Artyści malarstwa współczesnego. Współcześni artyści Rosji

Sztuka ciągle się rozwija, podobnie jak cały świat wokół nas. Współcześni artyści XXI wieku i ich obrazy wcale nie przypominają tych, które istniały w średniowieczu, w renesansie. Pojawiają się nowe nazwy, materiały, gatunki, sposoby wyrażania talentów. W tym rankingu spotkamy dziesięciu nowatorskich artystów naszych czasów.

10. Pedro Campos.Na dziesiątym miejscu jest Hiszpan, którego pędzel może spokojnie konkurować z aparatem, pisze takie realistyczne płótna. W większości tworzy martwe natury, ale niesamowity podziw to nie tyle tematyka jego obrazów, ile mistrzowskie wcielenie. Faktura, rozjaśnienia, głębia, perspektywa, objętość - to wszystko Pedro Campos ujarzmił pędzlem, żeby rzeczywistość, a nie fikcja, patrzyła na widza z płótna. Bez ozdób, bez romantyzmu, tylko rzeczywistość, takie jest znaczenie gatunku fotorealizmu. Nawiasem mówiąc, artysta zdobył swoją dbałość o szczegóły i skrupulatność w pracy konserwatora zabytków.

9. Richard Estes.Inny miłośnik gatunku fotorealizmu - Richard Estes - zaczynał od zwykłego malarstwa, ale później przeszedł do rysowania pejzaży miejskich. Dzisiejsi artyści i ich kreacje nie muszą się do nikogo dostosowywać, a to świetnie, każdy może wyrazić siebie tak, jak chce, w tym, czego chce. Podobnie jak w przypadku Pedro Camposa, prace tego mistrza można łatwo pomylić ze zdjęciami, miasto z nich jest tak podobne do prawdziwego. Rzadko można zobaczyć ludzi na obrazach Estes, ale prawie zawsze są tam odbicia, rozjaśnienia, równoległe linie i idealna, idealna kompozycja. W ten sposób nie tylko szkicuje pejzaż, ale odnajduje w nim doskonałość i stara się to pokazać.

8. Kevin Sloane.Współczesnych artystów XXI wieku i ich obrazów jest niesamowicie wielu, ale nie każdy z nich jest wart uwagi. Amerykanin Kevin Sloan jest tego wart, bo jego prace zdają się przenosić widza w inny wymiar, świat pełen alegorii, ukrytych znaczeń, metaforycznych tajemnic. Artysta uwielbia malować zwierzęta, ponieważ jego zdaniem uzyskuje w ten sposób więcej swobody niż ludziom w przekazywaniu historii. Sloan od prawie 40 lat tworzy swoją „sztuczną rzeczywistość” w olejach. Bardzo często na płótnach pojawiają się zegarki: patrzy na nie słoń lub ośmiornica, ten obraz można zinterpretować jako upływający czas lub ograniczenie życia. Każdy z obrazów Sloane jest niesamowity, chcesz się dowiedzieć, co autor chciał jej przekazać.

7. Laurent Parsellier.Malarz ten należy do tych współczesnych artystów XXI wieku, których obrazy zostały rozpoznane już na studiach. Talent Laurenta przejawiał się w wydanych albumach pod ogólnym tytułem „Strange World”. Maluje olejami, ma lekkie maniery, ma tendencję do realizmu. Cechą charakterystyczną prac artysty jest obfitość światła, które zdaje się wylewać z płótna. Z reguły przedstawia krajobrazy, niektóre rozpoznawalne miejsca. Wszystkie prace są niezwykle lekkie i przewiewne, pełne słońca, świeżości, oddechu.

6. Jeremy Mann.Pochodzący z San Francisco, kochał swoje miasto, najczęściej przedstawiał je na obrazach. Współcześni artyści XXI wieku mogą znaleźć inspirację do swoich obrazów wszędzie: w deszczu, mokrym chodniku, neony, miejskie światła. Jeremy Mann nasyca proste krajobrazy nastrojem, historią, eksperymentami z technikami i doborem kolorów. Głównym materiałem Manna jest ropa.

5. Hans Rudolf Giger.Na piątym miejscu jest niepowtarzalny, niepowtarzalny Hans Giger, twórca Obcego z filmu o tym samym tytule. Dzisiejsi artyści i ich dzieła są różnorodni, ale każdy jest genialny na swój sposób. Ten ponury Szwajcar nie maluje przyrody i zwierząt, bardziej interesuje go malarstwo „biomechaniczne”, w którym celował. Niektórzy porównują artystę do Boscha w ponurości i fantastyczności jego płócien. Chociaż obrazy Gigera emanują czymś nieziemskim, niebezpiecznym, nie można mu odmówić techniki, umiejętności: zwraca uwagę na szczegóły, poprawnie dobiera odcienie, przemyśla wszystko w najdrobniejszych szczegółach.

4. Will Barnett.Artysta ma własny, niepowtarzalny styl autora, dlatego jego prace są chętnie przyjmowane przez wielkie muzea świata: Metropolitan Museum, National Gallery of Art, British Museum, Ashmolean Museum, Watykan. Współcześni artyści XXI wieku i ich dzieła, aby zostać rozpoznanymi, muszą wyróżniać się z tłumu. Will Barnett może to zrobić. Jego prace są graficzne i kontrastowe, często przedstawia koty, ptaki, kobiety. Na pierwszy rzut oka obrazy Barnetta są proste, ale po dokładniejszym zbadaniu zdajesz sobie sprawę, że ich geniusz tkwi właśnie w tej prostocie.

3. Neil Simon.To jeden ze współczesnych artystów XXI wieku, którego prace nie są tak proste, jak się wydaje na pierwszy rzut oka. To tak, jakby zmyły się granice między fabułami i dziełami Neila Simona, przepływają one z jednej na drugą, wabią sobą widza i wciągają w iluzoryczny świat artysty. Kreacje Simona charakteryzują się jasnymi, nasyconymi kolorami, co dodaje im energii i siły, wywołuje emocjonalną reakcję. Mistrz uwielbia bawić się perspektywą, rozmiarem przedmiotów, niecodziennymi zestawieniami i nieoczekiwanymi kształtami. W pracach artysty jest dużo geometrii, która łączy się z naturalnymi krajobrazami, jakby pękając do środka, ale nie niszcząc, ale harmonijnie się uzupełniając.

