Cechy rzeźby starożytnej greckiej sztuki starożytnej Grecji. Starożytne greckie rzeźby

Architektura i rzeźba starożytnej Grecji

Miasta starożytnego świata zwykle pojawiały się w pobliżu wysokiego urwiska, a na nim wzniesiono cytadelę, aby było miejsce do ukrycia, gdyby wróg przeniknął do miasta. Taką cytadelę nazywano akropolem. Podobnie na skale, która wznosiła się prawie 150 metrów nad Atenami i od dawna służyła jako naturalna budowla obronna, górne miasto stopniowo formowało się w formie fortecy (akropolu) z różnymi strukturami obronnymi, publicznymi i religijnymi.
Akropol ateński zaczęto budować w II tysiącleciu p.n.e. Podczas wojen grecko-perskich (480-479 pne) został całkowicie zniszczony, później pod kierownictwem rzeźbiarza i architekta Fidiasza rozpoczęto jego odbudowę i odbudowę.
Akropol to jedno z tych miejsc, „o których wszyscy mówią, że są wspaniałe, niepowtarzalne. Ale nie pytaj dlaczego. Nikt nie może ci odpowiedzieć ... ”. Można go zmierzyć, nawet wszystkie jego kamienie można policzyć. Przejście od końca do końca nie jest takie trudne - zajmuje to tylko kilka minut. Mury Akropolu są strome i strome. Na tym skalistym wzgórzu wciąż stoją cztery wspaniałe dzieła. Szeroka, zygzakowata droga biegnie od podnóża wzgórza do jedynego wejścia. To Propyleje, monumentalna brama z kolumnami doryckimi i szerokimi schodami. Zostały zbudowane przez architekta Mnesiclesa w latach 437-432 pne. Ale przed wejściem do tych majestatycznych marmurowych bram wszyscy mimowolnie skręcili w prawo. Tam, na wysokim cokole bastionu, który niegdyś strzegł wejścia na akropol, stoi świątynia bogini zwycięstwa Nike Apteros, ozdobiona jońskimi kolumnami. Jest to dzieło architekta Kalikratesa (druga połowa V wieku p.n.e.). Świątynia – lekka, przewiewna, niezwykle piękna – wyróżniała się bielą na tle błękitnego nieba. Ten kruchy budynek, niczym elegancka marmurowa zabawka, wydaje się sam się uśmiechać i sprawia, że ​​przechodnie uśmiechają się czule.
Niespokojni, żarliwi i aktywni bogowie Grecji byli podobni do samych Greków. To prawda, że ​​byli wyżsi, umieli latać w powietrzu, przybierać dowolną formę, zamieniać się w zwierzęta i rośliny. Ale pod każdym innym względem zachowywali się jak zwykli ludzie: pobrali się, oszukiwali się, kłócili, zawierali pokój, karali dzieci ...

Świątynia Demeter, budowniczowie nieznani, VI wiek. PNE. Olimpia

Świątynia Niki Apteros, architekt Kallikrates, 449-421 pne Ateny

Propyleje, architekt Mnezicles, 437-432 pne Ateny

Bogini zwycięstwa, Nika, była przedstawiana jako piękna kobieta o dużych skrzydłach: zwycięstwo jest zmienne i przelatuje od jednego przeciwnika do drugiego. Ateńczycy przedstawili ją bez skrzydeł, aby nie opuściła miasta, które tak niedawno odniosło wielkie zwycięstwo nad Persami. Pozbawiona skrzydeł bogini nie mogła już latać i musiała na zawsze pozostać w Atenach.
Świątynia Niki stoi na półce skalnej. Jest lekko zwrócony w kierunku Propylei i pełni rolę latarni morskiej dla procesji okrążających skałę.
Tuż za Propyleami stała dumnie Wojowniczka Atena, której włócznia witała podróżnika z daleka i służyła jako latarnia morska dla żeglarzy. Inskrypcja na kamiennym cokole głosiła: „Ateńczycy poświęcili się zwycięstwu nad Persami”. Oznaczało to, że posąg został odlany z brązowej broni zabranej Persom w wyniku ich zwycięstw.
Na Akropolu znajdował się także zespół świątynny Erechtejon, który (według planu jego twórców) miał łączyć ze sobą kilka sanktuariów usytuowanych na różnych poziomach – skała jest tutaj bardzo nierówna. Północny portyk Erechtejonu prowadził do sanktuarium Ateny, gdzie przechowywany był podobno spadający z nieba drewniany posąg bogini. Drzwi z sanktuarium otwierały się na mały dziedziniec, na którym rosło jedyne święte drzewo oliwne na całym Akropolu, które urosło, gdy Atena dotknęła w tym miejscu swoim mieczem skały. Przez wschodni portyk można było dostać się do sanktuarium Posejdona, gdzie uderzając w skałę trójzębem, zostawił trzy bruzdy z szemrzącą wodą. Istniało także sanktuarium Erechtejon, czczone na równi z Posejdonem.
Centralna część świątyni to prostokątne pomieszczenie (24,1x13,1 metra). W świątyni mieścił się również grób i sanktuarium pierwszego legendarnego króla Attyki Kekrop. Po południowej stronie Erechtejonu znajduje się słynny portyk Kariatyd: na krawędzi ściany sześć wyrzeźbionych z marmuru panien podtrzymuje sufit. Niektórzy badacze sugerują, że portyk służył jako trybun dla szanowanych obywateli lub że kapłani gromadzili się tu na uroczystości religijne. Ale dokładne przeznaczenie portyku jest nadal niejasne, ponieważ „portyk” oznacza próg, a w tym przypadku portyk nie miał drzwi i stąd nie można dostać się do wnętrza świątyni. Figury portyku kariatyd to w istocie podpory zastępujące filar lub kolumnę, doskonale oddają też lekkość i elastyczność dziewczęcych figur. Turcy, którzy kiedyś zdobyli Ateny i ze względu na muzułmańskie przekonania nie pozwalali na wizerunki osoby, nie zniszczyli jednak tych posągów. Ograniczyli się jedynie do wycinania dziewczynkom twarzy.

Erechtejon, budowniczowie nieznani, 421-407 pne Ateny

Partenon, architekci Iktin, Kalikrata, 447-432 pne Ateny

W 1803 r. lord Elgin, angielski ambasador w Konstantynopolu i kolekcjoner, korzystając z pozwolenia sułtana tureckiego, złamał jedną z kariatyd w świątyni i zabrał ją do Anglii, gdzie ofiarował ją British Museum. Wyjaśniając zbyt szeroko firman tureckiego sułtana, zabrał też ze sobą wiele rzeźb Fidiasza i sprzedał je za 35 000 funtów. Firman powiedział, że „nikt nie powinien powstrzymywać go przed zabraniem z Akropolu kilku kamieni z inskrypcjami lub postaciami”. Eljin napełnił takimi „kamieniami” 201 pudeł. Jak sam stwierdził, zabrał tylko te rzeźby, które już spadły lub były zagrożone upadkiem, rzekomo po to, by uchronić je przed ostatecznym zniszczeniem. Ale Byron również nazwał go złodziejem. Później (podczas renowacji portyku Kariatydów w latach 1845-1847) British Museum wysłało do Aten gipsowy odlew posągu zabranego przez Lorda Elgina. Następnie odlew zastąpiono trwalszą kopią ze sztucznego kamienia, wykonaną w Anglii.
Pod koniec ubiegłego wieku rząd grecki zażądał od Anglii zwrotu swoich skarbów, ale otrzymał odpowiedź, że klimat londyński jest dla nich bardziej sprzyjający.
Na początku naszego tysiąclecia, kiedy podczas podziału Cesarstwa Rzymskiego, Grecja została przekazana Bizancjum, Erechtejon został przekształcony w świątynię chrześcijańską. Później krzyżowcy, którzy opanowali Ateny, uczynili świątynię pałacem książęcym, a podczas tureckiego podboju Aten w 1458 r. w Erechtejonu założyli harem komendanta twierdzy. Podczas wojny wyzwoleńczej w latach 1821-1827 Grecy i Turcy na przemian oblegali Akropol, bombardując jego budynki, w tym Erechtejon.
W 1830 roku (po ogłoszeniu niepodległości Grecji) na miejscu Erechtejonu można było znaleźć jedynie fundamenty, a także leżące na ziemi dekoracje architektoniczne. Fundusze na odrestaurowanie tego zespołu świątynnego (a także na odrestaurowanie wielu innych budowli Akropolu) przekazał Heinrich Schliemann. Jego najbliższy współpracownik W. Derpfeld skrupulatnie zmierzył i porównał antyczne fragmenty, już pod koniec lat 70. ubiegłego wieku planował odrestaurowanie Erechtejon. Ale ta odbudowa została ostro skrytykowana, a świątynia została rozebrana. Budynek został odbudowany na nowo pod kierunkiem słynnego greckiego naukowca P. Kavadiasa w 1906 roku i ostatecznie odrestaurowany w 1922 roku.

„Wenus z Milo” Agesander (?), 120 pne Luwr, Paryż

„Laokoon” Agesander, Polydorus, Athenodorus, około 40 rpne Grecja, Olimpia

"Herkules Farnese" ok. 1930 r. 200 pne np. Nat. muzeum, Neapol

Polikletus „Zraniona Amazonka”, 440 p.n.e. Nat. Muzeum Rzym

Partenon, świątynia bogini Ateny, jest największą budowlą na Akropolu i najwspanialszym dziełem greckiej architektury. Stoi nie na środku placu, ale nieco z boku, dzięki czemu można od razu uchwycić fasadę frontową i boczną, zrozumieć piękno świątyni jako całości. Starożytni Grecy wierzyli, że świątynia z głównym posągiem kultu pośrodku jest jak dom bóstwa. Partenon to świątynia Ateny Dziewicy (Partenos), dlatego w jego centrum znajdował się chryzoelefantyn (wykonany z kości słoniowej i złotych płyt na drewnianej podstawie) posąg bogini.
Partenon został wzniesiony w latach 447-432 pne. architekci Iktin i Kallikrates z marmuru pentelskiego. Znajdował się na czteropoziomowym tarasie, wymiary jego podstawy to 69,5x30,9 metra. Z czterech stron Partenon otoczony jest smukłymi kolumnadami, między pniami z białego marmuru widoczne są prześwity błękitnego nieba. Całość przesiąknięta światłem, wydaje się przewiewna i lekka. Na białych kolumnach nie ma jasnych rysunków, jakie można znaleźć w świątyniach egipskich. Jedynie podłużne rowki (fale) pokrywają je od góry do dołu, co sprawia, że ​​świątynia wydaje się wyższa, a nawet smuklejsza. Kolumny swoją smukłość i lekkość zawdzięczają temu, że zwężają się lekko ku górze. W środkowej części tułowia, zupełnie niewidoczne dla oczu, gęstnieją i wydają się z tego elastyczne, mocniejsze wytrzymując ciężar kamiennych bloków. Iktin i Kallikrates, zastanowiwszy się nad każdym najdrobniejszym szczegółem, stworzyli budynek, który zachwyca niesamowitą proporcjonalnością, najwyższą prostotą i czystością wszystkich linii. Umieszczony na górnej platformie Akropolu, na wysokości około 150 m n.p.m. Partenon był widoczny nie tylko z każdego miejsca w mieście, ale także z licznych statków płynących do Aten. Świątynia była obwodem doryckim otoczonym kolumnadą z 46 kolumnami.

