. Muzyka tamtych czasów jest nie mniej znacząca: wokale, muzyka instrumentalna, teatr muzyczny (opera i balet) romantyzmu nadal stanowią podstawę repertuaru. Jednak w sztukach plastycznych i przestrzennych romantyzm przejawiał się mniej wyraziście zarówno w liczbie powstałych dzieł, jak i ich poziomie. Malarstwo romantyzmu osiąga poziom arcydzieł w Niemczech i Francji, reszta Europy pozostaje w tyle. Nie ma zwyczaju mówić o architekturze romantyzmu. Pewną oryginalność ujawnia tu tylko sztuka krajobrazu, a nawet wtedy romantycy rozwijają tu ideę angielskiego pejzażu, czyli naturalnego parku. Jest też miejsce dla niektórych tendencji neogotyckich, romantycy postrzegali swoją sztukę w kolejności: gotycka - barok - romantyzm. Takich stylów neogotyckich w krajach słowiańskich jest wiele.

Sztuki wizualne romantyzmu

W XVIII wieku. termin „romantyczny” oznaczał „dziwny”, „fantastyczny”, „malowniczy”. Łatwo zauważyć, że słowa „romans”, „romans” (rycerski) są etymologicznie bardzo bliskie.

W XIX wieku. termin ten był interpretowany jako nazwa ruchu literackiego, przeciwstawnego w jego stosunku do klasycyzmu.

W sztukach wizualnych romantyzm przejawiał się ciekawie w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie. Najbardziej konsekwentna szkoła romantyzmu pojawiła się we Francji, gdzie zaciekle toczono walkę z dogmatyzmem i abstrakcyjnym racjonalizmem w sztuce oficjalnej w duchu akademickiego klasycyzmu. Założycielem romantycznej szkoły malarstwa był Teodor Gericault (1791-1824). Studiował u mistrzów klasycyzmu, ale zachowując z klasycyzmu ciążenie ku uogólnionym obrazom heroicznym, Gericault po raz pierwszy wyraził w malarstwie poczucie konfliktu na świecie, pragnienie ekspresyjnego wyrażenia znaczących wydarzeń naszych czasów. Już pierwsze prace artysty ukazują dużą emocjonalność, „nerw” epoki wojen napoleońskich, w której panowało dużo brawury („Oficer gajów konnych gwardii cesarskiej, idący do ataku” , „Rany kirasjer opuszcza pole bitwy”). Cechuje ich tragiczna postawa, poczucie zagubienia. Bohaterowie klasycyzmu nie doświadczali takich uczuć lub nie wyrażali ich publicznie, nie estetyzowali przygnębienia, zagubienia, melancholii. Malownicze płótna artystów romantyzmu pisane są dynamicznie, w kolorystyce dominuje ciemna tonacja, którą ożywiają intensywne akcenty kolorystyczne, szybkie, pastowate pociągnięcia.

Gericault tworzy niesamowicie dynamiczny obraz „The Free Horses Run in Rome”. Tutaj przewyższa wszystkich dotychczasowych artystów w przekonującym przekazie ruchu. Jednym z głównych dzieł Gericaulta jest obraz „Tratwa Meduzy”. Przedstawia w nim rzeczywiste fakty, ale z taką siłą uogólnienia, że ​​współcześni widzieli w nim obraz nie jednego konkretnego wraku, ale całej Europy w rozpaczy. I tylko nieliczni, najbardziej wytrwali ludzie nadal walczą o przetrwanie. Artysta pokazuje złożoną gamę ludzkich uczuć - od ponurej rozpaczy po burzliwą eksplozję nadziei. Dynamikę tego płótna wyznacza przekątna kompozycji, efektowne rzeźbienie brył, kontrastujące zmiany światła i cienia.