2. Igor Morski.Dzisiejszego artystę XXI wieku i jego obrazy często porównuje się do wielkiego geniusza Salvadora Dali. Prace polskiego mistrza są nieprzewidywalne, tajemnicze, ekscytujące, wywołują silną reakcję emocjonalną, a miejscami są szalone. Jak każdy inny surrealista nie stara się pokazać rzeczywistości taką, jaka jest, ale pokazuje aspekty, których nigdy nie zobaczymy w życiu. Często, główna postać twórczość Morskiego - człowieka ze wszystkimi swoimi lękami, pasjami, wadami. Również metafory prac tego surrealistki często odwołują się do władzy. Oczywiście nie jest to artysta, którego prace wieszasz nad łóżkiem, ale ten, na którego wystawę zdecydowanie powinieneś się wybrać.

1. Yayoi Kusama... Tak więc na pierwszym miejscu w naszym rankingu jest japońska artystka, która odniosła niesamowity sukces na całym świecie, mimo że ma jakąś chorobę psychiczną. Główną cechą artysty są kropki. Wszystko, co widzi, zakrywa okręgami o różnych kształtach i rozmiarach, nazywając wszystkie te sieci nieskończoności. Interaktywne wystawy i instalacje Kusamy są sukcesem, bo czasem każdy chce (nawet jeśli się do tego nie przyznaje) wejść w psychodeliczny świat halucynacji, dziecięcej spontaniczności, fantazji i kolorowych kręgów. Wśród współczesnych artystów XXI wieku i ich obrazów najlepiej sprzedaje się Yayoi Kusama.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego włoskiego artysty Aurelio Bruniego. Mieszka i pracuje w Umbrii. Artysta maluje w stylu hiperrealizmu i symbolizmu, zorganizował 25 wystaw indywidualnych, brał udział w 53 wystawach zbiorowych, ma na swoim koncie 10 różnych nagród i wyróżnień.

Droga do Jorku przez świat szlaków to obraz słynnego współczesnego brytyjskiego artysty Davida Hockneya. 21 czerwca 2006 r. „Splash” Hockneya został sprzedany za 2,6 miliona funtów. Jego obraz „Wielki Kanion”, składający się z 60 małych obrazów połączonych w celu odtworzenia jednego ogromnego obrazu, został kupiony przez National Gallery of Australia za 4,6 miliona dolarów. Gospodyni domowa z Beverly Hills została sprzedana za 7,9 miliona dolarów w Christie's w Nowym Jorku. W 2016 roku jego krajobraz, Waldgate Woods, został sprzedany na aukcji w Sotheby's za 9,4 miliona funtów. stał się nowym rekordem Davida Hockneya.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego amerykańskiego artysty Warrena Chunga. Dzięki mistrzowskiemu przekazowi światła i stonowanych tonów jego obrazy wyglądają bardzo realistycznie, doskonale oddają emocje i nastrój. Większość jego obrazów przedstawia ludzi zaangażowanych w swoją działalność zawodową lub codzienną. Maluje również obrazy wnętrz. Warren Chang ma wiele różnych tytułów i nagród. Mieszka i pracuje w Monterey w Kalifornii.

Obraz jest abstrakcją słynnego współczesnego niemieckiego malarza Gerharda Richtera, jednego z najbogatszych artystów świata. Obraz pokazany na tym zdjęciu został sprzedany w Londynie w Sotheby's za 44,52 miliona dolarów (30,4 miliona).

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego francuskiego artysty Martial Rice. W 1993 roku jedną z jego prac kupił miliarder François Pinault. W 2011 roku Rice's Last Year in Capri został sprzedany za 6,58 miliona dolarów w Christie's (za najwyższą cenę spośród wszystkich innych francuskich artystów sprzedanych wcześniej). W 2013 roku znalazł się na szczycie 50 najdroższych żyjących artystów.

Obraz słynnego współczesnego kanadyjskiego artysty Albiniego LeBlanc, mistrza miniaturowych pejzaży miejskich z szpachlą. Artysta mieszka i pracuje w Quebecu. Jego prace można oglądać w galeriach sztuki w Montrealu, Toronto, Vancouver i Quebecu. Albini LeBlanc zorganizował 15 wystaw indywidualnych, brał udział w 7 wystawach zbiorowych, ma 8 różnych nagród i wyróżnień.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego japońskiego artysty Tomoko Kashiki. Artysta organizował wystawy indywidualne w Singapurze, Francji i Japonii, brał udział w wystawach zbiorowych w Chinach, USA, Australii, Japonii, Indonezji, Wielkiej Brytanii, Zjednoczonych Emiratach Arabskich i Singapurze. Jej prace można oglądać w kolekcjach publicznych w Art Gallery of Queensland, Brisbane, Australia; w jednej z największych japońskich firm ubezpieczeniowych - Dai-ichi Life Insurance Limited; w Muzeum Sztuki Starej i Nowej na Tasmanii w Australii; w Kolekcji Sztuki Toyoty.

Obraz "Kolorowanie" autorstwa słynnego współczesnego ukraińskiego artysty Olega Pistola. Ten obraz został sprzedany w firmie Phillips za 53,900 $. Według Forbesa, Oleg Tistol to jeden z trzech najbardziej utytułowanych artystów na Ukrainie. Urodził się w Wradijewce w obwodzie mikołajowskim, mieszka i pracuje w Kijowie, jest członkiem Związku Artystów Ukrainy, brał udział w wielu wystawach na Ukrainie, w Rosji, Estonii, Polsce, USA, Islandii, Słowenii, Holandii, Szwajcarii, Wielkiej Brytanii, Danii, Brazylii, Niemczech , Norwegii, Francji i Włoch. Oleg Tistol wziął udział w Biennale: w 1994 r. - "17 września", 22. Biennale w Sao Paulo; w 2001 - „Pierwszy ukraiński projekt”, 49. Biennale w Wenecji. Jego obrazy znajdują się w kolekcjach: w PinchukArtCentre, w Kijowie, na Ukrainie; w kolekcji Norton Dodge, USA; w Stedelic Museum w Amsterdamie, Holandia; w Christoph Merian Stiftung w Bazylei, Szwajcaria; w tureckim Ministerstwie Kultury w Ankarze; w Muzeum Historii Moskwy w Rosji.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego polskiego artysty Wojciecha Babskiego. Artysta mieszka i pracuje w Katowicach. Jest popularny nie tylko w Polsce, ale także za granicą. Wojciech Babski otrzymał następujące nagrody: I \u200b\u200bmiejsce w kategorii „The American Art Awards 2016” w kategorii malarstwo pop; I miejsce w kategorii „The 2016 American Art Awards” w kategorii obrazów komentujących politykę; 3. miejsce Obrazy akrylowe The American Art Awards 2016; IV i V miejsce w kategorii „The 2016 American Art Awards” w kategorii Ekspresjonizm.