„Afrodyta i Pan” 100 pne, Delfy, Grecja

"Diana Łowczyni" Leohar, ok. 340 pne, Luwr, Paryż, Francja

„Odpoczywający Hermes” Lysippos, IV wiek. pne np. Muzeum Narodowe, Neapol

„Herkules walczący z lwem” Lysippos, ok. 1930 r. 330 pne Ermitaż, Petersburg

"Atlant Farnese" około 200 pne, Nat. muzeum, Neapol

Najsłynniejsi mistrzowie brali udział w rzeźbiarskiej dekoracji Partenonu. Dyrektorem artystycznym budowy i dekoracji Partenonu był Fidiasz, jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy wszech czasów. Jest właścicielem całościowej kompozycji i opracowania całej dekoracji rzeźbiarskiej, której część sam wykonał. Organizacyjną stroną budowy zajął się Perykles, największy mąż stanu Aten.
Cała dekoracja rzeźbiarska Partenonu miała na celu gloryfikację bogini Ateny i jej miasta - Aten. Tematem frontonu wschodniego są narodziny ukochanej córki Zeusa. Na frontonie zachodnim mistrz przedstawił scenę sporu między Ateną i Posejdonem o dominację nad Attyką. Według mitu Atena wygrała spór, dając mieszkańcom tego kraju drzewo oliwne.
Na frontonach Partenonu zebrali się bogowie Grecji: grzmot Zeus, potężny władca mórz Posejdon, mądra wojowniczka Atena, skrzydlata Nike. Dekorację rzeźbiarską Partenonu dopełniał fryz, na którym podczas święta Wielkich Panatenów przedstawiano uroczystą procesję. Ten fryz jest uważany za jeden ze szczytów sztuki klasycznej. Mimo całej swojej kompozycyjnej jedności zadziwiał różnorodnością. Z ponad 500 postaci młodych mężczyzn, starszych, dziewcząt, stóp i koni żadna z nich nie powtórzyła drugiej, ruchy ludzi i zwierząt zostały oddane z niesamowitą dynamiką.
Postacie rzeźbiarskiej płaskorzeźby greckiej nie są płaskie, mają objętość i kształt ludzkiego ciała. Od posągów różnią się tylko tym, że nie są obrabiane ze wszystkich stron, ale jakby zlewają się z tłem utworzonym przez płaską powierzchnię kamienia. Jasne kolory ożywiły marmur Partenonu. Czerwone tło podkreślało biel postaci, wąskie pionowe wypukłości oddzielające jedną płytę fryzu od drugiej wyraźnie wyróżniały się na niebiesko, złocenia błyszczały jasno. Za kolumnami na marmurowym pasie otaczającym wszystkie cztery fasady budynku przedstawiono świąteczną procesję. Bogów tu prawie nie ma, a ludzie, na zawsze wyryty w kamieniu, przesunęli się wzdłuż dwóch długich boków budowli i zjednoczyli się na wschodniej fasadzie, gdzie odbyła się uroczysta ceremonia wręczenia księdzu szaty utkanej przez ateńskie dziewczęta dla bogini miejsce. Każda figura charakteryzuje się niepowtarzalnym pięknem, a razem dokładnie odzwierciedlają prawdziwe życie i obyczaje starożytnego miasta.

Rzeczywiście, raz na pięć lat, w jeden z gorących dni pełni lata, w Atenach odbywały się ogólnokrajowe obchody na cześć narodzin bogini Ateny. Nazywano go Wielkimi Panathenae. Uczestniczyli w nim nie tylko obywatele państwa ateńskiego, ale także wielu gości. Święto składało się z uroczystej procesji (pompy), przynosząc hekatombę (100 sztuk bydła) oraz ogólnego posiłku, zawodów sportowych, jeździeckich i muzycznych. Zwycięzca otrzymał specjalną tzw. amforę panatenajską wypełnioną olejem oraz wieniec z liści świętego drzewa oliwnego rosnącego na Akropolu.

Najbardziej uroczystym momentem święta była ogólnopolska procesja na Akropolu. Poruszali się jeźdźcy na koniach, szli mężowie stanu, wojownicy w zbrojach i młodzi sportowcy. Kapłani i szlachta chodzili w długich białych szatach, heroldowie głośno wychwalali boginię, muzycy wypełniali jeszcze chłodne poranne powietrze radosnymi dźwiękami. Zwierzęta ofiarne wspinały się na wysokie wzgórze Akropolu wzdłuż zygzakowatej drogi panatenajskiej, deptanej przez tysiące ludzi. Chłopcy i dziewczęta nieśli model świętego panathenaejskiego statku z peplos (kocem) przymocowanym do masztu. Lekki wietrzyk trzepotał jasną tkaniną żółto-fioletowej szaty, którą szlachetne dziewczęta z miasta niosły w darze dla bogini Ateny. Przez cały rok tkali i haftowali. Inne dziewczęta wznosiły święte naczynia ofiarne wysoko nad głowami. Stopniowo procesja zbliżała się do Partenonu. Wejście do świątyni nie zostało wykonane od strony Propylei, ale z drugiej, jakby po to, by wszyscy najpierw chodzili, badali i doceniali piękno wszystkich części pięknej budowli. W przeciwieństwie do świątyń chrześcijańskich, starożytne greckie nie były przeznaczone do kultu wewnątrz nich, ludzie podczas czynności religijnych pozostawali poza świątynią. W głębi świątyni, otoczonej z trzech stron dwupoziomowymi kolumnadami, dumnie stała słynna figura Matki Boskiej Ateny, stworzona przez słynnego Fidiasza. Jej szata, hełm i tarcza były wykonane z czystego, lśniącego złota, a jej twarz i dłonie lśniły bielą kości słoniowej.

O Partenonie napisano wiele tomów, wśród nich monografie o każdej z jego rzeźb io każdym etapie stopniowego upadku od czasu, gdy na mocy dekretu Teodozjusza I stał się świątynią chrześcijańską. W XV w. Turcy zrobili z niej meczet, aw XVII w. prochownię. Wojna turecko-wenecka z 1687 r. obróciła go w ostateczne ruiny, kiedy trafił go pocisk artyleryjski i w jednej chwili dokonał tego, czego wszechogarniający czas nie mógł dokonać przez 2000 lat.

Rzeźba starożytnej Grecji jest wiodącym standardem w świecie sztuki rzeźbiarskiej, która nadal inspiruje współczesnych rzeźbiarzy do tworzenia artystycznych arcydzieł. Częstymi tematami rzeźb i kompozycji sztukatorskich przez starożytnych greckich rzeźbiarzy były bitwy wielkich bohaterów, mitologia i legendy, władcy i starogreckie bóstwa.

Rzeźba grecka została szczególnie rozwinięta w okresie od 800 do 300 pne. NS. Ta dziedzina sztuki rzeźbiarskiej czerpała wczesną inspirację z monumentalnej sztuki Egiptu i Bliskiego Wschodu i ewoluowała na przestrzeni wieków w unikalną grecką wizję kształtu i dynamiki ludzkiego ciała.

Greccy malarze i rzeźbiarze osiągnęli szczyt artystycznej doskonałości, uchwycili nieuchwytne cechy człowieka i ukazali je w sposób, którego nikt inny nie był w stanie pokazać. Greccy rzeźbiarze byli szczególnie zainteresowani proporcjami, równowagą i idealizowaną doskonałością ludzkiego ciała, a ich kamienne i brązowe figury stały się jednymi z najbardziej rozpoznawalnych dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek powstały w jakiejkolwiek cywilizacji.

Pochodzenie rzeźby w starożytnej Grecji

Od VIII wieku p.n.e. w archaicznej Grecji nastąpił wzrost produkcji małych figurek z gliny, kości słoniowej i brązu. Niewątpliwie drewno było również materiałem szeroko stosowanym, jednak jego podatność na erozję uniemożliwiała masową produkcję wyrobów z drewna, gdyż nie wykazywały one wymaganej trwałości. Figurki z brązu, głowy ludzkie, mityczne potwory, a w szczególności gryfy, służyły jako ozdoba i uchwyty do naczyń z brązu, kotłów i misek.

W stylu greckie postacie ludzkie mają wyraziste geometryczne linie, które często można znaleźć na ówczesnej ceramice. Ciała wojowników i bogów są przedstawione z wydłużonymi kończynami i trójkątnym torsem. Również starożytne greckie twory są często ozdobione postaciami zwierząt. Wiele z nich znaleziono w całej Grecji w miejscach schronienia, takich jak Olimpia i Delfy, co wskazuje na ich wspólną funkcję jako amuletów i obiektów kultu.

Zdjęcie:

Najstarsze greckie rzeźby wapienne pochodzą z połowy VII wieku p.n.e. i zostały znalezione w Therze. W tym okresie coraz częściej pojawiają się też figury z brązu. Z punktu widzenia intencji autora wątki kompozycji rzeźbiarskich stawały się coraz bardziej złożone i ambitne i mogły już przedstawiać wojowników, sceny z bitew, atletów, rydwany, a nawet muzyków z instrumentami tamtego okresu.

