Główne kierunki sztuki współczesnej. Kierunki nowoczesnego malarstwa Prezentacja współczesnych kierunków sztuki zachodniej XXI wieku

„Sztuka” to twórczość artystyczna jako całość: literatura, architektura, rzeźba, malarstwo, grafika, rzemiosło artystyczne, muzyka, taniec, teatr, kino i inne rodzaje ludzkiej działalności, połączone jako artystyczne i wyobrażeniowe formy odbicia rzeczywistości.

Abstrakcja jest jednym z głównych sposobów naszego myślenia. Jej wynikiem jest formowanie się pojęć i sądów najogólniejszych (abstrakcji). W sztuce dekoracyjnej abstrakcja to proces stylizacji form naturalnych. Abstrakcja jest stale obecna w działalności artystycznej; w swojej skrajnej ekspresji w sztuce prowadzi do abstrakcji, szczególnego kierunku w sztukach wizualnych XX wieku, który charakteryzuje się odrzuceniem przedstawiania rzeczywistych obiektów, ostatecznym uogólnieniem lub całkowitym odrzuceniem formy, nieobiektywnych kompozycji (z linii, kropek, plam, płaszczyzn itp.), eksperymenty z kolorem, spontaniczna ekspresja wewnętrznego świata artysty, jego podświadomość w chaotycznych, zdezorganizowanych abstrakcyjnych formach (abstrakcyjny ekspresjonizm). Abstrakcjonizm mniej wyrażał się w rzeźbie niż w malarstwie. Sztuka abstrakcyjna była odpowiedzią na ogólną dysharmonię współczesnego świata i odniosła sukces, ponieważ głosiła odrzucenie świadomości w sztuce i wzywała do „porzucenia inicjatywy na rzecz form, kolorów, kolorów”. Czym jest abstrakcja?

Czym jest realizm? Realizm (z francuskiego realisme, z łac. realis - material) - w sztuce szeroko rozumianej, prawdziwe, obiektywne, całościowe odzwierciedlenie rzeczywistości za pomocą określonych środków właściwych rodzajom twórczości artystycznej. Cechą wspólną metody realizmu jest rzetelność w odtwarzaniu rzeczywistości. Jednocześnie sztuka realistyczna ma ogromną różnorodność metod poznania, uogólnienia, artystycznego odzwierciedlenia rzeczywistości. Sztuka realistyczna XX wieku. nabiera jasnych cech narodowych i różnorodności form. Realizm jest przeciwieństwem modernizmu.

Czym jest awangarda? Awangarda – (z francuskiego awangarda – zaawansowana, garde – oderwanie) – pojęcie określające eksperymentalne, modernistyczne początki w sztuce. W każdej epoce w sztukach wizualnych pojawiały się nowatorskie zjawiska, ale termin „awangarda” powstał dopiero na początku XX wieku. W tym czasie pojawiły się takie kierunki jak fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Następnie, w latach 20. i 30., surrealizm zajął pozycje awangardowe. W epoce lat pojawiają się nowe odmiany abstrakcjonizmu - różne formy akcjonizmu, praca z przedmiotami (pop art), sztuka konceptualna, fotorealizm, kinetyka itp. We wszystkich nurtach awangardowych, mimo ich wielkiej różnorodności, cechy wspólne można wyróżnić: odrzucenie klasycznego obrazu, nowość formalną, deformację form, ekspresję i różne przekształcenia gier. Wszystko to prowadzi do zatarcia granic między sztuką a rzeczywistością (ready-made, instalacja, environment), powstania ideału dzieła otwartego, bezpośrednio wdzierającego się w otoczenie. Sztuka awangardowa przeznaczona jest do dialogu między artystą a widzem, aktywnej interakcji człowieka z dziełem sztuki, udziału w twórczości (np. sztuka kinetyczna, happening itp.).

Co jest pod ziemią? Underground (angielski underground - underground, underground) - pojęcie oznaczające kulturę „podziemną”, przeciwstawiające się konwencjom i ograniczeniom kultury tradycyjnej. Wystawy artystów tego kierunku często odbywały się nie w salonach i galeriach, ale bezpośrednio na ziemi, a także w przejściach podziemnych lub metrze, które w niektórych krajach nazywane jest podziemiem (metro). Prawdopodobnie ta okoliczność wpłynęła również na to, że za tym kierunkiem w sztuce XX wieku. ta nazwa została ustalona. W Rosji pojęcie undergroundu stało się określeniem społeczności artystów reprezentujących sztukę nieoficjalną.