Na zdjęciu obraz słynnej współczesnej białoruskiej artystki Anny Silivonchik. Artystka urodziła się w Homlu, dziś mieszka i pracuje w Mińsku. Silivonchik Anna jest członkiem Białoruskiego Związku Artystów Plastyków, została odznaczona medalem "Talent i powołanie" międzynarodowego sojuszu "Peacemaker", jej prace znajdują się w Muzeum Narodowe Republika Białorusi, muzeum sztuka współczesna w Mińsku, Muzeum Współczesnej Sztuki Rosyjskiej w Jersey City (USA), fundusze Gomel Palace and Park Ensemble, Yelabuga państwowy rezerwat muzealny w Rosji kolekcje prywatne na Białorusi, w Rosji, Francji, USA, Japonii, Izraelu, Włoszech, Niemczech i Polsce. W latach 2001-2016 artysta zorganizował wiele wystaw indywidualnych na Białorusi, Rosji, Niemczech i Ukrainie, a także brał udział w wystawach zbiorowych na Białorusi, USA, Rosji, Estonii, Ukrainie, Łotwie, Czechach, Polsce, Niemczech. , Węgry, Niderand i Kazachstan.

Obraz słynnego współczesnego tureckiego artysty Gyurbuza Dogana Eksioglu. Znany na całym świecie turecki rysownik i grafik, pochodzący z Ordu, ma na swoim koncie ponad 70 nagród, z których około jedna trzecia ma charakter międzynarodowy. Grbz Doan Ekiolu brał udział w wielu wystawach zbiorowych w Turcji i za granicą, zorganizował ponad 20 wystaw indywidualnych, z których jedna odbyła się w Nowym Jorku. Jego prace były prezentowane w Atlantic, New York Times, a także na okładkach New Yorker i Forbes.

Obraz słynnego współczesnego egipskiego artysty Hossama Dirara. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Kairze. Hossam Dirar miał wiele wystaw indywidualnych w takich krajach jak Bahrajn, Wielka Brytania, Słowacja, Włochy, Francja, Austria, Czechy, Węgry, Słowenia i Egipt. Brał także udział w wystawach zbiorowych w Niemczech, Egipcie i RPA.

Na zdjęciu obraz „Ostatnia wieczerza” słynnego współczesnego chińskiego artysty Zenga Fanzhiego. Ten obraz został sprzedany za 23,3 miliona dolarów w Sotheby's w Hongkongu w październiku 2013 r., Ustanawiając nowy rekord współczesnej sztuki azjatyckiej. Wcześniej, w maju 2008 r., Kiedy Christie's Hong Kong zorganizowała pierwszą azjatycką sprzedaż sztuki współczesnej , jego Obraz nr 6 z serii Maska sprzedany za 75 367 500 HK $. Był to światowy rekord tego roku pod względem wartości sprzedaży wśród wszystkich artystów.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego greckiego artysty Nikosa Giftakisa. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Atenach. Jest bardzo popularny nie tylko w Grecji, organizował wystawy osobiste i brał udział w wielu zbiorowych, m.in. w Szwajcarii, na Cyprze, w Niemczech, Włoszech, Belgii, Szwecji, Brazylii, Rosji i Grecji.

Obraz słynnego współczesnego gruzińskiego artysty Davida Popiashvili. Artysta pochodzący z Tbilisi jest członkiem Związku Artystów Gruzińskich, brał udział w wystawach we Francji, Niemczech, Bułgarii, Rosji i Gruzji. Wiele jego prac znajduje się w muzeach i kolekcjach prywatnych w Gruzji i za granicą.

Obraz został namalowany przez słynnego współczesnego artystę ZEA Abdula Kadera Al-Raisa. Artysta jest jednym z założycieli Towarzystwa dzieła wizualne Emirates i jest uważany za jednego z pionierów sztuki współczesnej w Emiratach. Jego prace można znaleźć w Emirates Palace (hotel prezydencki w Abu Zabi), biurach rządowych oraz w prywatnych kolekcjach dzieł sztuki członków rodziny królewskiej w Dubaju. Artysta brał udział w różnych wystawach zbiorowych, a także organizował wystawy indywidualne w różnych krajach (Czechy, Liban, USA, Niemcy, Kuwejt, Katar, Oman, Arabia Saudyjska, Syria i Zjednoczone Emiraty Arabskie) otrzymały wiele nagród.

Na zdjęciu jest obraz słynnego współczesnego holenderskiego artysty Tjalfa Sparnaaya. Artysta pochodzi z Holandii, mieszka i pracuje w mieście Hilversum, zorganizował 14 wystaw indywidualnych i brał udział w wielu wystawach zbiorowych w różnych krajach (USA, Wielka Brytania, Belgia, Estonia, Niemcy, Kanada, Austria i Holandia). Jego prace znajdują się w zbiorach prywatnych i publicznych w wielu krajach.

Obraz słynnego współczesnego hiszpańskiego artysty Miguela Barcelo. W 2003 roku otrzymał Nagrodę Księcia Asturii w dziedzinie sztuki, jedną z najważniejszych nagród w Hiszpanii. W 2004 roku wystawił w Luwrze akwarele, które stworzył do zilustrowania Boskiej komedii, stając się pierwszym żyjącym współczesnym artystą wystawiającym w muzeum. Artysta należy do 30 najbogatszych artystów świata. Jego obrazy są drogie. Przykładowo ten, którego zdjęcie prezentujemy powyżej kosztuje 244 398 USD.

Obraz namalował znany współczesny szwajcarski artysta Urs Fischer. Artysta, pochodzący z Zurychu, należy do 50 najbogatszych artystów świata. Słynie z prowokacyjnego podejścia do sztuki, ale przestrzega jej praw; sprzeciwia się przedstawianiu sztuki jako towaru komercyjnego, choć sam drogo sprzedaje swoje prace, umiejętnie wchodząc w interakcję z rynkiem sztuki i kolekcjonerami.