Marmurowa rzeźba pojawia się na początku VI wieku p.n.e. Pierwsze naturalnej wielkości monumentalne marmurowe posągi pełniły funkcję pomników poświęconych bohaterom i osobom szlacheckim lub znajdowały się w sanktuariach, w których pełniono symboliczne nabożeństwa na rzecz bogów.

Najwcześniejsze duże kamienne figury znalezione w Grecji przedstawiały młodych mężczyzn ubranych w damskie stroje w towarzystwie krowy. Rzeźby były statyczne i chropowate, jak w egipskich posągach monumentalnych, ręce były wyprostowane po bokach, nogi prawie razem, a oczy patrzyły prosto przed siebie bez szczególnego wyrazu twarzy. Te raczej statyczne postacie powoli ewoluowały poprzez szczegółowość obrazu. Utalentowani rzemieślnicy skupili się na najdrobniejszych szczegółach obrazu, takich jak włosy i mięśnie, dzięki czemu postacie zaczęły ożywać.

Charakterystyczną pozą dla greckich posągów była pozycja, w której ramiona są lekko zgięte, co daje im napięcie w mięśniach i żyłach, a jedna noga (zazwyczaj prawa) jest lekko wysunięta do przodu, dając wrażenie dynamicznego ruchu posągu . Tak powstały pierwsze realistyczne obrazy dynamicznego ciała ludzkiego.

Zdjęcie:

Malowanie i barwienie starożytnej greckiej rzeźby

Na początku XIX wieku systematyczne wykopaliska starożytnych zabytków greckich ujawniły wiele rzeźb ze śladami wielobarwnych powierzchni, z których niektóre były nadal widoczne. Mimo to wpływowi historycy sztuki, tacy jak Johann Joachim Winckelmann, tak mocno sprzeciwiali się idei malowanej rzeźby greckiej, że zwolenników malowanych posągów nazywano ekscentrykami, a ich poglądy były w dużej mierze tłumione przez ponad wiek.

Dopiero w opublikowanych artykułach naukowych niemieckiego archeologa Vindzenika Brinkmanna na przełomie XX i XXI wieku opisano odkrycie szeregu słynnych starożytnych greckich rzeźb. Używając lamp o dużej intensywności, światła ultrafioletowego, specjalnie zaprojektowanych aparatów fotograficznych, odlewów gipsowych i niektórych sproszkowanych minerałów, Brinkmann udowodnił, że cały Partenon, w tym jego korpus główny, a także posągi, pomalowano na różne kolory. Następnie przeanalizował chemicznie i fizycznie pigmenty oryginalnej farby, aby określić jej skład.

Brinkmann stworzył kilka kopii posągów greckich, pomalowanych na różne kolory, które jeździły po całym świecie. W kolekcji znajdowały się kopie wielu dzieł rzeźby greckiej i rzymskiej, co dowodziło, że praktyka malowania rzeźby była normą, a nie wyjątkiem w sztuce greckiej i rzymskiej.

Muzea, w których eksponowano eksponaty, odnotowały wielki sukces wystawy wśród zwiedzających, co wynika z pewnej rozbieżności między zwykłymi śnieżnobiałymi greckimi sportowcami a tymi jasnymi posągami, którymi naprawdę byli. Lokalizacje wystawowe obejmują Muzeum Glyptotek w Monachium, Muzeum Watykańskie i Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach. Kolekcja zadebiutowała w Ameryce na Uniwersytecie Harvarda jesienią 2007 roku.

Zdjęcie:

Etapy powstawania rzeźby greckiej

Rozwój sztuki rzeźbiarskiej w Grecji przeszedł kilka znaczących etapów. Każdy z nich odbijał się na rzeźbie z własnymi charakterystycznymi cechami, zauważalnymi nawet dla laików.

Scena geometryczna

Uważa się, że najwcześniejsze wcielenie greckiej rzeźby miało formę drewnianych posągów kultowych, po raz pierwszy opisanych przez Pauzaniasza. Nie zachowały się na to żadne dowody, a ich opisy są niejasne, mimo że prawdopodobnie od setek lat były przedmiotem czci.

Pierwszy prawdziwy dowód greckiej rzeźby został znaleziony na wyspie Eubea i datowany na 920 rpne. Był to posąg lefkandi centaur ręka nieznanej rzeźby z terakoty. Posąg został ponownie złożony kawałek po kawałku, ponieważ został celowo rozbity i pochowany w dwóch oddzielnych grobach. Centaur ma wyraźną ranę na kolanie. To pozwoliło badaczom spekulować, że posąg może przedstawiać Chirona zranionego strzałą Herkulesa. Jeśli tak, to można go uznać za najwcześniejszy znany opis mitu w historii rzeźby greckiej.

Rzeźby z okresu geometrycznego (ok. 900-700 pne) były małymi figurkami z terakoty, brązu i kości słoniowej. Typowe dzieła rzeźbiarskie tej epoki reprezentowane są przez wiele przykładów posągów konnych. Jednak repertuar fabuły nie ogranicza się do ludzi i koni, gdyż niektóre z odnalezionych przykładów posągów i stiuków z tamtego okresu przedstawiają wizerunki jeleni, ptaków, chrząszczy, zające, gryfy i lwy.

Na rzeźbie geometrycznej z wczesnego okresu nie ma żadnych napisów, aż do pojawienia się w Tebach posągu Manticlosa „Apolla” z początku VII wieku p.n.e. Rzeźba jest postacią stojącego mężczyzny z napisem u jego stóp. Napis ten jest rodzajem instrukcji, aby pomagać sobie nawzajem i odpowiadać dobrem na dobre.

Okres archaiczny

Zainspirowani monumentalną kamienną rzeźbą Egiptu i Mezopotamii, Grecy ponownie zaczęli rzeźbić w kamieniu. Poszczególne postacie łączy charakterystyczna dla modeli orientalnych twardość i frontalna postawa, ale ich formy są bardziej dynamiczne niż w rzeźbie egipskiej. Przykładami rzeźb z tego okresu są posągi Lady Auxerre i tors Hery (wczesny okres archaiczny - 660-580 p.n.e., eksponowany w paryskim Luwrze).

Zdjęcie:

Takie postacie miały jedną charakterystyczną cechę w mimice - archaiczny uśmiech. To wyrażenie, które nie ma żadnego szczególnego związku z przedstawianą osobą lub sytuacją, mogło być narzędziem artysty do ożywienia postaci i „ożywienia”.

W tym okresie w rzeźbie dominowały trzy typy postaci: stojąca naga młodzież, stojąca dziewczyna ubrana w tradycyjny grecki strój i siedząca kobieta. Podkreślają i podsumowują podstawowe cechy postaci ludzkiej oraz wykazują coraz dokładniejsze zrozumienie i znajomość ludzkiej anatomii.

Starożytne greckie posągi nagich młodzieńców, w szczególności słynnego Apolla, często były prezentowane w ogromnych rozmiarach, co miało pokazać siłę i męską siłę. Posągi te pokazują znacznie więcej szczegółów budowy muskulatury i szkieletu niż we wczesnych pracach geometrycznych. Ubrane dziewczyny mają szeroką gamę mimiki i postawy, jak w rzeźbach ateńskiego Akropolu. Ich draperie są rzeźbione i malowane z delikatnością i starannością charakterystyczną dla detali rzeźby tego okresu.

Grecy bardzo wcześnie uznali, że najważniejszym przedmiotem artystycznych przedsięwzięć jest postać ludzka. Wystarczy pamiętać, że ich bogowie mają wygląd ludzki, co oznacza, że ​​w sztuce nie było różnicy między sacrum a świeckim – ludzkie ciało było jednocześnie świeckie i święte. Akt męski bez związku z postacią mógł równie dobrze stać się Apollem lub Herkulesem, albo przedstawiać potężnego olimpijczyka.

Podobnie jak w przypadku ceramiki, Grecy nie produkowali rzeźby wyłącznie do celów artystycznych. Posągi były tworzone na zamówienie przez arystokratów i szlachtę lub przez państwo i służyły do ​​publicznych pomników, do dekoracji świątyń, wyroczni i sanktuariów (o czym często świadczą starożytne inskrypcje na posągach). Również Grecy używali rzeźb jako pomników na groby. Posągi w okresie archaicznym nie miały przedstawiać konkretnych osób. Były to obrazy doskonałego piękna, pobożności, honoru lub poświęcenia. Dlatego rzeźbiarze zawsze tworzyli rzeźby młodych ludzi, od wieku młodzieńczego do wczesnej dorosłości, nawet gdy umieszczano je na grobach (przypuszczalnie) seniorów.

Okres klasyczny

Okres klasyczny dokonał rewolucji w rzeźbie greckiej, kojarzonej niekiedy przez historyków z radykalnymi zmianami w życiu społecznym i politycznym – wprowadzeniem demokracji i końcem ery arystokratycznej. Okres klasyczny przyniósł zmiany w stylu i funkcji rzeźby, a także dramatyczny wzrost umiejętności technicznych greckich rzeźbiarzy w przedstawianiu realistycznych postaci ludzkich.

Zdjęcie:

Pozy stały się również bardziej naturalne i dynamiczne, zwłaszcza na początku okresu. W tym czasie greckie posągi coraz częściej przedstawiały prawdziwych ludzi, zamiast niejasnych interpretacji mitów lub całkowicie fikcyjnych postaci. Choć styl, w jakim zostały przedstawione, nie przekształcił się jeszcze w realistyczną formę portretową. Powstałe w Atenach posągi Harmodiusa i Arystogateona symbolizują obalenie arystokratycznej tyranii i według historyków stają się pierwszymi publicznymi pomnikami przedstawiającymi postacie prawdziwych ludzi.

W okresie klasycznym nastąpił również rozkwit sztuki stiukowej i wykorzystanie rzeźb do dekoracji budynków. Charakterystyczne świątynie epoki klasycznej, takie jak Partenon w Atenach i Świątynia Zeusa w Olimpii, wykorzystywały płaskorzeźby do dekoracyjnych fryzów, ścian i sufitów. Złożone wyzwanie estetyczne i techniczne, przed którym stanęli rzeźbiarze tego okresu, przyczyniło się do powstania innowacji rzeźbiarskich. Większość dzieł z tego okresu zachowała się jedynie w postaci oddzielnych fragmentów, np. sztukateryjna dekoracja Partenonu znajduje się dziś częściowo w British Museum.