Czym jest surrealizm? Surrealizm (fr. Surrealisme - superrealizm) - nurt w literaturze i sztuce XX wieku. opracowany w latach dwudziestych. Powstały we Francji z inicjatywy pisarza A. Bretona surrealizm szybko stał się nurtem międzynarodowym. Surrealiści wierzyli, że twórcza energia pochodzi z podświadomości, która objawia się podczas snu, hipnozy, bolesnego majaczenia, nagłych wglądów, automatycznych działań (losowe wędrówki ołówkiem po papierze itp.). Artyści surrealiści, w przeciwieństwie do abstrakcjonistów, nie odmawiają przedstawiania rzeczywistych przedmiotów, lecz przedstawiają je w chaosie, celowo pozbawionym logicznych powiązań. Brak sensu, odrzucenie rozsądnego odbicia rzeczywistości to główna zasada sztuki surrealistycznej. Już sama nazwa trendu mówi o jego izolacji od rzeczywistości: „sur” po francusku „over”; artyści nie udawali, że odzwierciedlają rzeczywistość, ale w myślach umieszczali swoje dzieła „ponad” realizmem, udając urojone fantazje jako dzieła sztuki. Wśród obrazów surrealistycznych znalazły się więc podobne, wyzywające prace M. Ernsta, J. Miro, I. Tanguy, a także obiekty przetworzone przez surrealistów nie do poznania (M. Oppenheim).

Czym jest modernizm? Modernizm (fr. modernisme, z łac. modernus - nowy, nowoczesny) to zbiorcze określenie wszystkich najnowszych trendów, trendów, szkół i działań indywidualnych mistrzów sztuki XX wieku, którzy zrywają z tradycją, realizmem i za podstawę uważają eksperyment metody twórczej (fowizm, ekspresjonizm, kubizm, futuryzm, abstrakcjonizm, dadaizm, surrealizm, pop-art, op-art, kinetyka, hiperrealizm itp.). Modernizm jest bliski awangardy i przeciwieństwem akademizmu. Modernizm został negatywnie oceniony przez sowieckich krytyków sztuki jako zjawisko kryzysowe kultury burżuazyjnej. Sztuka ma swobodę wyboru własnych ścieżek historycznych. Sprzeczności modernizmu jako takie należy rozpatrywać nie statycznie, ale w dynamice historycznej.

Co to jest pop-art? Pop art (angielski pop-art, od sztuki popularnej - sztuka popularna) jest trendem w sztuce Europy Zachodniej i Stanów Zjednoczonych od końca lat pięćdziesiątych. Pop-art rozkwitł w burzliwych latach 60., kiedy w wielu krajach Europy i Ameryki wybuchły zamieszki młodzieży. Ruch młodzieżowy nie miał jednego celu – łączył go patos zaprzeczania. Młodzi ludzie byli gotowi wyrzucić całą dotychczasową kulturę za burtę. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w sztuce. Cechą charakterystyczną pop-artu jest połączenie wyzwania z obojętnością. Wszystko jest równie cenne lub równie bezcenne, równie piękne lub równie brzydkie, równie wartościowe lub niegodne. Być może tylko biznes reklamowy opiera się na tym samym beznamiętnym i rzeczowym podejściu do wszystkiego na świecie. To nie przypadek, że reklama wywarła ogromny wpływ na pop-art, a wielu jej przedstawicieli pracowało i pracuje w centrach reklamowych. Twórcy reklam i pokazów potrafią rozdrabniać i łączyć proszek do prania oraz słynne arcydzieło sztuki, pastę do zębów i fugę Bacha na kawałki i łączyć w potrzebne kombinacje. Pop-art robi to samo.

Co to jest sztuka optyczna? Op-art (angielski op art, w skrócie sztuka optyczna - sztuka optyczna) to trend w sztuce XX wieku, który stał się powszechny w latach 60. XX wieku. Artyści op-art wykorzystywali różne iluzje wizualne, opierając się na osobliwościach percepcji postaci płaskich i przestrzennych. Efekty przestrzennego ruchu, fuzji i wzlotów form osiągnięto poprzez wprowadzenie rytmicznych powtórzeń, ostrych kontrastów kolorystycznych i tonalnych, przecięcia konfiguracji spiralnych i kratowych, wijących się linii. Op-art często wykorzystywał oprawę zmieniającego się światła, dynamiczne konstrukcje (omówione dalej w dziale sztuki kinetycznej). Iluzje płynnego ruchu, sekwencyjna zmiana obrazów, niestabilne, ciągle odbudowujące się formy pojawiają się w op-arcie tylko w percepcji widza. Kierunek kontynuuje techniczną linię modernizmu.