Zdjęcie przedstawia obraz słynnej współczesnej izraelskiej artystki Orny Ben-Shoshan. Mieszka i pracuje w mieście Ra'anana, miała na swoim koncie wiele wystaw indywidualnych oraz brała udział w wystawach zbiorowych w takich krajach jak USA, Włochy, Wielka Brytania, Cypr, Francja i Izrael. Patrząc na prace artysty, zafascynuje Cię niesamowity świat, w którym wszystko jest możliwe. Skorzystaj z tego, aby wzbogacić swoją wyobraźnię, poszerzyć horyzonty i poznać szybko rozwijającego się utalentowanego artystę.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego tajskiego artysty Direka Kingnok'a, akwarelisty z miasta Nakhon Ratchasima. Obecnie mieszka i pracuje w mieście Khon Kaen. Już w wieku 9 lat reżyser zdobył złoty medal na Międzynarodowym Konkursie Twórczości Dzieci w Japonii. Brał udział w wystawach w Wietnamie, Chinach, Turcji, Włoszech, Rosji, Korei Południowej, Malezji, Grecji, Albanii i Tajlandii.

Obraz autorstwa słynnego współczesnego norweskiego artysty Christera Karlstada. Mieszka i pracuje w Drammen, prowadził wystawy indywidualne i brał udział w wystawach zbiorowych w USA, Szwecji, Norwegii.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego artysty z Danii Jana Esmanna. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Danii, brał udział w wystawach w takich krajach jak: Niemcy, USA, Dania.

Obraz został namalowany przez słynnego współczesnego szwedzkiego artystę Nisse Niedezh Ottenhag. Artysta pochodzący z małego miasteczka Lilla-Edet brał udział w wielu wystawach w różnych krajach (w USA, Francji, Monako, Namibii i Szwecji).

Na zdjęciu obraz słynnej współczesnej australijskiej artystki Elizabeth Barsham. Urodziła się, mieszka i pracuje na Tasmanii i otrzymała wiele nagród. Jej prace często można znaleźć na okładkach magazynów lub jako ilustracje do artykułów. Często pisze się o niej w prasie. Artysta wziął udział duża liczba wystawy i organizował wystawy indywidualne w różnych krajach (Wielka Brytania, Singapur, Włochy, Australia).

The Art Newspaper Russiaprzedstawia ocenę: najdrożsi żyjący artyści w Rosji. Jeśli nadal jesteście pewni, że w zachodniej klatce nie było rosyjskich artystów i nie ma, jesteśmy gotowi się z tym spierać. Język liczb.

Warunki były proste: każdego z żyjących artystów mogła reprezentować tylko jedna, najdroższa praca. Przy sporządzaniu oceny brano pod uwagę nie tylko wyniki aukcji publicznych, ale także najgłośniejsze sprzedaże prywatne. Autorzy rankingu kierowali się zasadą „jeśli coś się głośno sprzedaje, to ktoś tego potrzebuje”, dlatego docenili pracę marketerów i dziennikarzy artystów, którzy wprowadzili do publicznej sprzedaży prywatne płyty. Ważna uwaga: ocena oparta jest wyłącznie na wskaźnikach finansowych; gdyby opierał się na działalności wystawienniczej artystów, wyglądałby nieco inaczej. Zasoby służyły jako zewnętrzne źródła analiz Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.comi Artinvestment.ru.

Jako walutę światowego rankingu wybrano dolara amerykańskiego, za ekwiwalent sprzedaży rosyjskich artystów przyjęto funta brytyjskiego (bo 90% krajowej sprzedaży miało miejsce w Londynie w tej walucie). Pozostałe 10% prac sprzedanych w dolarach amerykańskich i euro zostało przeliczonych po kursie wymiany z chwili transakcji, w wyniku czego zmieniono niektóre pozycje. Oprócz faktycznego kosztu pracy zebrano dane o całkowitej kapitalizacji artystów (liczba najlepszych dzieł sprzedanych na aukcjach przez wszystkie lata), o miejscu współczesnego artysty w rankingu artystów wszechczasów, o miejscu najdroższej pracy uczestnika spośród wszystkich sprzedanych prac innych autorów, oraz także o narodowości i kraju zamieszkania. Statystyki powtarzających się sprzedaży każdego artysty zawierają również ważne informacje jako obiektywny wskaźnik inwestycji
atrakcyjność.

Ostatni rok 2013 znacząco zmienił pozycję współczesnych artystów w międzynarodowym rankingu sprzedaży. Spośród 50 najdroższych dzieł sztuki minionego sezonu sprzedano 16 dzieł współczesnych - to rekordowa liczba (dla porównania w latach 2010-2012 sprzedano 17 dzieł, w XX wieku tylko jedna). Zapotrzebowanie na żyjących artystów jest częściowo tożsame z zapotrzebowaniem na wszelką sztukę współczesną, częściowo z cynicznym zrozumieniem, że kapitalizacja aktywów niezmiennie będzie rosła po ich śmierci.

Bracia byli najbardziej szanowani spośród rosyjskich uczestników Siergiej i Alexey Tkachev (ur. 1922 i 1925), najmłodszy - Anatolij Osmolovsky (s. 1969). Pytanie, kto stanie się nowy Jean-Michel Basquiatgdy jest otwarty. W sprzedaży naszych artystów są klarowne klasy nabywców: liderów kupują zagraniczni kolekcjonerzy i rosyjscy oligarchowie, miejsca od 10 do 30 zajmują kolekcjonerzy z zagranicy, a warunkowe dno pierwszej 50 to nasza przyszłość, młodzi kolekcjonerzy, którzy weszli na rynek z „nowym "Pieniądze.

1. Ilya Kabakov
Wydaje się, że w ogóle główny rosyjski artysta (co nie przeszkadza urodzonemu w Dniepropietrowsku Kabakovowi malować się na Ukraińca), twórca (jeden z) moskiewskiego konceptualizmu, autor terminu i praktyki „instalacja totalna”. Od 1988 roku mieszka i pracuje w Nowym Jorku. Współpracuje z żoną Emilią Kabakową, dlatego tytuł powinien wyglądać jak „Ilya and Emilia Kabakov”, ale skoro Ilya Iosifovich stał się znany przed Ilyą i Emilią, niech tak pozostanie. Prace znajdują się w Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim, Ermitażu, MoMA, Fundacja Sztuki Kolodzei (USA) itp.
Urodzony w 1933 roku
Praca: „Beetle”. 1982
Data sprzedaży: 28.02.2008r
Cena (GBP) 1: 2,932,500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 10686000
Pozycja: 1
Średni koszt pracy (GBP): 117.429
Powtórzenie sprzedaży: 12