Rzeźba żałobna dokonała w tym okresie ogromnego skoku - od twardych i bezosobowych posągów z okresu archaicznego do bardzo osobistych grup rodzinnych epoki klasycznej. Pomniki te są powszechnie spotykane na przedmieściach Aten, które w starożytności były cmentarzami na obrzeżach miasta. Choć niektóre z nich przedstawiają „idealne” typy ludzi (matka melancholijna, posłuszny syn), coraz częściej stają się uosobieniem prawdziwych ludzi i z reguły pokazują, że zmarły z godnością odchodzi z tego świata, opuszcza rodzinę. To zauważalny wzrost poziomu emocji w stosunku do epoki archaicznej i geometrycznej.

Kolejną godną uwagi zmianą jest rozkwit twórczości utalentowanych rzeźbiarzy, których nazwiska przeszły do ​​historii. Wszystkie znane informacje o rzeźbach w epoce archaicznej i geometrycznej skupiają się na samych pracach i rzadko zwraca się uwagę na ich autorów.

Okres hellenistyczny

Przejście od okresu klasycznego do okresu hellenistycznego (lub greckiego) nastąpiło w IV wieku p.n.e. Sztuka grecka stawała się coraz bardziej różnorodna pod wpływem kultur narodów zaangażowanych w orbitę grecką, podbojów Aleksandra Wielkiego (336-332 pne). Według niektórych historyków sztuki doprowadziło to do spadku jakości i oryginalności rzeźby, jednak ówcześni ludzie mogli nie podzielać tej opinii.

Wiadomo, że wiele rzeźb, wcześniej uważanych za geniuszy epoki klasycznej, powstało właśnie w okresie hellenistycznym. Możliwości techniczne i talent rzeźbiarzy hellenistycznych są widoczne w tak znaczących dziełach, jak Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki i Ołtarz Pergamoński. W Aleksandrii, Antiochii, Pergamonie i innych miastach powstały nowe ośrodki kultury greckiej, zwłaszcza rzeźby. Do II wieku p.n.e. rosnąca potęga Rzymu wchłonęła również znaczną część tradycji greckiej.

Zdjęcie:

W tym okresie rzeźba ponownie przeszła w kierunku naturalizmu. Bohaterami tworzenia rzeźb byli teraz zwykli ludzie - mężczyźni, kobiety z dziećmi, zwierzęta i sceny domowe. Wiele dzieł z tego okresu zostało zleconych przez zamożne rodziny do dekoracji swoich domów i ogrodów. Powstały realistyczne postacie mężczyzn i kobiet w każdym wieku, a rzeźbiarze nie czuli się już zobowiązani do przedstawiania ludzi jako ideałów piękna lub fizycznej doskonałości.

W tym samym czasie nowe hellenistyczne miasta, które powstały w Egipcie, Syrii i Anatolii, potrzebowały posągów przedstawiających bogów i bohaterów Grecji do swoich świątyń i miejsc publicznych. Doprowadziło to do tego, że rzeźba, podobnie jak produkcja ceramiki, stała się przemysłem z późniejszą standaryzacją i pewnym obniżeniem jakości. Dlatego do dziś przetrwało znacznie więcej dzieł hellenistycznych niż epoka okresu klasycznego.

Wraz z naturalnym przejściem w stronę naturalizmu nastąpiła również zmiana ekspresji i emocjonalnego ucieleśnienia rzeźb. Bohaterowie posągów zaczęli wyrażać więcej energii, odwagi i siły. Prostym sposobem na docenienie tej zmiany wyrazu jest porównanie najsłynniejszych dzieł powstałych w okresie hellenistycznym z tymi z okresu klasycznego. Jednym z najbardziej znanych arcydzieł okresu klasycznego jest rzeźba Delphi Carrier, która wyraża pokorę i pokorę. Jednocześnie rzeźby okresu hellenistycznego odzwierciedlają siłę i energię, co szczególnie wyraźnie wyraża się w pracy „Jockey of Artemisia”.

Najsłynniejszymi rzeźbami hellenistycznymi na świecie są Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki (I wiek p.n.e.) oraz posąg Afrodyty z wyspy Melos, lepiej znanej jako Wenus z Milo (połowa II w. p.n.e.). Posągi te przedstawiają klasyczne wątki i tematy, ale ich wykonanie jest o wiele bardziej zmysłowe i emocjonalne niż surowy duch epoki klasycznej i dozwolone umiejętności techniczne.

Zdjęcie:

Rzeźba hellenistyczna również uległa zwiększeniu, czego kulminacją był Kolos z Rodos (koniec III wieku), który według historyków był porównywalny rozmiarami do Statuy Wolności. Seria trzęsień ziemi i grabieży zniszczyła tę spuściznę starożytnej Grecji, podobnie jak wiele innych ważnych dzieł tego okresu, których istnienie jest opisane w dziełach literackich współczesnych.

Po podbojach Aleksandra Wielkiego kultura grecka rozprzestrzeniła się do Indii, o czym świadczą wykopaliska Ai-Khanum we wschodnim Afganistanie. Sztuka grecko-buddyjska stanowiła etap pośredni między sztuką grecką a wizualną ekspresją buddyzmu. Odkrycia dokonane od końca XIX wieku w starożytnym egipskim mieście Heraklem ujawniły pozostałości posągu Izydy z IV wieku p.n.e.

Posąg w niezwykle zmysłowy i subtelny sposób przedstawia egipską boginię. Nie jest to typowe dla rzeźbiarzy tego obszaru, ponieważ wizerunek jest szczegółowy i kobiecy, co symbolizuje połączenie form egipskich i hellenistycznych w czasie podboju Egiptu przez Aleksandra Wielkiego.

Starożytna grecka rzeźba jest protoplastą całej światowej sztuki! Do tej pory arcydzieła starożytnej Grecji przyciągają miliony turystów i miłośników sztuki, którzy chcą dotknąć piękna i talentu, na który nie ma wpływu czas.

Starożytna rzeźba grecka jest doskonałym dziełem kultury antycznej, wraz z epopeją, teatrem i architekturą, i pod wieloma względami nadal zachowuje wartość normy i wzorca. Marmurowe i brązowe posągi mistrzów starożytnej Hellady, płaskorzeźby i płaskorzeźby, wielofigurowe kompozycje zdobiące frontony greckich świątyń pozwalają wyobrazić sobie początek cywilizacji europejskiej.

Mapa starożytnej Grecji

Jesteśmy przyzwyczajeni do postrzegania antycznych obrazów jako szlachetnie niewzruszonych w ich marmurowej bieli. Dla rosyjskiego widza ogromną rolę odgrywają w tym słynne odlewy gipsowe wykonane według antycznych wzorów do celów edukacyjnych z inicjatywy I.V. Cwietajewa i położył podwaliny pod kolekcję Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkina. W rzeczywistości większość starożytnych greckich rzeźb była jaskrawo zabarwiona, a detale (wodze, wodze końskie, małe ozdoby do odzieży) zostały wykonane z pozłacanego brązu. Dlatego pochód obywateli ateńskich w dniu święta wielkich Panatenów na płaskorzeźbionym fryzie Partenonu powinien raczej przypominać współczesnemu widzowi wielobarwny obóz cygański, w którym rydwany, jeźdźcy, bogowie - zwykli i przystępni, jak ludzie, a Hellenowie – piękni, jak bogowie mieszani (1).

(1) Fidiasz. Nośniki wody. V wiek PNE. Muzeum Akropolu, Ateny

Ale nawet bez farby te marmurowe płaskorzeźby (wysokość jednego metra), przeniesione do muzeów na całym świecie, są godne podziwu. Nic dziwnego, że profesor B. Farmakowski porównał je z muzyką. Na wykładzie na uniwersytecie w Petersburgu w 1909 roku powiedział: „Piękno fryzu Partenonu zadziwi wszystkie epoki i narody, wykracza poza miejsce i czas, jak piękno IX Symfonii Beethovena czy Requiem Mozarta”.

Współczesne idee dotyczące greckiej rzeźby są niekompletne, wiele zabytków zostało zniszczonych podczas śródziemnomorskiej redystrybucji świata, więc można je oceniać tylko na podstawie kopii rzymskich mistrzów rozkwitu imperium (I-II wiek n.e.), które Rzymianie używane do ozdabiania swoich domów i świątyń. I chociaż posągi muskularnych olimpijczyków Myrona i Praksytelesa często umieszczano w miejscach publicznych (na przykład w łaźniach), najbardziej poszukiwana była rzeźba wdzięcznego, leniwego satyra, stworzona przez Praksytelesa. (2) , bardziej rzymski, imperialny niż demokratyczny grecki.

(2) Praksytel. Odpoczywający Satyr.
IV wiek PNE. Pustelnia Państwowa w Petersburgu

Renesansowe Włochy przejęły pałeczkę, aby zachować starożytną sztukę grecką ze starożytnego Rzymu. W tym czasie rozpoczyna się kolekcja zabytków antycznych. A w połowie XVIII wieku. niemiecki oświecony I. Winkelmann opublikował dzieło „Historia sztuki starożytnej” – pierwsze naukowe studium zabytków rzeźby antycznej.

Na początku XIX wieku, zwłaszcza w okresie kampanii napoleońskich we Włoszech i Afryce, ponownie wzrosło zainteresowanie sztuką antyczną. W Europie powstają główne muzea antyków. Trwają liczne wykopaliska nie tylko w warstwach pokrywających starożytne miasta, ale także w morzu. Posągi z brązu - greckie oryginały - wciąż są wydobywane z dna Morza Śródziemnego.

Informacje o starożytnych rzeźbach greckich można uzyskać za pomocą numizmatyki. Grupa rzeźbiarska „Atena i Marsjasz” Myrona dla ateńskiego akropolu była w stanie zrekonstruować z płaskorzeźby na starożytnej monecie ateńskiej.

główny temat

W dziejach rzeźby w starożytnej Grecji można wyróżnić cztery okresy: archaiczny (VII-VI w. p.n.e.); styl wczesnoklasyczny lub ścisły (pierwsza połowa V wieku p.n.e.); klasyczny (druga połowa V - początek IV wieku p.n.e.); późnoklasyczny (IV wiek pne). Granice epok są niejasne, ponieważ twórczość rzeźbiarzy mogła zarówno „prześcignąć” swój czas, jak i „zapóźnić się” za nim. Najważniejsze, że rzeźba grecka rozwijała się w jednym kierunku – realistycznym. Antyczny mistrz w swojej twórczości myślał w konkretnych obrazach zgodnie z zasadą naśladowania natury (według Arystotelesa). Z powodu kolejnych epok rzeźba uległa zmianie, ale zachowała specyficzne cechy stylistyczne.