Czym jest sztuka kinetyczna? Sztuka kinetyczna (od gr. Kinetikos - wprawianie w ruch) to nurt sztuki współczesnej związany z powszechnym stosowaniem ruchomych struktur i innych elementów dynamiki. Kinetyka jako nurt niezależny ukształtował się w drugiej połowie lat 50., ale poprzedziły go eksperymenty tworzenia dynamicznych tworzyw sztucznych w rosyjskim konstruktywizmie (V. Tatlin, K. Mielnikow, A. Rodchenko) i dadaizmie. Wcześniej sztuka ludowa pokazywała nam również próbki ruchomych przedmiotów i zabawek, na przykład drewniane ptaki szczęścia z regionu Archangielska, zabawki mechaniczne imitujące procesy pracy ze wsi Bogorodskoje itp. W sztuce kinetycznej ruch wprowadza się na różne sposoby, jedne prace są dynamicznie przekształcane przez samego widza, inne drganiami powietrza, jeszcze inne napędzane są silnikiem lub siłami elektromagnetycznymi. Stosowana jest nieskończona różnorodność materiałów – od tradycyjnych po najnowocześniejsze technologie, aż po komputery i lasery. Lustra są często używane w kompozycjach kinetycznych.

Czym jest hiperrealizm? Hiperrealizm to nurt w malarstwie i rzeźbie, który powstał w Stanach Zjednoczonych i stał się wydarzeniem w świecie sztuk pięknych lat 70. XX wieku. Inną nazwą hiperrealizmu jest fotorealizm. Artyści tego kierunku naśladowali zdjęcie za pomocą środków malarskich na płótnie. Przedstawiały świat nowoczesnego miasta: witryny sklepowe i restauracje, stacje metra i sygnalizację świetlną, budynki mieszkalne i przechodniów na ulicach. Jednocześnie szczególną uwagę zwrócono na powierzchnie błyszczące, odbijające światło: szkło, plastik, lakier samochodowy itp. Gra odbić na takich powierzchniach stwarza wrażenie przenikania się przestrzeni.

Co jest gotowe? Ready-made (angielski ready made) to jedna z rozpowszechnionych technik sztuki nowoczesnej (awangardowej), która polega na tym, że obiekt produkcji przemysłowej wyłamuje się ze zwykłego codziennego otoczenia i jest eksponowany w hali wystawienniczej. Znaczenie ready-made jest następujące: gdy zmienia się otoczenie, zmienia się również percepcja obiektu. Widz widzi w wystawionym na podium przedmiocie nie przedmiot użytkowy, ale przedmiot artystyczny, wyrazistość formy i koloru. Nazwę readymade po raz pierwszy użył od lat M. Duchamp w odniesieniu do jego „przedmiotów gotowych” (szczotka do włosów, koło rowerowe, suszarka do butelek). W latach 60. ready-made rozpowszechniło się w różnych dziedzinach sztuki awangardowej, zwłaszcza w dadaizmie.

Co to jest instalacja? Instalacja (z angielskiego instalacja - instalacja) - kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych elementów - przedmiotów gospodarstwa domowego, produktów i materiałów przemysłowych, obiektów naturalnych, tekstu czy informacji wizualnych. Założycielami instalacji byli dadaista M. Duchamp i surrealiści. Tworząc niezwykłe połączenia zwykłych rzeczy, artysta nadaje im nowe znaczenie symboliczne. Estetyczna treść instalacji tkwi w grze znaczeń semantycznych, które zmieniają się w zależności od tego, gdzie znajduje się obiekt - w zwykłym codziennym otoczeniu lub w sali wystawowej. Instalacja została stworzona przez wielu artystów awangardowych R. Rauschenberg, D. Dine, G. Uecker, I. Kabakov. Instalacja jest formą sztuki szeroko rozpowszechnioną w XX wieku.

Czym jest środowisko? Environment (environment angielskie - environment, environment) - rozbudowana kompozycja przestrzenna, obejmująca widza jak realne otoczenie, jedna z form charakterystycznych dla sztuki awangardowej lat. Środowisko typu naturalistycznego, imitujące wnętrze z postaciami ludzkimi, stworzyły rzeźby D. Segala, E. Kienholza, K. Oldenburga, D. Hansona. Takie powtórzenia rzeczywistości mogą zawierać elementy urojonej fikcji. Innym rodzajem środowiska jest przestrzeń do zabawy, która obejmuje określone działania publiczności.