2. Eric Bulatov
Używając technik, które później nazwano Sots Art, łączył w swoich pracach malarstwo figuratywne z tekstem. W czasach radzieckich był odnoszącym sukcesy ilustratorem książek dla dzieci. Od 1989 roku mieszka i pracuje w Nowym Jorku, od 1992 - w Paryżu. Pierwszy rosyjski artysta z osobistą wystawą w Centrum Pompidou. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim, Centrum Pompidou, Muzeum Ludwiga w Kolonii itp., Znajdują się w zbiorach Fundacji Dina Verny, Viktor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Jekaterina i Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
Urodzony w 1933 roku
Praca: „Chwała KPSS”. 1975
Data sprzedaży: 28.02.2008r
Cena (GBP) 1: 1 084 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 8802000
Miejsce: 2
Średni koszt pracy (GBP): 163000
Powtórzenie sprzedaży: 11

3. Witalij Komar i Aleksander Melamid
Twórcy Sots Art, pozorowanego nurtu w sztuce nieoficjalnej, parodiującego symbolikę i metody oficjalności. Od 1978 roku mieszkają w Nowym Jorku. Do połowy 2000 roku pracowali w parach. Jako projekt artystyczny zorganizowali „sprzedaż dusz” znanych artystów w drodze aukcji (soul Andy Warhol od tego czasu własnością moskiewskiego artysty Alena Kirtsova). Prace znajdują się w zbiorach MoMA, Muzeum Guggenheima, Muzeum Metropolitan, Luwru, w zbiorach Shalva Breus, Daria Zhukovai Roman Abramowicz itd.
Urodzony w 1943, 1945
Praca: „Spotkanie Sołżenicyna i Bölla na daczy Rostropowicza”. 1972
Data sprzedaży: 23.04.2018
Cena (GBP) 1: 657 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 3 014 000
Miejsce: 7
Średni koszt pracy (GBP): 75350
Powtórzenie sprzedaży: 3

archiwum dawnego studia comar & melamid artstudio

4. Siemion Faibisowicz
Artysta fotorealista, który do dziś pozostaje najbardziej precyzyjnym realistą, kiedy malarstwo przyciąga Siemiona Natanowicza mniej niż publicystyka. Wystawiał na Malaya Gruzinskaya, gdzie w 1985 roku został zauważony przez nowojorskich dealerów i kolekcjonerów. Od 1987 roku regularnie wystawia w USA i Europie Zachodniej. Aktywny zwolennik uchylenia ustawy o promowaniu homoseksualizmu w Rosji. Mieszka i pracuje w Moskwie. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Moskiewskiego Domu Fotografii, w zbiorach znajdują się muzea w Niemczech, Polsce, USA Daria Zhukovai Roman Abramowicz, Igor Markin, Igor
Tsukanov.
Urodzony w 1949 roku
Praca: "Żołnierze" (z cyklu "Stacje"). 1989
Data sprzedaży: 13.10.2007
Cena (GBP) 1: 311 200
Całkowita kapitalizacja (GBP): 3 093 000
Miejsce: 6
Średni koszt pracy (GBP): 106,655
Powtórzenie sprzedaży: 7

5. Grigorij (Grisza) Bruskin
Bohater pierwszej i ostatniej sowieckiej aukcji Sotheby's w 1988 roku, gdzie jego praca „Fundamental Lexicon” osiągnęła najwyższą pozycję (220 000 funtów). Na zaproszenie rządu niemieckiego stworzył monumentalny tryptyk dla odbudowywanego Reichstagu w Berlinie. Laureat nagrody Kandinsky'ego w kategorii „Projekt Roku” za wystawę Czas H. w Multimedialnym Muzeum Sztuki. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku i Moskwie. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Muzeum Puszkina im. A.S. Puszkin, Muzeum Ludwiga w Kolonii, MoMA, Muzeum Kultury Żydowskiej (Nowy Jork) itp. Są częścią kolekcji królowej Hiszpanii Sofia, Petr Aven, Shalva Breus, Vladimir i Ekaterina Semenikhin, Milos Forman.
Urodzony w 1945 roku
Praca: „Logii. Część 1". 1987
Data sprzedaży: 11/07/2000
Cena (GBP) 1: 424 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 720,000
Miejsce: 15
Średni koszt pracy (GBP): 24828
Powtórzenie sprzedaży: 5

6. Oleg Tselkov
Jeden z najsłynniejszych lat sześćdziesiątych, w latach sześćdziesiątych XX wieku, zapoczątkował i kontynuuje cykl malarstwa, przedstawiający szorstkie, jakby uformowane z gliny, ludzkie twarze (lub postacie) pomalowane na jasne kolory aniliny. Od 1977 roku mieszka w Paryżu. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Ermitażu, Muzeum Zimmerli Uniwersytetu Rutgers itp., Są zawarte w zbiorach Michaił Barysznikow, Artur Miller, Igor Tsukanov.Należy do największej prywatnej kolekcji dzieł Tselkowa w Rosji Evgeniya Evtushenko.
Urodzony w 1934 roku
Utwór: „Chłopiec z balonami”. 1957
Data sprzedaży: 26.11.2008
Cena (GBP) 1: 238 406
Całkowita kapitalizacja (GBP): 4232000
Miejsce: 5
Średni koszt na pracę (GBP): 53,570
Powtórzenie sprzedaży: 14

7. Oscar Rabin
Lider "grupy Lianozov" (moskiewscy nonkonformiści lat 50.-60.), Organizator skandalicznej Wystawa buldożerów 1974 Jako pierwszy w Związku Radzieckim sprzedał prace prywatnie. W 1978 roku został pozbawiony obywatelstwa radzieckiego. Mieszka i pracuje w Paryżu. W 2006 roku otrzymał nagrodę za innowacyjność za wkład w sztukę. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Muzeum Zimmerli Uniwersytetu Rutgersa, w zbiorach Aleksandra Glezera, Wiaczesława Kantora, Aleksandra Kronika, Ivety i Tamaza Manasherovów, Jewgienija Nutowicza, Aslana Chekhoeva.
Urodzony w 1928 roku
Praca: „Miasto i księżyc (Socjalistyczna
miasto)". 1959
Data sprzedaży: 15.04.2008
Cena (GBP) 1: 171,939
Całkowita kapitalizacja (GBP): 5 397 000
Miejsce: 3
Średni koszt pracy (GBP): 27964
Powtórzenie sprzedaży: 45