Uważny widz zawsze określi kamienie milowe w historii rzeźby greckiej i nie pomyli dekoracyjności archaicznych koros i kouros z surowymi, analitycznymi posągami Polikleta, ani harmonią wysokiej klasyki Fidiasza z późnoklasyczną pasjonującą twórczością Skopasa .

Główny temat sztuki plastycznej starożytnej Grecji - człowiek - został rozwinięty i udoskonalony przez greckich rzeźbiarzy. Rzeźba z reguły miała charakter publiczny. Otrzymując zamówienie na posąg, mistrz starał się ucieleśnić w nim estetyczny ideał, zrozumiały dla wszystkich jego współczesnych.

Logiczna konstrukcja obrazu artystycznego przyczyniła się do łatwości jego zrozumienia, co z kolei dyktowało ścisły rytm i klarowność kompozycji. Tak powstała sztuka, która była w zasadzie bardziej racjonalistyczna niż emocjonalna, choć uczucia rosły z każdym kolejnym okresem.

Łącząc w swoich pracach idealizm form i wzniosłość treści, greccy mistrzowie preferowali legendarne fabuły, a sceny z życia codziennego rzadziej przedstawiały procesy pracy.

Źródła rzeźby greckiej, z pewnymi zastrzeżeniami (pozostało zbyt mało dowodów materialnych), można nazwać kulturą kreteńsko-mykeńską. Według legendy pierwszymi rzeźbiarzami w Grecji byli „Dedalidzi”, uczniowie Dedala, utalentowanego architekta i rzeźbiarza króla Minosa. Płyta z płaskorzeźbą Lwiej Bramy Akropolu Mykeńskiego jest jedynym przykładem monumentalnej rzeźby kamiennej w sztuce świata egejskiego (3) .

(3) Brama Lwa w Mykenach. XIV wiek. PNE.

(4) Zeus jako hoplita. VII wiek. PNE.

Od czasu pojawienia się rzeźby (ok. 670 pne) poprawiła się obróbka materiału artystycznego. Posągi zostały odlane z brązu (4) , rzeźbione z piaskowca, wapienia, marmuru, rzeźbione w drewnie, formowane z gliny a następnie wypalane (tzw. terakota). Posągi zostały wygrawerowane, włożono oczy, usta, paznokcie. Zastosowano technikę chryzoelefantyny (5) .

(5) Głowa dziewczynki (bóstwa?) W technice chryzo-słonia.
550-530 PNE. Muzeum Archeologiczne, Delfy

Najpopularniejszym typem archaicznych posągów są stojące postacie męskie i żeńskie odziane w długie szaty. Przedstawiały bogów, boginie lub darczyńców, których imiona zostały zapisane na podstawach lub samych rzeźbach. W VI wieku. takie rzeźby licznie zdobiły świątynie, place, nekropolie. Ich autorami byli mistrzowie jońscy z miast Azji Mniejszej lub z wysp archipelagu jońskiego.

(6) Bogini z zającem. Pierwsza połowa VI wieku Muzeum Pergamońskie, Berlin

Na przykładzie znalezionych na wyspie Samos posągów kobiet – „Hera z Samos” i „Bogini z zającem” (obie rzeźby przetrwały bez głowy) – można prześledzić charakterystyczne cechy rzeźby archaicznej. Postać „Bogini z zającem” jest czołowa i nieruchoma, drobne fałdy tuniki, niczym flety kolumny, podkreślają ten bezruch. Ale figurka zająca została przeniesiona przez greckiego mistrza swobodnie i żywo. To połączenie konwencji form z żywymi detalami jest charakterystyczne dla archaiczności. Posąg nie był wizerunkiem bogini, przedstawiał kapłankę lub prostą kobietę idącą z darami dla bogini Hery od zamożnego mężczyzny noszącego azjatyckie imię Heramius, wypisane na fałdach tuniki (6) .

Kuros, szczeka, kariatydy

Posągi Kurosa ( grecki... - młody człowiek) powstał we wszystkich ośrodkach greckiego świata. Znaczenie tych rzeźb, nazywanych także archaicznym Apollem, wciąż pozostaje tajemnicą. Niektórzy z kurosów mieli w rękach atrybuty boga Apolla - łuk i strzały, inni przedstawiali zwykłych śmiertelników, a jeszcze inni umieszczano nad pochówkami. Wysokość postaci kouros sięgała trzech metrów. Typ nagiej młodzieży był również powszechny w małych rzeźbach z brązu.

Kuro były bezbrody i długowłose (masa włosów opadających na plecy została wymodelowana w geometryczny wzór), z ostro podkreślonymi mięśniami. Kuro stali w tych samych statycznych pozach, z wyciągniętymi nogami, rękami wyciągniętymi wzdłuż ciała z dłońmi zaciśniętymi w pięść. Rysy twarzy są wystylizowane, pozbawione indywidualności. Posągi zostały przetworzone ze wszystkich stron.

Archaiczny typ kouros odpowiada tradycyjnemu egipskiemu wzorowi stojącej figury. Ale grecki artysta zwraca większą uwagę niż Egipcjanin na budowę ciała, starannie przekazuje stopy, palce, co wydaje się nieoczekiwane w ogólnym, konwencjonalnym schemacie archaicznego plastiku.

(7) Pogrzebowy kouros Anavyssius.
OK. 530 pne Muzeum Narodowe, Ateny

Przedstawienie kurosa jako równie młodego, smukłego i silnego - początek realizacji programu państwa greckiego związanego z gloryfikacją zdrowia, siły fizycznej i rozwojem gier sportowych (7) ... Stylistyczną analogią do kurosu jest kora ( grecki... - dziewica), archaiczna statua kobieca. Kora ubrana jest w chitony lub ciężkie peplosy. Fałdy są ułożone we wzór równoległych linii. Brzegi garderoby zdobi kolorowa tkana bordiura, namalowana na marmurze. Dziewczyny mają na głowach fantazyjne fryzury, zbudowane z ozdobnych motywów. Na ich twarzach tajemniczy, tzw. archaiczny uśmiech (8, 9) .

(8) Przedni. Kora nr 680. Około 530 r. p.n.e. Muzeum Akropolu, Ateny

Pod koniec VI wieku. PNE. Greccy rzeźbiarze stopniowo uczyli się przezwyciężać statyczny charakter swoich dzieł.

(9) Kora. 478–474 PNE. Muzeum Akropolu, Ateny

Kariatydy stały się kontynuacją tematu kor w rzeźbie. Sześć kariatyd niesie na głowach architraw południowego portyku świątyni Akropolu w Erechtejon. Wszystkie dziewczyny stoją frontalnie, ale w porównaniu z archaiczną korą mózgową ich pozy są bardziej swobodne i witalne dzięki lekko zgiętemu kolanie.

Stopniowo greccy rzeźbiarze przełamywali konwencję nieruchomej figury i ożywiali modelowanie ciała. Dążenie do prawdziwego obrazu żywej, poruszającej się postaci rozwija się w walce z konwencjonalnym schematem zapożyczonym z dworskiej sztuki starożytnego Wschodu.

Formuła piękna

Było to w pierwszej połowie V wieku. PNE. Greccy filozofowie i artyści, każdy w swojej dziedzinie, opracowali formę wyrażającą wieloaspektowe, dynamiczne, nieograniczone i wieczne życie. Opierając się na tym, że ogólną ideę dzieła należy ucieleśniać jako harmonijną i racjonalną całość, wyprowadzili formułę piękna jako równowagi między formą a treścią. W rozwiązaniu plastycznym piękno estetyczne stało się wyrazem piękna moralnego, jak w pracach ateńskich rzeźbiarzy Krecjusza „Młodość” i Nesiota „Grupa Bojowników Tyrańskich”.

Rzadkim przykładem brązowej (a nie kamiennej) rzeźby wczesnych klasyków był „Rydwan” (10) ... Stał na rydwanie z lejcami w rękach. Rydwan i konie (były prawdopodobnie cztery) zaginęły. Najprawdopodobniej grupa została założona przez Sycylijczyka z miasta Gela na cześć zwycięstwa w Igrzyskach Pytyjskich w konkursie rydwanów w 476 pne. Autorce rzeźby udało się bez patosu ukazać powagę chwili, wykorzystując techniki artystyczne, wykorzystując harmonię sylwetki i wewnętrzną równowagę wszelkich rzeźbiarskich linii. Figura jest frontalna, ale lekki skręt ramion uwalnia ją od sztywności i nadaje naturalną pozę. Cechy kierowcy są harmonijne, spokojne i beznamiętne. Rzeźbiarz stworzył ideał człowieka męstwa i piękna. Loki włosów, przenoszone przez tłoczenie, przechwytuje warkocz opaski. Oczy są wyłożone kolorowym kamieniem, przetrwały najcieńsze brązowe płytki rzęs, które otaczają powieki.

(10) Woźnica rydwanów. 478-474 PNE. Muzeum Archeologiczne, Delfy

(11) Zeus (lub Posejdon) z Przylądka Artemision.
połowa V wieku PNE. Muzeum Narodowe, Ateny

Kolejnym krokiem na drodze do plastycznej doskonałości rzeźby greckiej powinien być brązowy posąg Zeusa (lub Posejdona) z Przylądka Artemision na wyspie Eubea. (11) ... W figurze Boga zapisywany jest sam moment ruchu, który stanie się znakiem rozpoznawczym posągów atletów Mirona z Elefter, innowatora w rozwiązaniu problemu ruchu w rzeźbie, mistrza skomplikowanych odlewów z brązu. W oryginale nie zachowała się do naszych czasów ani jedna rzeźba Myrona, ale jego dzieło było tak popularne w Rzymie, że zachowało się wiele kopii jego dzieł i recenzji jego dzieł, w tym krytycznych. Na przykład Pliniusz Starszy (I wiek) powiedział: „Chociaż Myron interesował się ruchem ciała, nie wyrażał uczuć duszy”.