Podsumowanie Sztuka jest zawsze zgodna ze swoim czasem, jest nowoczesna i odzwierciedla światopogląd społeczeństwa jako całości. Z kolei sztuka silnie oddziałuje na masy, dlatego tak ważny jest stosunek samego artysty do życia. Rozwój różnych wypaczonych nurtów w sztuce, tzw. pseudosztuki, jest zgodny z jej epoką. Cała historia sztuki i architektury to żywa tkanina, nieustannie ewoluująca i zmieniająca się. W każdej epoce, czy to w klasycznej sztuce Grecji, włoskim renesansie czy starożytnej sztuce rosyjskiej, była walka tendencji, wpływów, walka starych idei z pojawiającymi się jakościowo nowymi przejawami. Jednak przy całej zmienności form sztuki w danym okresie zawsze istniały stosunkowo stabilne cechy artystyczne - kompozycyjne, plastyczne, kolorystyczne, rytmiczne i inne, które określają styl danego czasu. Najlepsi przedstawiciele kultury: artyści, graficy, rzeźbiarze, architekci, filmowcy, aktorzy, pisarze, wczoraj i dziś starają się odzwierciedlić w swojej twórczości najlepsze myśli i uczucia ludzkości, z troską podchodzić do arcydzieł światowej kultury.

Sztuka XX - XXI wieku

Malarstwo Podobnie jak sztuka współczesna, malarstwo współczesne w swojej obecnej formie ukształtowało się w latach 60-70 XX wieku. Poszukiwano alternatyw dla modernizmu i często wprowadzano zasady odwrotne do niego. Francuscy filozofowie ukuli termin „postmodernizm”, a wielu artystów włączyło się w ten nurt. Najważniejszymi zjawiskami artystycznymi lat 60. i 70. były sztuka konceptualna i minimalizm. W latach 70. i 80. ludzie wydawali się zmęczeni sztuką konceptualną i stopniowo powracali do wizualizacji, koloru i figuratywności. W połowie lat 80. pojawiły się ruchy wykorzystujące obrazy kultury popularnej – kamizm, sztuka East Village i neo-pop. Fotografia kwitnie - coraz więcej artystów sięga po nią jako środek artystycznego wyrazu. Rozwój technologii znacząco wpłynął na proces malarski: w latach 60. - wideo i audio, następnie - komputery, aw latach 90. - praca internetowa z kolekcji Viktora Bondarenko

Sztuka współczesna W Rosji w latach 90. istniał termin „sztuka współczesna”, który choć podobny do terminu „sztuka współczesna”, nie jest z nim tożsamy. Oznaczało to innowacyjność sztuki współczesnej w pomysłach i środkach technicznych. Szybko stał się przestarzały, a kwestia jego wejścia do historii sztuki nowoczesnej XX czy XXI wieku jest otwarta. Pod wieloma względami cechy awangardy przypisywano sztuce współczesnej, czyli innowacyjności, radykalizmowi, nowym technikom i technikom. Prace z kolekcji Viktora Bondarenko Valery Koshlyakov „Embankment” Dubossarsky-Vinogradov „Earth-Champion”

Abstrakcjonizm Abstrakcjonizm (łac. „Abstractio” - usuwanie, odwracanie uwagi) to kierunek sztuki niefiguratywnej, który zrezygnował z przedstawiania form w malarstwie i rzeźbie, które są bliskie rzeczywistości. Jednym z celów abstrakcjonizmu jest osiągnięcie „harmonizacji”, stworzenie określonych zestawień kolorystycznych i geometrycznych kształtów w celu wywołania u odbiorcy różnych skojarzeń. Michaił Łarionow „Czerwony Rayonizm” Wassily Kandinsky „Zershonesbild” Malewicz Kazimierz „Młynek”

Kubizm (fr. Cubisme) to awangardowy nurt w malarstwie XX wieku, przede wszystkim w malarstwie, który powstał na początku XX wieku i charakteryzuje się stosowaniem mocno zgeometryzowanych form konwencjonalnych, chęcią „rozszczepienia” obiekty rzeczywiste na prymitywy stereometryczne. Kubizm Picasso „Dziewczyny z Awinionu” Juan Gris „Kuście winogron” Fernand Léger „Budowniczy” Juan Gris „Śniadanie”