8. Zurab Tsereteli
Największy przedstawiciel sztuki już monumentalnej. Autor pomnika Piotra I w Moskwie i pomnika Dobro zwycięża zło przed budynkiem ONZ w Nowym Jorku. Założyciel Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej, prezes Rosyjskiej Akademii Sztuk, twórca Galerii Sztuki Zurab Tsereteli, która działa przy wspomnianej akademii. Rzeźby Zuraba Ceretelego, oprócz Rosji, zdobią Brazylię, Wielką Brytanię, Gruzję, Hiszpanię, Litwę, USA, Francję i Japonię.
Urodzony w 1934 roku
Kompozycja: „Sen o Athosie”
Data sprzedaży: 01.12.2009r
Cena (GBP) 1: 151 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 498000
Miejsce: 19
Średni koszt pracy (GBP): 27,667
Powtórzenie sprzedaży: 4

9. Victor Pivovarov
Jeden z twórców konceptualizmu moskiewskiego. Tak jak Kabakov, wynalazca gatunku albumów koncepcyjnych; jak Kabakov, Bulatov i Oleg Vasiliev, odnoszący sukcesy ilustrator książek dla dzieci, który współpracował z magazynami Murzilka i Veselye Kartinki. Od 1982 roku mieszka i pracuje w Pradze. Prace znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Muzeum Puszkina im. A.S. Puszkin, Fundacja Sztuki Kolodzei (USA) w zbiorach Vladimira i Ekateriny Semenikhin, Igora Tsukanova.
Urodzony w 1937 roku
Praca: "Tryptyk z wężem". 2000
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP) 1: 145 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 482000
Miejsce: 20
Średni koszt pracy (GBP): 17852
Powtórzenie sprzedaży: 6

10. Alexander Melamid
Połowa kreatywnego tandemu Komar - Melamid, który rozpadł się w 2003 roku. Wraz z uczestnikiem Witalija Komara Wystawa buldożerów (gdzie zginęli Autoportret podwójny, fundamentalne dzieło Sots Art). Od 1978 roku mieszka i pracuje w Nowym Jorku. Brak jest informacji o znanych kolekcjach dzieł Melamida, stworzonych przez niego samodzielnie.
Urodzony w 1945 roku
Praca: „Kardynał Jose Saraiva Martins”. 2007
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP) 1: 145 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 145000
Miejsce 36
Średni koszt pracy (GBP): 145000
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

11. Francisco Infante-Arana
Właściciel prawdopodobnie najbardziej ważnej listy wystaw wśród rosyjskich artystów. Członek grupy kinetycznej "Ruch", w latach 70. odnalazł własną wersję foto-performance, czyli „artefaktu” - geometrycznych form wkomponowanych w naturalny krajobraz.
Urodzony w 1943 roku
Praca: „Budowanie znaku”. 1984
Data sprzedaży: 31.05.2006
Cena (GBP) 1: 142 400
Całkowita kapitalizacja (GBP): 572000
Miejsce: 17
Średni koszt pracy (GBP): 22000
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

12. Vladimir Nemukhin
Metafizyk. Klasyk drugiej fali rosyjskiej awangardy, członek grupy Lianozow, jeden z uczestników wystawy Buldożer, kurator (lub inicjator) ważnych wystaw lat 80., kiedy to nieoficjalna
sztuka właśnie stawała się świadoma siebie.
Urodzony w 1925 roku
Kompozycja: „Niedokończony pasjans”. 1966
Data sprzedaży: 26.04.2006
Cena (GBP) 1: 240 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 4338000
Miejsce: 4
Średni koszt pracy (GBP): 36454
Powtórzenie sprzedaży: 26

13. Vladimir Yankilevsky
Surrealista, jedno z głównych nazwisk powojennej moskiewskiej sztuki nieoficjalnej, twórca monumentalnych filozoficznych poliptyków.
Urodzony w 1938 roku
Praca: „Tryptyk nr 10. Anatomia duszy. II. ” 1970
Data sprzedaży: 23.04.2018
Cena (GBP) 1: 133 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 754000
Miejsce: 14
Średni koszt pracy (GBP): 12780
Powtórzenie sprzedaży: 7

14. Aleksander Vinogradov i Vladimir Dubossarsky
Sceniczny projekt Obrazy na zamówieniezapoczątkowany przez nich w beznadziejnych latach 90. dla malarstwa, otrzymał to, na co zasłużyli w 2000 roku. Duet stał się popularny wśród kolekcjonerów, a jeden obraz trafił do kolekcji Centre Pompidou.
Urodzony w 1963, 1964
Praca: „Night Fitness”. 2004
Data sprzedaży: 22.06.2007
Cena (GBP) 1: 132 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 1 378 000
Miejsce: 11
Średni koszt pracy (GBP): 26500
Powtórzenie sprzedaży: 4

15. Siergiej Volkov
Jeden z bohaterów sztuki pierestrojki, znany z ekspresyjnych obrazów z przemyślanymi wypowiedziami. Członek sowieckiej aukcji Sotheby's w 1988r.
Urodzony w 1956 roku
Praca: „Podwójna wizja.
Tryptyk"
Data sprzedaży: 31.05.2007
Cena (GBP) 1: 132 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 777000
Miejsce: 12
Średni koszt pracy (GBP): 38,850
Powtórzenie sprzedaży: 4

16. AES + F (Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridkes)
Projekty AEC wyróżniały się dobrą prezentacją w niechlujnych latach 90., dzięki czemu zostały zapamiętane. Teraz robią duże animowane murale, które są wyświetlane na dziesiątkach ekranów.
Urodzony: 1955, 1958, 1957, 1956
Praca: „Wojownik nr 4”
Data sprzedaży: 12.03.2008r
Cena (GBP) 1: 120,500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 305 000
Miejsce: 27
Średni koszt pracy (GBP): 30500
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

17. Lev Tabenkin
Rzeźbiarz i malarz z rzeźbiarską wizją, jakby wyrzeźbił swoich bohaterów z gliny.
Urodzony w 1952 roku
Kompozycja: „Jazz Orchestra”. 2004
Data sprzedaży: 30.06.2018
Cena (GBP) 1: 117 650
Całkowita kapitalizacja (GBP): 263000
Miejsce: 28
Średni koszt pracy (GBP): 26300
Powtórzenie sprzedaży: 7

18. Michaił (Misza Szajewicz) Brusiłowski
Surrealista Swierdłowsku, autor wieloznacznych alegorii.
Urodzony w 1931 roku
Praca: "Piłka nożna". 1965
Data sprzedaży: 28.11.2006r
Cena (GBP) 1: 108 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 133000
Miejsce: 38
Średni koszt na pracę (GBP): 22167
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