Rzeźba Świątyni Zeusa w Olimpii

Dekoracja rzeźbiarska Świątyni Zeusa w Olimpii przez nieznanych mistrzów (być może jednym z nich jest Agelad z Argos) uważana jest za wielkie osiągnięcie okresu wczesnoklasycznego i kamień milowy w rozwoju starożytnej rzeźby greckiej.

Reliefowe metopy wschodniego i zachodniego fryzu świątyni przedstawiały sceny dwunastu prac Herkulesa. Najlepiej zachowana metopa przedstawiająca Atlantów przynoszących do Herkulesa jabłka z ogrodu Hesperydów (12) ... Cechy charakterystyczne dla okresu wczesnoklasycznego (kompletna, przejrzysta kompozycja, prostota ujawnienia fabuły, archaizm w przedstawieniu szczegółów) w tej i innych metopach są połączone ze znakami sztuki klasycznej - wszystkie trzy postacie są przedstawione w różnych planach: Atena w przód, Herkules z profilu, Atlas w trzech czwartych.

(12) Metopa świątyni Zeusa w Olimpii.
Pierwsza połowa V wieku PNE. Muzeum w Olimpii

Główną wartość artystyczną rzeźb świątyni olimpijskiej stanowią monumentalne grupy frontonów oparte na motywach mitologicznych. Na elewacji wschodniej znajduje się scena z mitu wyścigu rydwanów pomiędzy bohaterami Pelopsa i Enomai; na zachodzie - „centauromachia”: bitwa centaurów z labitami.

Fabuła frontonów związana jest z motywem jeździeckim (centaury to pół-ludzie, pół-konie), który u starożytnych Greków symbolizował losy, nieuchronność losu. Rekonstrukcja tych szczytów jest przedmiotem kontrowersji naukowych. Cechą rzeźb olimpijskich są złożone wielofigurowe kompozycje wpisane w naroża naczółków. Na wschodnim frontonie znajdują się leżące postacie męskie, prawdopodobnie uosabiające rzeki w dolinie Olimpii; na frontonie zachodnim - postacie kobiet obserwujących bitwę.

Świątynia Zeusa w Olimpii uzupełnia surowy styl w rozwoju rzeźby greckiej. Dwadzieścia lat po jej wybudowaniu Fidiasz stworzył dla świątyni wykonany ze złota i kości słoniowej posąg Zeusa, który w starożytności uważany był za jeden z siedmiu cudów świata (nr art. 9/2008).

Fidiasz, przyjaciel Peryklesa

Epoka klasyczna w sztuce starożytnej Grecji rozpoczęła się od zwycięskich wojen z Persami, kiedy Attyka stała się główną na Morzu Śródziemnym. Oddani odpowiedzialności obywatelskiej rzeźbiarze rzeźbili nie tylko posągi bogów i bohaterów do ozdabiania świątyń, ale także mężów stanu i zwycięzców olimpijskich na placach w pobliżu świątyń, budynków palestrowych, rynków i teatrów.

Dla Greków największą cnotą była nagość. Dla Hellena ciało było pozorem doskonałego kosmosu, a cały otaczający go świat postrzegał przez analogię do siebie w idealnej, posągowej formie. Posągi swoją beznamiętnością i harmonią zbliżały się do wizerunków bogów.

Sztuka Fidiasza łączyła wszystkie osiągnięcia, które zgromadziła sztuka grecka do połowy V wieku. PNE. Dał życie i ruch doskonałej naturze. Jego rzeźby były dostojne i wzniosłe, pasujące do ateńskiej Republiki Demokratycznej i epoki Peryklesa.

(13) Fidiasz. Walka z centaurem za pomocą lapith. Metopa Partenonu.
Muzeum Brytyjskie, Londyn

Pod kierunkiem Fidiasza wykonano liczne skomplikowane dekoracje plastyczne Partenonu i świątyni Ateny Partenos na Akropolu. Kompozycyjnie przypominają świątynię Zeusa w Olimpii, choć są swobodniejsze w aranżacji, a w szczegółach są bardziej żywotne i dynamiczne. Od razu można zauważyć, że kolejny okres w historii rzeźby antycznej to płaskorzeźby w metopach ze scenami walki centaurów z labitami. (13) ; wizerunek w rogach frontonu boga słońca Heliosa, krępującego konie, i bogini księżyca Selene, schodzącej w rydwanie i znikającej za horyzontem. Ocalała głowa konia z zespołu Seleny jest uważana za jedną z najlepszych rzeźbiarskich przedstawień konia na świecie. (14) .

(14) Głowa konia ze wschodniego frontonu Partenonu

Arcydziełem sztuki klasycznej są posągi bogiń ze wschodniego frontonu. Sposób, w jaki Fidias umiejętnie robił fałdy swoich cienkich tunik, nazywano „mokrymi ubraniami” (15) .

(15) Hestia, Dione i Afrodyta.
Druga połowa V wieku PNE. Muzeum Brytyjskie, Londyn

Posąg Ateny Partenos (13 m wysokości), stworzony dla świątyni, jest opisany w przewodniku Pauzaniasza: „Sama Atena jest zrobiona z kości słoniowej i złota... Posąg przedstawia ją w pełni wzrostu, w tunice do stóp. Na piersi ma głowę Meduzy z kości słoniowej. W dłoni trzyma wizerunek Niki o długości około czterech łokci, aw drugiej włócznię. U jej stóp ma tarczę, a koło swojej włóczni węża; ten wąż to prawdopodobnie Erichthonius ”. Drewnianą ramę posągu pokrywało 40 talentów złota i barwiona kość słoniowa.

Imię Phidias wraz z imieniem Michał Anioł jest symbolem geniuszu w rzeźbie. Jego los był tragiczny. Zła wola, zazdrość, przeciwnicy polityczni prześladowali Fidiasza, który cieszył się pełnym zaufaniem Peryklesa. Po ukończeniu prac nad Ateną Partenos oskarżono go o kradzież złota i kości słoniowej. Oczerniany Fidiasz zmarł w więzieniu w 431 rpne, kiedy chwała Peryklesa zaczęła słabnąć.

Zmiana zainteresowań

Wojna peloponeska (431–404 pne) między demokratycznymi Atenami a arystokratyczną Unią Peloponeską kierowaną przez Korynt i Spartę pogłębiła kryzys greckiej polis i doprowadziła do konfliktów społecznych. Ale w tym samym okresie rozkwitła filozofia idealistyczna. Nadszedł czas na Sokratesa i Platona.

Charakterystyczną cechą epoki jest spadek zainteresowania sprawami publicznymi, sztuka stawia zadanie ukazania wewnętrznego świata duchowego. Kształtuje się sztuka portretowa, place miejskie zdobią posągi filozofów, mówców, mężów stanu. Wizerunki bogów stają się bardziej przyziemne i liryczne.

Nastroje te najpełniej odzwierciedlają prace rzeźbiarza Praksytelesa z Aten (ok. 370–330 p.n.e.). Praksyteles przedstawiał bohaterów, bogów, odpoczywających sportowców. Charakterystyczna dla jego twórczości jest kompozycja postaci stojącej: zawsze miękka, gładka linia wygiętego tułowia podkreślała leniwy wdzięk. Sielankowa i liryczna twórczość Praksytelesa miała zauważalny wpływ na całą sztukę starożytną. Jego rzeźby były kopiowane i urozmaicane we wszystkich gałęziach rzemiosła artystycznego starożytnego świata.

Współczesny Praksyteles Skopas joński (ok. 380-330 pne) również stworzył oryginalną szkołę rzeźby. Jego prace wyrażały dążenie do wyrażania silnych, namiętnych uczuć, do ukazywania energicznego ruchu, co było nowością w sztuce greckiej. Wiadomo o pracy Skopasa jako architekta i rzeźbiarza w świątyni Ateny w Tega (na Peloponezie). Zachodni fronton przedstawiał bitwę między Achillesem a Telefusem (wojna trojańska). W zachowanym oryginale - głowie bohatera - cierpienie przekazuje cień z wystających łuków brwiowych, półotwarte usta z opadającymi kącikami ust.

Skopasowi udało się stworzyć dwa bardzo atrakcyjne, różnorodne kobiece wizerunki: bogini Nike, uwalniająca sandał (16) i tańcząca bachantka. Zgrabna poza bogini, ubrania leżące w niestarannych fałdach, podkreślają kształt ciała, nadają całej sylwetce intymnego charakteru. Za jej ramionami majaczą miękkie zarysy dużych, rozpostartych skrzydeł. Natomiast towarzyszka Dionizosa, Bachantka, odrzuciła głowę do tyłu w dzikim tańcu, włosy rozrzucone na plecach.

(16) Płaskorzeźba balustrady świątyni Nika.
Koniec V wieku PNE. Muzeum Akropolu, Ateny

Plastyczność Skopasa nie różni się tkwiącą u Praksytelesa subtelnością modelowania detali, ale ostre cienie i energetycznie wystające formy sprawiają wrażenie żywego życia i wiecznego ruchu.

Obraz ruchu w rzeźbie zmieniał się z biegiem czasu. W rzeźbie archaicznej ten rodzaj ruchu można nazwać „ruchem akcji”, uzasadnionym motywem tej akcji: bohaterowie biegają, rywalizują, grożą bronią, rozciągają przedmioty. Nie ma takiego działania – archaiczny posąg jest nieruchomy. W okresie klasycznym, począwszy od rzeźb Polikleta, tzw. „Ruch przestrzenny” (zgodnie z definicją Leonarda da Vinci), czyli ruch w przestrzeni bez widocznego celu, określonego motywu (jak w posągu Dorifor). Ciało posągu porusza się do przodu lub wokół własnej osi („Bachantka” Scopasa) (17) .

(17) Bachantka. IV wiek PNE. Kopia rzymska. Albertinum, Drezno

Patrząc wstecz widzimy, jak rzeźbiarzom starożytnej Grecji udało się w ciągu zaledwie dwóch stuleci tchnąć życie, niczym Pigmalion, w tajemnicze, ciche, zimne rdzenie i zamienić je w zmysłowe, tańczące bachantki.

BIBLIOGRAFIA

Alpatow M.V. Problemy artystyczne sztuki starożytnej Grecji. - M .: Sztuka, 1987.