Surrealizm Surrealizm (fr. Surrealisme - superrealizm) to nowy kierunek w malarstwie, który ukształtował się na początku lat dwudziestych we Francji. Różni się użyciem aluzji i paradoksalnych kombinacji form. Główną koncepcją surrealizmu, surrealizmu jest połączenie snu i rzeczywistości. W tym celu surrealiści zaproponowali absurdalne, sprzeczne połączenie naturalistycznych obrazów poprzez kolaż i technologię „ready-made”. Surrealiści inspirowali się radykalną ideologią lewicową, ale sugerowali rozpoczęcie rewolucji z własnych myśli. Uważali sztukę za główny instrument wyzwolenia. Salvador Dali „Kuszenie św. Antoniego” Max Ernst „Anioł Ogniska czyli triumf surrealizmu” Rene Magritte „Syn człowieczy” Wojtek Syudmak „Świat snów i iluzji”

Modern Modern (z francuskiego moderne - modern) lub Art Nouveau (francuska secesja, dosłownie „nowa sztuka”) to nurt artystyczny w sztuce, bardziej popularny w drugiej połowie XIX - początku XX wieku. Jego charakterystycznymi cechami są: odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych” linii, zainteresowanie nowymi technologiami (zwłaszcza w architekturze), rozkwit sztuki użytkowej. Nowoczesność dążyła do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych tworzonych dzieł, włączenia wszystkich sfer ludzkiej aktywności w sferę piękna. Alphonse Mucha „Taniec” Michaił Vrubel „Księżniczka łabędzia” A. Benois „Maskarada pod Ludwikiem XIV” Michaił Vrubel „Perła”

Sztuka optyczna Op-art - skrócona wersja sztuki optycznej - sztuka optyczna) - ruch artystyczny drugiej połowy XX wieku, wykorzystujący różne iluzje wizualne oparte na osobliwościach postrzegania postaci płaskich i przestrzennych. Nurt kontynuuje racjonalistyczną linię technikizmu (modernizmu). Sztuka op. dąży do uzyskania optycznej iluzji ruchu nieruchomego obiektu artystycznego poprzez psychofizjologiczne oddziaływanie na widza, jego aktywizację. Jacob Agam „Nowy krajobraz” Joseph Albers „Fabryka A” Bridget Riley „Big Blue”

Podobne dokumenty

Sztuka współczesna jako zespół praktyk artystycznych, które ukształtowały się w drugiej połowie XX wieku. Genialny wzrost stylu Art Nouveau jako prekursora sztuki współczesnej. Odważne geometryczne kształty w stylu art deco. Narodziny i rozwój sztuki współczesnej.

streszczenie dodane 24.11.2014


Muzeum jako instytucja publiczna. Muzea sztuki współczesnej i ich odbiorcy. Narzędzia odbiorców i praktyki zarządzania w organizacjach sztuki współczesnej. Marketing muzeów sztuki współczesnej. Centrum Sztuki „Puszkinskaja-10”.

praca semestralna, dodana 09.03.2018


Pojawienie się sztuki w społeczeństwie pierwotnym. Sztuka w okresie prehistorycznym. Styl, technika, motywy sztuki prymitywnej. Związek między sztuką prymitywną a współczesną. Teoria instynktu artystycznego. Hipoteza wystawiania trofeów.

streszczenie dodane 05/03/2019


Ujawnienie ideologicznych podstaw sztuki modernistycznej. Rozwój kultury europejskiej XX wieku. Różnorodność obszarów modernizmu w sztuce. Rozczarowanie ideałami i wartościami renesansu i oświecenia. Estetyczne postawy konceptualizmu.

praca semestralna dodana 29.09.2013


Opis głównych kierunków modernizmu. Początki rosyjskiej symboliki i twórczość M.A. Vrubel. Treść manifestów literackich i trzy główne elementy „nowej sztuki”. Esencja światopoglądu i poetyki kubizmu, futuryzmu, fowizmu i awangardy.

prezentacja dodana 03.09.2011


Geneza i historia rozwoju modernizmu. Surrealizm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Główny temat malarstwa hiperrealistycznego. Historia powstania kubizmu. Pop art jako nurt w sztuce Europy Zachodniej i Stanów Zjednoczonych z lat 1950-1960, przedstawiciele.