19. Olga Bulgakova
Jedna z głównych postaci malarstwa „karnawałowego” inteligencji z epoki Breżniewa. Członek korespondent
Rosyjska Akademia Sztuk.
Urodzony w 1951 roku
Utwór: „Sen o czerwieni
ptak. " 1988
Data sprzedaży: 22.11.2018
Cena (GBP) 1: 100 876
Całkowita kapitalizacja (GBP): 219000
Miejsce: 31
Średni koszt pracy (GBP): 36,500
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

20. Aleksander Iwanow
Artysta abstrakcyjny znany przede wszystkim jako biznesmen, kolekcjoner i twórca Muzeum Faberge w Baden-Baden (Niemcy).
Urodzony w 1962 roku
Kompozycja: „Miłość”. 1996
Data sprzedaży: 05.06.2013r
Cena (GBP) 1: 97 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 201,000
Miejsce: 33
Średni koszt pracy (GBP): 50250
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

21. Ivan Chuikov
Niezależne skrzydło moskiewskiego konceptualizmu piktorialnego. Autor serii obrazów-obiektów Windows. W latach 60. spalił wszystkie swoje obrazy, dlatego właściciele galerii wciąż są zasmuceni.
Urodzony w 1935 roku
Praca: „Bez tytułu”. 1986
Data sprzedaży: 12.03.2008r
Cena (GBP) 1: 96,500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 1545000
Miejsce: 10
Średni koszt na pracę (GBP): 36786
Powtórzenie sprzedaży: 8

22. Konstantin Zvezdochetov
W młodości członek grupy „Mukhomor”, która nazywała siebie „ojcami„ nowej fali ”w Związku Radzieckim” -
nie bez powodu; wraz z początkiem dojrzałości twórczej, uczestniczka Biennale w Wenecji i Kassel
Documenta. Badacz i znawca wizualności w sowieckiej kulturze oddolnej.
Urodzony w 1958 roku
Materiał: „Perdo-K-62M”
Data sprzedaży: 13.06.2008
Cena (GBP) 1: 92 446
Całkowita kapitalizacja (GBP): 430000
Miejsce 22
Średni koszt pracy (GBP): 22632
Powtórzenie sprzedaży: 2

23. Natalia Nesterova
Jedna z głównych gwiazd sztuki stagnacji Breżniewa. Uwielbiany przez kolekcjonerów za jego teksturowany styl malowania.
Urodzony w 1944 roku
Praca: „The Miller i jego
syn". 1969
Data sprzedaży: 15.06.2007
Cena (GBP) 1: 92 388
Całkowita kapitalizacja (GBP): 1 950 000
Miejsce: 9
Średni koszt na pracę (GBP): 20526
Powtórzenie sprzedaży: 15

24. Maxim Kantor
Malarz ekspresjonistyczny, który wystąpił w pawilonie rosyjskim na Biennale w Wenecji w 1997 roku - a także publicysta i pisarz, autor powieści filozoficzno-satyrycznej Samouczek rysowania o tajnikach rosyjskiego świata sztuki.
Urodzony w 1957 roku
Praca: „Struktura demokracji”. 2003
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP) 1: 87 650
Całkowita kapitalizacja (GBP): 441000
Miejsce: 21
Średni koszt pracy (GBP): 44100
Powtórzenie sprzedaży: 2

25.Andrey Sidersky
Tworzy obraz w wymyślonym przez siebie stylu psi-art. Przetłumaczył na język rosyjski dzieła Carlosa Castanedy i Richarda Bacha.
Urodzony w 1960 roku
Kompozycja: „Tryptyk”
Data sprzedaży: 04.12.2009r
Cena (GBP) 1: 90 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 102000
Miejsce 42
Średni koszt pracy (GBP): 51000
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

26. Valery Koshlyakov
Znany z obrazów o motywach architektonicznych. Największy przedstawiciel „fali południowo-rosyjskiej”. Często używa kartonów, toreb, taśmy klejącej. Pierwsza wystawa z jego udziałem odbyła się w toalecie publicznej w Rostowie nad Donem w 1988 roku.
Urodzony w 1962 roku
Praca: Versailles. 1993
Data sprzedaży: 12.03.2008r
Cena (GBP) 1:72 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 346,000
Miejsce: 26
Średni koszt pracy (GBP): 21625
Powtórzenie sprzedaży: 8

27. Alexey Sundukov
Lakoniczne obrazy w kolorze ołowiu przedstawiające „ołowiane obrzydliwości” codziennego rosyjskiego życia.
Urodzony w 1952 roku
Praca: „Esencja bytu”. 1988
Data sprzedaży: 23.04.2018
Cena (GBP) 1: 67 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 255,000
Miejsce: 29
Średni koszt pracy (GBP): 25,500
Powtórzenie sprzedaży: 1

28. Igor Novikov
Należy do pokolenia nonkonformistycznych moskiewskich artystów późnych lat 80.
Urodzony w 1961 roku
Praca: „Kremlowskie śniadanie, czyli Moskwa na sprzedaż”. 2009
Data sprzedaży: 03.12.2018
Cena (GBP) 1: 62,092
Całkowita kapitalizacja (GBP): 397000
Miejsce 24
Średni koszt pracy (GBP): 15 880
Powtórzenie sprzedaży: 3

29. Vadim Zakharov
Archiwista moskiewskiego konceptualizmu. Autor spektakularnych instalacji o głębokiej tematyce, reprezentował Rosję w Wenecji
biennale.
Urodzony w 1959 roku
Praca: "Barok". 1986-1994
Data sprzedaży: 18.10.2008
Cena (GBP) 1: 61 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 243000
Miejsce 30
Średni koszt pracy (GBP): 20250
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

30. Yuri Krasny
Autor programów artystycznych dla dzieci ze specjalnymi potrzebami.
Urodzony w 1925 roku
Kompozycja: „The Smoker”
Data sprzedaży: 04.04.2008 Cena (GBP) 1: 59 055
Całkowita kapitalizacja (GBP): 89000
Miejsce 44
Średni koszt pracy (GBP): 11125
Powtórzenie sprzedaży: 8

31 Siergiej i Aleksiej Tkaczow
Klasyka późnego sowieckiego impresjonizmu, uczniowie Arkadego Płastowa, słynący z malarstwa z życia rosyjskiej wsi.
Urodzony w 1922, 1925
Praca: „W terenie”. 1954
Data sprzedaży: 01.12.2018
Cena (GBP) 1: 58 813
Całkowita kapitalizacja (GBP): 428000
Miejsce 23
Średni koszt na pracę (GBP): 22,526
Powtórzenie sprzedaży: 4