Vipper B.R. Wprowadzenie do historycznego studium sztuki. - M .: AST-Press, 2004.

AI Voshchinina Sztuka antyczna. - M .: Wydawnictwo Akademii Sztuk Pięknych ZSRR, 1962.

SŁOWNIK DO ARTYKUŁU

Architraw- belka leżąca na kapitelach kolumn.

Płaskorzeźba- płaskorzeźba, w której wypukły obraz wystaje ponad płaszczyznę tła nie więcej niż o połowę swojej objętości.

Gimatius- odzież wierzchnia w postaci czworokątnego kawałka wełnianej tkaniny, zakładana na tunikę.

Hoplita- wojownik w ciężkiej broni.

Wypukłorzeźba- wysoki relief, w którym obraz wystaje ponad płaszczyznę tła o ponad połowę swojej objętości.

Kariatydy- stojące kobiece posągi podtrzymujące belkę w budynku. Być może szlachetne kobiety z Karii, zniewolone przez Persów w celu ratowania mieszkańców.

Ludovisi- włoska rodzina arystokratyczna, która powstała na początku XVII wieku, kiedy kardynał Alessandro Ludovisi został papieżem Grzegorzem XV w 1621 roku.

Metopa- płyta, ozdobiona rzeźbą, będąca częścią fryzu doryckiego.

Palestra- prywatna szkoła gimnastyczna, w której uczyli się chłopcy w wieku od 12 do 16 lat. Na około. Samos było palestrą dla dorosłych mężczyzn.

Panathenea- w starożytnej Attyce uroczystości ku czci bogini Ateny (wielkie - raz na cztery lata, małe - corocznie). W programie pochód na akropol, ofiary i konkursy - gimnastyczne, jeździeckie, poetyckie i muzyczne.

Peplos- długa odzież damska wykonana z wełny, przypinana na ramionach, z wysokim rozcięciem z boku.

Poros- miękki wapień strychowy.

Silenus- bóstwo płodności w orszaku Dionizosa.

Triglif- element fryzu porządku doryckiego, na przemian z metopami.

Chiton- długa, prosta odzież męska i damska.

Chryzoelefantyna (grecki- wykonany ze złota i kości słoniowej) technika- różne środki przekazu. Drewnianą figurkę pokryto cienkimi złotymi płytkami, a twarz i ręce wyrzeźbiono z kości słoniowej.

Rzeźba starożytnej Grecji zajmowała ważne miejsce w sztuce starożytnej Grecji i była najwyższym osiągnięciem kultury starożytnego świata.

Starożytna rzeźba grecka we wszystkich swoich przejawach zawsze pozostawała głęboko antropocentryczna, wyrażająca religijność i duchowy świat osoby lub sakralny akt, który rzeźbiarz starał się uchwycić i przekazać.

Większość rzeźb została wykonana jako ofiary do sanktuariów lub jako pomniki nagrobne. Osobliwością sztuki greckiej było to, że mistrz, tworząc dzieła, starał się przekazać piękno i doskonałość ludzkiego ciała.

W formach pierwszych posągów podejmuje się próbę zrównoważenia bóstwa i osoby w wyrażaniu ich emocji. Najwyższy rozkwit rzeźby starożytnej Grecji osiągnięto w V wieku p.n.e. e, podczas gdy narodziny rzeźby w starożytnej Grecji można przypisać XII-VIII wieku pne. NS.

Początkowo greccy rzemieślnicy wykorzystywali w swojej pracy miękkie materiały – drewno i porowaty wapień, później marmur. Odlew z brązu był pierwszym stosowanym przez rzemieślników z wyspy Samos.

Statuetki z okresu homeryckiego przedstawiały bogów lub bohaterów, w pracach mistrzów zainteresowanie plastyką ciała jest tylko zarysowane.

W okresie archaicznym rzeźba starożytnej Grecji, nabiera archaicznego uśmiechu przekształcając twarze rzeźb coraz bardziej w obraz człowieka, ciało nabiera harmonijnej równowagi form. Mężczyźni byli przedstawiani nago, a kobiety ubrane.

W tym czasie w sztuce rzeźbiarskiej starożytnej Grecji rozpowszechnione były kuro - młodzi młodzieńcy, stworzeni głównie do rytuałów pamięci. Mistrzowie przedstawiali kuro jako powściągliwego, o dobrej postawie, uśmiechu, z zaciśniętymi pięściami, fryzura kurosa przypominała perukę. Jedną z najsłynniejszych rzeźb kurosa jest „Kouros cienia” (κούρος της Τενέας). Rzeźba została znaleziona niedaleko Koryntu, w Cieniu, w Świątyni Apolla. Obecnie jest przechowywany w Muzeum w Monachium.

Młode dziewczęta lub kor, Grecy przedstawiani w tradycyjnych strojach, w chitonie lub peplos. Kora (κόρη) to specyficzny typ posągu z żeńskimi formami z czasów archaicznych, a mianowicie z drugiej połowy VII wieku p.n.e. Bogata fryzura, modna biżuteria i kolorowe ozdoby odzieży – tak przedstawiali je rzeźbiarze starożytnej Grecji.

Epoka klasyczna, jak nazywamy okres, który rozpoczyna się w 480 r. p.n.e. a kończy się w 323 rpne, czyli od zakończenia wojen grecko-perskich do śmierci Aleksandra Wielkiego. Podczas tego okresu ważne zmiany społeczne i równoległe innowacje miały miejsce w rzeźbie starożytnej Grecji... Starożytni Grecy skupili swoją uwagę na przekazywaniu ducha i pasji. Artyści studiują mowę ciała, aby ujawnić swoje najskrytsze myśli, pokazać ruch ciała: ułożenie kończyn, głowy i klatki piersiowej.

Pierwszy posąg, który zasadniczo przedstawia koniec jednej epoki i początek drugiej, to „chłopiec z Krety” (Κριτίου παίς), przechowywany w Muzeum Akropolu. Ten posąg nagiego nastolatka o wysokości 1,67 m jest jednym z najpiękniejszych i najdoskonalszych przykładów sztuki wczesnoklasycznej. Rzeźba łączy ruch, plastyczność, w wyrazie twarzy pojawia się powaga.

Słynna rzeźba woźnicy (woźnicy rydwanu), przechowywana w Muzeum Delphi, pochodzi z wczesnej klasyki. Posąg młodzieńca wykonany jest z brązu, ma wysokość 1,8 m, nosi tunikę z rękawami, przedstawia muskularne ramię młodzieńca, w ręku trzyma strzępy wodzy. Draperia fałd na ubraniach, które odpowiadają ruchom, jest dobrze przeniesiona.

W 450-420. pne NS. w okresie klasycznym rzeźba starożytnej Grecji jest modyfikowana. Teraz rzeźby mają więcej miękkości, plastyczności i dojrzałości. Fidiasz reprezentował cechy sztuki klasycznej w rzeźbach Partenonu.

W tym czasie pojawili się inni godni rzeźbiarze: Agorakritos, Alkamen, Kolot, którzy byli specjalistami w produkcji posągów ze złota i kości słoniowej. Kallimach był jednym z wynalazców porządku korynckiego, Poliklet, który portretował sportowców, jako pierwszy napisał tekst teoretyczny na temat rzeźby i innych.

W okresie późnej klasyki, w rzeźbie starożytnej Grecji pojawiły się tendencje w badaniu ludzkiej postaci w przestrzeni trójwymiarowej, pojawiło się bardziej zmysłowe piękno i dramaturgia.

Wielcy rzeźbiarze tamtych czasów to: Kefisodot („Eirena z dzieckiem w ramionach”), Πρaxitel, który stworzył młodość Maratonu i Afrodyta z Knidus, Efranor, Silanion, Leohar, Skopas i Lysippus, ostatni rzeźbiarze późnego klasycyzmu okres, który otworzył drogę do epoki sztuki hellenistycznej.

Epoka hellenistyczna w rzeźbie starożytnej Grecji znalazła odzwierciedlenie w bardziej zróżnicowanej interpretacji form plastycznych, komplikacji kątów i najdrobniejszych szczegółów. Rozwija się monumentalna plastyka, pojawiają się ogromne płaskorzeźby, pojawiają się wielopostaciowe grupy, płaskorzeźby, które są integralną częścią ekspresji sztuki rzeźbiarskiej, drobną plastykę komplikuje witalność obrazów.

Najsłynniejsze dzieła tego czasu: „Nika z Samotraki” Pifokryt o wysokości 3,28 m, „Wenus z Milo”, o wysokości 2,02 m, wykonane przez rzeźbiarza Aleksandra z Antiochii, znajdują się w Luwrze, „Laokoona i jego synów” autorstwa rzeźbiarzy rodyjskich Agesander z Rodos, Polidoros i Atenodor, znajduje się w Watykanie.

Sztuka starożytnej Grecji stała się filarem i fundamentem, na którym wyrosła cała europejska cywilizacja. Rzeźba starożytnej Grecji to temat szczególny. Bez rzeźby antycznej nie byłoby genialnych arcydzieł renesansu, a dalszy rozwój tej sztuki trudno sobie wyobrazić. W historii rozwoju greckiej rzeźby antycznej można wyróżnić trzy duże etapy: archaiczny, klasyczny i hellenistyczny. Każdy ma w sobie coś ważnego i wyjątkowego. Rozważmy każdy z nich.

Sztuka archaiczna. Cechy charakterystyczne: 1) statyczna frontalna pozycja postaci, przypominająca rzeźbę starożytnego Egiptu: ręce opuszczone, jedna noga wysunięta do przodu; 2) Rzeźba przedstawia młodych mężczyzn ("kuros") i dziewczęta ("szczeka"), na ich twarzach spokojny uśmiech (archaiczny); 3) Kuro przedstawiano nago, kora zawsze ubierano, a rzeźby malowano; 4) Mistrzostwo w przedstawianiu kosmyków włosów, w późniejszych rzeźbach - fałdy draperii na postaciach kobiecych.