streszczenie, dodane 21.03.2013


Ogólna koncepcja modernizmu. Różnorodność typów i form kultury artystycznej modernizmu. Próby tworzenia syntetycznych form sztuki. Główne kierunki w sztuce modernizmu. Ekspresjonizm, kubizm, abstrakcjonizm, surrealizm, pop-art, happening.

streszczenie dodane 14.11.2013


Klasyfikacja rodzajów sztuki. Techniki plastyczne. Rodzaje i gatunki malarstwa w historii. Krótki przegląd głównych stylów artystycznych, trendów, trendów. Charakterystyczne cechy rozwoju sztuk pięknych Rosji w X-XX wieku.

streszczenie dodane 29.10.2017


Ogólne nurty w sztuce modernizmu i postmodernizmu. Badania nad surrealizmem i abstrakcjonizmem jako ważnym elementem sztuki XX wieku. Stworzenie stylu monumentalnego w kinematografii. Osobliwość fabuły filmu „Brzuch architekta”.

artykuł dodany 26.04.2019


Badanie cech świadomości artystycznej i mitologicznej człowieka pierwotnego. Charakterystyka istoty i charakterystyka rytuałów i ceremonii. Analiza źródeł sztuki. Studium sztuki kościelnej chrześcijan. Cechy sztuki współczesnej.

1.modernizm ( Francuski modernizm, od moderne - najnowszy, nowoczesny) - główny kierunek sztuki zachodniej XIX-XX wieku. W teorii modernizmu odbicie rzeczywistości jest uważane za przestarzałą zasadę ustępuje miejsca jego zaprzeczeniu. W praktyce wyraża się to w zanik figuratywnych cech sztuki zastąpiony przez system znaków , jak najbardziej wolny od wizualnych skojarzeń i określony przez samego artystę. W poezji słowo traci swoje znaczenie nabycie nowej wartości jako czynnika fizycznego - akustyczny - uderzenia, w muzyce niszczona jest specyfika dźwięku, a współbrzmienia atonalne i różne odgłosy domowe przekształceniu ulegają takie podstawowe pojęcia estetyki muzycznej, jak melodia, harmonia, barwa, rytm itp.

2. Sztuka abstrakcyjna- kierunek w sztuce XX wieku, odmowa przedstawiania prawdziwych przedmiotów oraz zjawiska, które przejawiały się w malarstwie, rzeźbie i grafice. Już samo określenie „abstrakcjonizm” świadczy o wyobcowaniu tej sztuki z rzeczywistości. Sztuka abstrakcyjna sformułowała swoją pozycję w latach 1910. jako anarchistyczne wyzwanie dla gustów publicznych, na przełomie lat 40. i 60. nurt ten należał do najbardziej rozpowszechnionych zjawisk kultury zachodniej.

W abstrakcjonizmie istnieją dwa główne obszary: psychologiczny (e uważany za założyciela V.Kandinsky , który zdołał przekazać w swoich utworach liryzm i muzykalność swoich intuicyjnych spostrzeżeń. Tutaj głównym środkiem wyrazu nie jest kształt przedmiotu i cechy przestrzeni, ale kolorystyka cechy tego ostatniego) i geometryczny (lub intelektualny, logiczny). Jej założycielem jest holenderski artysta P. Mondrianie, przedstawiający w swoim malarstwie stosunek płaszczyzn namalowanych na różne sposoby.

Niektóre nurty sztuki abstrakcyjnej, podążając za linią rozwoju tego kierunku ( suprematyzm, neoplastycyzm), powtarzając poszukiwania w architekturze i przemyśle artystycznym, tworzyli uporządkowane projekty z linii, geometrycznych kształtów i objętości, innych (tachizm) - zgodnie z nurtem psychologicznym - w dynamice spotów czy tomów starali się wyrazić spontaniczność, nieświadomość twórczości. Utalentowani przedstawiciele sztuki abstrakcyjnej (W. Kandinsky, K. Malewicz, P. Mondrian, W. Tatlin) wzbogaciło rytmiczną dynamikę malarstwa i wzbogaciło jego paletę, jednak rozwiązanie problemów globalnych i problemów egzystencjalnych, przed którymi stoi człowiek zawsze w ramach abstrakcjonizmu, okazało się niemożliwe.