Gericault zdołał udowodnić, że jest mistrzem gatunku portretowego. Tutaj również występuje jako innowator, określając figuratywną specyfikę gatunku portretowego. „Portret dwudziestoletniego Delacroix” i autoportrety wyrażają ideę romantycznego artysty jako niezależnego twórcy, jasnej, emocjonalnej osobowości. Tworzy podwaliny pod portrety romantyczne - później jeden z najbardziej udanych gatunków romantycznych.

Gericault również dołączył do krajobrazu. Podróżując po Anglii, zachwycił się jej wyglądem i oddał hołd jej urodzie, tworząc wiele pejzaży, malowanych zarówno olejem, jak i akwarelami. Są bogate w kolory, subtelne w obserwacji i nie obce krytyce społecznej. Artysta nazwał je „dużymi i małymi angielskimi suitami”. Jakże typowe dla romantyka jest nazywanie cyklu obrazkowego terminem muzycznym!

Niestety, życie Gericaulta było krótkie, ale położył podwaliny pod wspaniałą tradycję.

Od lat 20. XIX wieku. szefem malarzy romantycznych zostaje Ferdynand Victor Eugene Delacroix (1798-1863). Doświadczył silnego wpływu Gericaulta, z którym przyjaźnił się z ławki studenckiej. Studiował malarstwo u starych mistrzów, zwłaszcza Rubensa. Podróżował po Anglii, był zafascynowany malarstwem Constable'a. Delacroix posiadał namiętny temperament, potężną wyobraźnię twórczą i wysoką skuteczność. Od pierwszych kroków na polu zawodowym Delacroix zdecydowanie podąża za romantykami. Pierwszy obraz, który wystawił, przedstawiał Dantego i Wergiliusza w łodzi przecinającej Styks (Łódź Dantego). Obraz pełen jest tragedii, ponurego patosu. Kolejne płótno „Masakra na Chios” odpowiedziało na prawdziwe wydarzenia związane z cierpieniem Greków pod tureckim jarzmem. Tu otwarcie wyraził swoje stanowisko polityczne, stając w konflikcie po stronie Greków, z którymi sympatyzował, podczas gdy rząd francuski flirtował z Turcją.

Obraz wywołał krytykę polityczną i artystyczną, zwłaszcza po tym, jak Delacroix pod wpływem pracy Constable'a przepisał obraz na jaśniejsze kolory. W odpowiedzi na krytykę artysta tworzy obraz „Grecja na ruinach Missolungi”, w którym ponownie zwraca się do palącego tematu walki Grecji o wyzwolenie spod tureckiego jarzma. Ten obraz Delacroix jest bardziej symboliczny, kobieca postać z uniesioną ręką w geście albo przekleństwa wobec najeźdźców, albo wezwania do walki, uosabia cały kraj. Ona niejako antycypuje obraz Wolności w nadchodzącym, najsłynniejszym dziele artystki.

W poszukiwaniu nowych bohaterów, silnych osobowości, Delacroix często sięga po literackie obrazy Szekspira, Goethego, Byrona, Scotta: „Tasso w przytułku dla obłąkanych”, „Śmierć Sardanapala”, „Zabójstwo biskupa Liege” ; wykonuje litografie do „Fausta”, „Hamleta”, wyrażające najsubtelniejsze odcienie uczuć bohaterów, za co Goethe zasłużył sobie. Delacroix podchodzi do fikcji w taki sam sposób, w jaki jego poprzednicy podchodzili do Pisma Świętego, czyniąc z niej niewyczerpane źródło tematów dla obrazów.

W 1830 roku, pod bezpośrednim wrażeniem rewolucji lipcowej, Delacroix namalował duże płótno „Wolność prowadząca lud” („Wolność na barykadach”). Nad realistycznie przedstawionymi postaciami uczestników walki rewolucyjnej biedni, w większości młodzi ludzie, zainspirowani walką, wznosi się wspaniała kobieta, przypominająca „geniuszy” Veronese. W rękach trzyma sztandar, jej twarz jest natchniona. To nie tylko alegoria wolności w duchu klasycyzmu, to wzniosły symbol rewolucyjnego impulsu. Nie da się jednak porzucić żywej, zmysłowej kobiecej sylwetki – jest taka atrakcyjna. Obraz okazał się złożony, uroczy, dynamiczny.