Okres archaiczny obejmuje trzy wieki - od VIII do VI wieku p.n.e. NS. To okres kształtowania się podwalin rzeźby antycznej, ustanawiania kanonów i tradycji. Okres bardzo warunkowo wyznacza ramy wczesnej sztuki antycznej. Faktycznie początek archaiczności widać już w rzeźbach z IX wieku p.n.e., a wiele śladów archaiczności widać w zabytkach z IV wieku p.n.e. Rzemieślnicy wczesnej starożytności wykorzystywali do swojej pracy różnorodne materiały. Zachowane rzeźby z drewna, wapienia, terakoty, bazaltu, marmuru i brązu. Rzeźbę archaiczną można podzielić na dwa zasadnicze komponenty: cortex (figury kobiece) i kuros (figury męskie). Uśmiech archaiczny to szczególny rodzaj uśmiechu stosowany przez rzeźbiarzy archaicznych greckich, zwłaszcza w drugiej ćwierci VI wieku. pne NS. być może w celu wykazania, że ​​podmiot obrazu żyje. Ten uśmiech jest płaski i wygląda dość nienaturalnie, choć jednocześnie jest oznaką ewolucji sztuki rzeźbiarskiej w kierunku realizmu i jego poszukiwań.

Kore Wspólne dla prawie wszystkich kobiecych posągów jest perspektywa. Najczęściej kora pojawia się frontalnie wyprostowana, ramiona są często opuszczone wzdłuż ciała, rzadziej skrzyżowane na klatce piersiowej lub trzymające święte atrybuty (włócznia, tarcza, miecz, różdżka, owoc itp.). Na twarzy widoczny jest archaiczny uśmiech. Proporcje ciała są dostatecznie oddane, pomimo ogólnej szkicowości i uogólnienia obrazów. Wszystkie rzeźby były koniecznie malowane.

Kuros Rzeźby męskie z tego okresu wyróżniają się ścisłą postawą czołową, często lewa noga jest wysunięta do przodu. Ręce opuszczone wzdłuż ciała, dłonie zaciśnięte w pięści, rzadziej są rzeźby z ramionami wyciągniętymi do przodu, jakby wyciągającymi ofiarę. Innym warunkiem wstępnym męskich archaicznych posągów jest dokładna symetria ciała. Zewnętrznie rzeźby męskie mają wiele wspólnego z posągami egipskimi, co wskazuje na silny wpływ egipskiej estetyki i tradycji na sztukę antyczną. Wiadomo, że najwcześniejsze kuro były wykonane z drewna, ale nie zachowała się ani jedna drewniana rzeźba. Później Grecy nauczyli się obróbki kamienia, więc wszystkie ocalałe kuro wykonane są z marmuru.

Sztuka klasyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Zakończono poszukiwania sposobu na zobrazowanie poruszającej się postaci ludzkiej o harmonijnych proporcjach; wypracowano stanowisko „kontrpostu” – równowaga ruchów części ciała w spoczynku (postać swobodnie stojąca z podparciem na jednej nodze); 2) Rzeźby Polikletus rozwija teorię kontrpostu, ilustrując swoją pracę rzeźbami stojącymi w tej pozycji; 3) W V wieku. pne NS. osoba jest przedstawiana jako harmonijna, wyidealizowana, z reguły młoda lub w średnim wieku, wyraz twarzy jest spokojny, bez zmarszczek mimicznych i fałdów, ruchy są powściągliwe, harmonijne; 4) W IV wieku. pne NS. jest wielka dynamika, a nawet ostrość w plastyczności postaci; w obrazach rzeźbiarskich zaczynają ukazywać indywidualne cechy twarzy i ciał; pojawia się portret rzeźbiarski.

V wiek w historii greckiej rzeźby okresu klasycznego można nazwać „krokiem naprzód”. Rozwój rzeźby w starożytnej Grecji w tym okresie wiąże się z nazwiskami takich sławnych mistrzów jak Myron, Poliklet i Fidiasz. W ich kreacjach obrazy stają się bardziej realistyczne, jeśli można powiedzieć, że nawet „żywe”, zmniejsza się schematyzm charakterystyczny dla archaicznej rzeźby. Ale głównymi „bohaterami” są bogowie i „idealni” ludzie. Większość rzeźb z tej epoki kojarzy się z antyczną sztuką plastyczną. Arcydzieła klasycznej Grecji wyróżniają się harmonią, idealnymi proporcjami (co świadczy o doskonałej znajomości anatomii człowieka), a także treścią wewnętrzną i dynamiką.

Polikletus, który pracował w Argos, w drugiej połowie V wieku. pne e, jest wybitnym przedstawicielem szkoły peloponeskiej. Rzeźba okresu klasycznego jest bogata w jego arcydzieła. Był mistrzem rzeźby z brązu i znakomitym teoretykiem sztuki. Polycletus wolał przedstawiać sportowców, w których zwykli ludzie zawsze widzieli ideał. Wśród jego dzieł znajdują się posągi „Dorifor” i „Diadumenos”. Pierwsza praca to silny wojownik z włócznią, ucieleśnienie spokojnej godności. Drugi to szczupły młodzieniec z bandażem zwycięzcy konkursu na głowie.

Myron, który żył w połowie V wieku. pne e, znane nam z rysunków i kopii rzymskich. Ten genialny mistrz doskonale opanował plastyczność i anatomię, wyraźnie oddawał swobodę ruchów w swoich pracach ("Discobolus").

Rzeźbiarz starał się pokazać walkę dwóch przeciwieństw: spokoju w osobie Ateny i dzikości w osobie Marsjasza.

Fidiasz to kolejny wybitny przedstawiciel twórcy rzeźby okresu klasycznego. Jego imię brzmiało jasno w okresie rozkwitu greckiej sztuki klasycznej. Jego najsłynniejszymi rzeźbami były kolosalne posągi Ateny Partenos i Zeusa w Świątyni Olimpijskiej, Ateny Promachos znajdującej się na Akropolu w Atenach. Te arcydzieła sztuki są bezpowrotnie stracone. Dopiero opisy i zredukowane kopie rzymskie dają nam nikłe pojęcie o wspaniałości tych monumentalnych rzeźb.

Rzeźba starożytnej Grecji odzwierciedlała fizyczne i wewnętrzne piękno i harmonię człowieka. Już w IV wieku po podboju Grecji przez Aleksandra Wielkiego znane stały się nowe nazwiska utalentowanych rzeźbiarzy. Twórcy tej epoki zaczynają zwracać większą uwagę na stan wewnętrzny człowieka, jego stan psychiczny i emocje.

Słynnym rzeźbiarzem okresu klasycznego był Skopas, który żył w połowie IV wieku p.n.e. Wprowadza innowację, odsłaniając wewnętrzny świat człowieka, stara się oddać w rzeźbach emocje radości, strachu, szczęścia. Nie bał się eksperymentować i portretował ludzi w różnych złożonych pozach, szukając nowych artystycznych możliwości ukazania na ludzkiej twarzy nowych uczuć (namiętności, złości, wściekłości, strachu, smutku). Posąg Maenady to wspaniałe dzieło z okrągłego plastiku, którego rzymska kopia została zachowana. Nowe i wieloaspektowe dzieło reliefowe można nazwać Amazonomachią, która zdobi Mauzoleum Halikarnasu w Azji Mniejszej.

Praksyteles był wybitnym rzeźbiarzem okresu klasycznego mieszkającym w Atenach około 350 roku p.n.e. Niestety, do nas trafiła tylko statua Hermesa z Olimpii, ao pozostałych dziełach wiemy tylko z kopii rzymskich. Praxitel, podobnie jak Skopas, próbował przekazać uczucia ludzi, ale wolał wyrażać lżejsze emocje, które były przyjemne dla człowieka. Przeniósł liryczne emocje, marzycielstwo na rzeźby, wychwalał piękno ludzkiego ciała. Rzeźbiarz nie kształtuje postaci w ruchu.

Wśród jego prac należy wymienić "Odpoczywający satyr", "Afrodyta z Knidos", "Hermes z małym Dionizosem", "Apollo zabija jaszczurkę".

Lysippos (druga połowa IV wieku pne) był jednym z najwybitniejszych rzeźbiarzy okresu klasycznego. Wolał pracować z brązem. Dopiero rzymskie kopie dają nam możliwość zapoznania się z jego twórczością.

Wśród słynnych dzieł są „Herkules z jeleniem”, „Apoksyomenos”, „Odpoczywający Hermes” i „Wojownik”. Lysippos zmienia proporcje, przedstawia mniejszą głowę, suchsze ciało i dłuższe nogi. Wszystkie jego prace są indywidualne, a portret Aleksandra Wielkiego jest również zhumanizowany.

Mała rzeźba w okresie hellenistycznym stała się powszechna i składała się z figurek ludzi wykonanych z wypalanej gliny (terakoty). Nazywano je terakotą Tanagra ze względu na miejsce produkcji w mieście Tanagra w Beocji.

Sztuka hellenizmu. Cechy charakterystyczne: 1) Utrata harmonii i ruchu okresu klasycznego; 2) Ruchy postaci nabierają wyraźnego dynamizmu; 3) Wizerunki postaci w rzeźbie dążą do oddania cech indywidualnych, pragnienia naturalizmu, odejścia od harmonizacji natury; 4) Dawny „heroiczny” pozostaje w dekoracji rzeźbiarskiej świątyń; 5) Doskonałość w przekazywaniu form, objętości, fałd, „żywotności” natury.

W tamtych czasach rzeźba zdobiła domy prywatne, budynki użyteczności publicznej, skwery i akropol. Rzeźba hellenistyczna charakteryzuje się odbiciem i ujawnieniem ducha niepokoju i napięcia, pragnienia przepychu i teatralności, a czasem surowego naturalizmu. Szkoła pergamońska rozwinęła artystyczne zasady Skopasa z jego zainteresowaniem gwałtownym wyrażaniem uczuć, przekazywaniem szybkich ruchów. Jedną z wybitnych budowli hellenizmu był monumentalny fryz Ołtarza Pergamońskiego, zbudowany przez Eumenesa II na cześć zwycięstwa nad Galami w 180 roku p.n.e. NS. Jej podstawę pokryto fryzem o długości 120 m, wykonanym w technice płaskorzeźby i przedstawiającym bitwę olimpijskich bogów i zbuntowanych olbrzymów z wężami zamiast nóg.

Odwagę ucieleśniają grupy rzeźbiarskie „Umierający Gal”, „Gallus zabijający siebie i swoją żonę”. Wybitna rzeźba hellenizmu - Afrodyta z Mediolanu autorstwa Agesandry - półnaga, surowa i wysublimowana spokojna.