3. Surrealizm. Na początku lat dwudziestych przedwojenny modernizm wyczerpał się jako działalność twórcza. W przeciwieństwie do modernizmu lat przedwojennych, cierpiącego z powodu wewnętrznego bólu, nowe irracjonalne trendy – surrealizm, dadaizm, ekspresjonizm – same starają się krzywdzić ludzi, inspirując ich ideą, że cały świat jest śmiertelnie nieszczęśliwy, niespójny i pozbawiony sensu. Irracjonalne tendencje sztuki skoncentrowane na surrealizmie, który pojawił się jako ruch artystyczny w malarstwie europejskim 1925-26.

Najbardziej typowe surrealistyczne płótna zostały stworzone przez Belg R. Magritte i kataloński S. Dali. Te obrazy przedstawiają irracjonalne kombinacje czysto obiektywnych fragmentów rzeczywistości, postrzegane w ich naturalnej formie lub paradoksalnie zdeformowane. Poczucie dziwactwa, nieoczekiwaności zjawisk tego świata rodzi w takiej sztuce ideę jej niepoznawalność, o absurdalności bytu , który jawi się artyście w przerażającym koszmarze lub śmiesznym fantasmagorycznym przebraniu. Teoretyczne podstawy nowego ruchu w kulturze artystycznej należy do francuskiego poety i psychiatry André Breton ... Kreatywność miała ogromny wpływ na rozwój surrealizmu Z. Freud i jego koncepcja psychoanalizy , gdzie psychika jest interpretowana jako podporządkowana niepoznawalnym, irracjonalnym, wiecznym siłom, które są poza świadomością. Głęboki fundament psychiki, wpływający na rzeczywiste, świadome życie człowieka, według Freuda staje się nieświadomy ... I, jego zdaniem, nieświadomość pojawia się z największą bezpośredniością w snach i sztuce i to w nich odsłania się prawdziwa droga poznania „naturalnej istoty” człowieka.

Na przełomie lat 20-30. Surrealizm przeniknął do malarstwa innych krajów europejskich - Anglii, Szwecji, Czechosłowacji w latach 30. XX wieku. dotarł do Ameryki Łacińskiej, Australii, Japonii, ukazując się nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie.

4. Sztuka pop-artu. Wprowadzono nazwę pop-art (z angielskiego popular art - public art) L. Eloway w 1965 roku. Ten sam nurt powstał w latach 50. XX wieku. w USA i Anglii. Początkowo rola pop-artu ograniczała się do zadania zamienniki sztuki abstrakcyjnej , a nie zaakceptowana przez szerokie masy ludowe, na sztukę zrozumiałą dla szerokich mas ludowych. Pop-art ogłosił się nowy realizm odkąd szeroko używałem prawdziwe przedmioty gospodarstwa domowego i ich kopie, fotografie, atrapy ... Pop art idealizował świat rzeczy materialnych, którym poprzez zorganizowanie pewnego kontekstu ich postrzegania nadano status artystyczny i estetyczny. W pop-artu rzecz jest estetyzowana jako towar , a praca staje się zmaterializowany sen konsumenta .

Wśród odmian pop-artu są op-art charakteryzuje się szerokim wykorzystaniem efektów optycznych, plam barwnych, e-sztuka z ruchomymi konstrukcjami i okr art z obiektami otaczającymi widza. Jednak odmiany pop-artu nie różnią się od siebie znaczeniem. Ten styl jest podobny do stylu wystawianie towarów lub reklama. Pop Art jest idealny dla zorientowanego na konsumenta „człowieka tłumu” wychowanego na reklamie i mediach.

Temat XI. Kultura w dobie globalizacji

Etapy globalizacji.

Przede wszystkim należy zauważyć, że globalizacja jest procesem, który nie rozpoczął się wcale w ostatnich dziesięcioleciach, ale rozwija się co najmniej w ciągu ostatniego stulecia.

· Pierwszy etap globalizacji - przełom XIX-XX wieku. Był to etap aktywnej ekspansji handlu i inwestycji w skali globalnej. Teoretykami pierwszej fali globalizacji byli R. Cobden, J. Bright, N. Angel, którzy uzasadnili ideę, że główni antagoniści polityki zagranicznej, Anglia i Niemcy, będące jednocześnie głównymi partnerami gospodarczymi, nie będą uczestniczyć w konfliktach zbrojnych z każdym z nich. po drugie, wojna obaliła te przewidywania, a globalizacja jako proces została przerwana.

· Druga fala globalizacji rozwinęła się w latach 70., po dwóch wojnach światowych i Wielkim Kryzysie. Jej głównymi przesłankami była rewolucja w informatyce i telekomunikacji.