Jako prawdziwy romantyk Delacroix podróżuje do egzotycznych krajów: Algierii, Maroka. Z podróży przywozi pięć obrazów, w tym „Polowanie na lwa w Maroku”, podobno hołd dla ukochanego Rubensa.

Delacroix dużo pracuje jako dekorator, tworząc monumentalne dzieła w pałacach Burbonów i Luksemburgów, paryskich kościołach. Nadal pracuje w gatunku portretowym, tworząc wizerunki ludzi epoki romantyzmu, m.in. F. Chopina. Dzieło Delacroix należy do szczytów malarstwa XIX wieku.

Malarstwo i grafika niemiecki romantyzm w większości skłania się ku sentymentalizmowi. A jeśli niemiecka literatura romantyczna rzeczywiście stanowi całą epokę, to nie można tego powiedzieć o sztukach wizualnych: w literaturze była „Burza i Szturm”, aw sztukach wizualnych – idealizacja patriarchalnego życia rodzinnego. W tym sensie kreatywność ma charakter orientacyjny. Ludwig Richter (1803-1884): „Leśne źródło w pobliżu Aricci”, „Procesja weselna na wiosnę” itp. Posiada również liczne rysunki o tematyce baśni i pieśni ludowych, wykonane w suchy sposób.

Ale jest jedna wielka postać niemieckiego romantyzmu, której nie można zignorować. to Caspar David Friedrich (1774-1840). Był pejzażystą, studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze. Później osiadł w Dreźnie, zajmował się nauczaniem.

Jego pejzażowy styl jest oryginalny, obrazy pamięta się od pierwszej znajomości, czuje się w nich, że są to pejzaże romantycznego artysty: konsekwentnie wyrażają specyfikę romantycznego światopoglądu. Malował pejzaże południowych Niemiec i wybrzeża Bałtyku, dzikie klify porośnięte lasami, pustynne wydmy, zamarznięte morze. Na jego obrazach czasami pojawiają się ludzie, ale rzadko widzimy ich twarze: postaci z reguły zwrócone są do widza plecami. Fryderyk starał się przekazać żywiołową moc natury. Poszukiwał i odkrywał współbrzmienie sił natury oraz ludzkich uczuć i poszukiwań. I choć dość trafnie oddaje życie, sztuka Fryderyka nie jest realistyczna. W niedalekiej przeszłości to odstraszyło sowieckich krytyków sztuki, niewiele pisano o artyście, prawie nie było jego reprodukcji. Teraz sytuacja się zmieniła i możemy cieszyć się głęboką duchowością jego obrazów, melancholijną, oderwaną kontemplacją pejzaży Friedricha. Wyraźny rytm kompozycji, surowość rysunku łączy się w jego pracach z kontrastami światłocienia, bogatymi w efekty świetlne. Ale czasami Fryderyk dochodzi w swojej emocjonalności do dokuczliwej melancholii, poczucia kruchości wszystkiego, co ziemskie, do odrętwienia mistycznego transu. Dziś przeżywamy gwałtowny wzrost zainteresowania twórczością Fryderyka. Jego najbardziej udane prace to „Śmierć” nadziei „w lodzie”, „Cmentarz klasztorny pod śniegiem”, „Msza w gotyckiej ruinie”, „Zachód słońca na morzu” itp.

V rosyjski romantyzm w malarstwie jest wiele kontrowersji. Ponadto przez wiele lat wierzono, że dobry artysta to realista. Prawdopodobnie dlatego potwierdziła się opinia, że ​​O. Kiprensky i A. Venetsianov, V. Tropinin, a nawet A. Kuindzhi są realistami, co wydaje się nam niesłuszne, są romantykami.