· Obecny etap globalizacji Warunkami jej wdrożenia są:

1. Upadek Związku Radzieckiego i systemu państw obozu socjalistycznego, które doprowadziło do naruszenia światowego parytetu sił.

2. Wdrażanie rewolucji informacyjnej i co doprowadziło do powstania elektronicznych gospodarek, elektronicznych struktur finansowych, elektronicznego pieniądza, elektronicznych rządów.

3. Wzmocnienie pod koniec XX wieku roli TNK w gospodarce światowej... Najpotężniejsi z nich kontrolują obecnie ponad 90% bezpośrednich inwestycji zagranicznych w krajach zachodnich i prawie 100% inwestycji w gospodarkach Trzeciego Świata.

4. Procesy globalizacji są promowane przez działalność wielu organizacji i instytucji międzynarodowych,(m.in. MFW, Bank Światowy i WTO), które muszą zachować nowy ład gospodarczy, który wykształcił się w okresie powojennym i nie dopuszczać do redystrybucji zasobów i rynków zbytu pomiędzy tych, którzy wchodzą w skład grupy krajów wiodących i tych, którzy dążą do wyzwolenia się z ekonomicznych i politycznych zależności za pomocą mechanizmów przyspieszonej modernizacji.

5. I wreszcie stało się to oczywiste w latach 90. upadek współczesnego projektu i ideologii oświecenia i jego degeneracja podstawowa zasada racjonalizmu w progresywizmie i technologizmie. Prowadzi to dziś do katastrof ekologicznych, zniszczenia zarówno przestrzeni przyrody, jak i przestrzeni kultury.

"Impresjonizm" - K. Debussy, podobnie jak malarze impresjoniści, nakładają pociągnięcia jedną farbą, potem drugą. Słynni malarze impresjoniści: Cel lekcji: Świat sztuki jest piękny i niesamowity! „Kek-wok” 1. Co brzmi „wieloryb”? 2. Jaki jest nastrój muzyki? Doktor Gradus ad Parnassum. Rozwiń koncepcję i cechy impresjonizmu jako stylu artystycznego i rozważ cechy manifestacji impresjonizmu w muzyce i malarstwie.

"Malarstwo holenderskie" - Powrót syna marnotrawnego. George ”(1616), pomalowany w ciepłych kolorach, charakterystyczne ciężkie, gęste pociągnięcia. V. Delft. Pani i pokojówka. Temat: Realistyczny obraz Holandii. Rembrandt jest mistrzem własnego autoportretu. Własne portrety w różnym wieku. Plan: Słownik !!! Frans Hals (Holandia.

„Artyści XX wieku” - Kubizm. Lekcje muzyki. Fowizm Matisse'a. Surrealizm Salvadora Lali. Niebieski i kropka:. Trwałość pamięci. „Różowy okres” z obrazami z bardziej żywego świata teatru i cyrku. Opracował: Turaeva Svetlana Yurievna. Kobieta w kapeluszu. Kuracjusz. Jasne i ciemne monochromatyczne kolory wydają się oddawać wrażenie błysków ognia.

„Impresjonizm w sztuce” – Degas. Bulwar Montmartre. Cudowne źródło. Wrażenie. Flecista. Port. Lekcja. (1830-1903). (1862-1918). Absynt. Edgara. (1853-1890). Pastorzy tahitańscy. (1848-1903). Bar w Folies Bergères. Pocałunek. Van Gogh. Dziewczyny w czerni. Paweł. Żagle w Argenteil. Wincentego. Kierunki stylów kultury artystycznej w Europie Zachodniej w XIX wieku.

"Kultura XX XXI" - Kultura w drugiej połowie XX-początku XXI wieku. Rudolfa Valentino. „Przyjazd pociągu na stację La Ciota”. Filozof Jose Ortega y Gasset Sformułował podejście do strukturyzacji oparte na kreatywnym potencjale. „Wielka Parada”. Znane filmy nieme: pierwszy pełnometrażowy kolorowy film „Grunya Kornakov”.

„Impresjonizm w malarstwie” – „Camilla w japońskim kimonie”. Technika. Jest słoneczne popołudnie.” Jest jednym z twórców impresjonizmu. „Plaża w Purvil”. Wielcy impresjoniści. Wygląd zewnętrzny. Znane obrazy. „Taniec w Bougival”. Francuski malarz, grafik i rzeźbiarz. Śniadanie na trawie. Impresjonizm. „Białe piwonie”. Auguste Renoir, Żaba.

W sumie są 34 prezentacje