32. Svetlana Kopystyanskaya
Znany z instalacji z obrazów. Po moskiewskiej aukcji Sotheby's w 1988 roku pracował za granicą.
Urodzony w 1950 roku
Utwór: „Pejzaż morski”
Data sprzedaży: 13.10.2007
Cena (GBP) 1: 57600
Całkowita kapitalizacja (GBP): 202,000
Miejsce: 32
Średni koszt pracy (GBP): 22444
Powtórzenie sprzedaży: 2

33. Boris Orlov
Rzeźbiarz bliski Sots Art. Słynie z prac w ironicznym stylu „cesarskim” oraz z warsztatu wykonywania popiersi i bukietów z brązu.
Urodzony w 1941 roku
Utwór: „Sailor”. 1976
Data sprzedaży: 17.10.2013
Cena (GBP) 1: 55 085
Całkowita kapitalizacja (GBP): 174000
Miejsce: 34
Średni koszt pracy (GBP): 17.400
Powtórzenie sprzedaży: 1

34. Wiaczesław Kalinin
Autor wyrazistych obrazów z życia miejskiej niższej klasy i pijącej bohemy.
Urodzony w 1939 roku
Praca: „Autoportret z lotnią”
Data sprzedaży: 25.11.2012
Cena (GBP) 1: 54,500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 766000
Miejsce: 13
Średni koszt pracy (GBP): 12767
Powtórzenie sprzedaży: 24

35. Evgeny Semenov
Znany z serii zdjęć z pacjentami z chorobą Downa, wcielających się w postacie ewangelików.
Urodzony w 1960 roku
Utwór: „Serce”. 2009
Data sprzedaży: 29.06.2009
Cena (GBP) 1:49 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 49000
Miejsce: 48
Średni koszt pracy (GBP): 49000
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

36. Yuri Cooper
Zasłynął z nostalgicznych płócien z przedmiotami dawnej codzienności. Autor sztuki Dwanaście obrazów z życia artysty, dostarczony do Moskiewskiego Teatru Artystycznego. A.P. Czechow.
Urodzony w 1940 roku
Praca: „Okno. Ulica Dassa 56 ". 1978
Data sprzedaży: 09.06.2018
Cena (GBP) 1:49 250
Całkowita kapitalizacja (GBP): 157000
Miejsce: 35
Średni koszt na pracę (GBP): 2754
Powtórzenie sprzedaży: 14

37. Alexander Kosolapov
Artysta społeczny, którego twórczość stała się celem wszelkiego rodzaju ataków. Podczas targów Art Moscow 2005 jedna z jego prac została zniszczona młotkiem przez religijnego fanatyka.
Urodzony w 1943 roku
Praca: „Marlborough Malevich”. 1987
Data sprzedaży: 12.03.2008r
Cena (GBP) 1:48 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 510 000
Miejsce: 18
Średni koszt pracy (GBP): 15938
Powtórzenie sprzedaży: 1

38. Leonid Sokov
Czołowy rzeźbiarz Sots Art, który łączył folklor z polityką. Na liście znane prace Urządzenie do określania narodowości na podstawie kształtu nosa.
Urodzony w 1941 roku
Utwór: „Niedźwiedź uderzający sierp młotem”. 1996
Data sprzedaży: 12.03.2008r
Cena (GBP) 1:48 500
Całkowita kapitalizacja (GBP): 352000
Miejsce: 25
Średni koszt pracy (GBP): 13538
Powtórzenie sprzedaży: 7

39. Vladimir Ovchinnikov
Jeden z patriarchów nieoficjalnej sztuki Leningradu. Prawosławna wersja Fernando Botero.
Urodzony w 1941 roku
Praca: "Anioły i tory kolejowe". 1977
Data sprzedaży: 17.04.2007r
Cena (GBP) 1: 47 846
Całkowita kapitalizacja (GBP): 675 000
Miejsce: 16
Średni koszt na pracę (GBP): 15 311
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

40. Konstantin Khudyakov
Autor obrazów o tematyce religijnej. Obecnie pracuje w technice cyfrowej.
Urodzony w 1945 roku
Praca: „Ostatnia wieczerza”. 2007
Data sprzedaży: 18.02.2011
Cena (GBP) 1: 46 850
Całkowita kapitalizacja (GBP): 97000
Miejsce 43
Średni koszt pracy (GBP): 32333
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

41. Ernst Nieznany
Ikona radzieckiego nonkonformizmu - bo otwarcie sprzeciwił się sekretarzowi generalnemu Nikicie Chruszczowowi w dniu otwarcia legendarnej wystawy poświęconej 30-leciu Moskiewskiego Związku Artystów. Następnie wykonał pomnik na grobie Chruszczowa i pomnik przed budynkiem europejskiej siedziby ONZ.
Urodzony w 1925 roku
Praca: „Bez tytułu”
Data sprzedaży: 08.06.2018
Cena (GBP) 1: 46 850
Całkowita kapitalizacja (GBP): 2931000
Miejsce: 8
Średni koszt na pracę (GBP): 24839
Powtórzenie sprzedaży: 13

42. Anatoly Osmolovsky
Jedna z głównych postaci moskiewskiego akcjonizmu lat 90., teoretyk sztuki, kurator, wydawca i kierownik programu badawczo-edukacyjnego „Baza Institute”, laureat pierwszej nagrody im. Kandinsky'ego.
Urodzony w 1969 roku
Praca: „Chleb” (z cyklu „Poganie”). 2009
Data sprzedaży: 23.04.2018
Cena (GBP) 1: 46 850
Całkowita kapitalizacja (GBP): 83000
Miejsce 46
Średni koszt na pracę (GBP): 11857
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

43 Dmitry Vrubel
Malarz fotorealistyczny, znany głównie z obrazu przedstawiającego całujących się Breżniewa i Honneckera (a raczej dzięki autorskiej reprodukcji na murze berlińskim).
Urodzony w 1960 roku
Kompozycja: "Pocałunek braterski (tryptyk)". 1990
Data sprzedaży: 25.11.2013r
Cena (GBP) 1:45 000

Miejsce: 40
Średni koszt na pracę (GBP): 16429
Powtórzenie sprzedaży: 2

44. Leonid Lamm
Autor instalacji łączących motywy rosyjskiej awangardy i sceny z życia sowieckiego więzienia. Mieszka w Ameryce. W latach 70. spędził trzy lata w więzieniach i obozach pod fałszywymi zarzutami.
Urodzony w 1928 roku
Praca: „Jabłko II” (z serii „Siódme niebo”). 1974-1986
Data sprzedaży: 16.12.2009r
Cena (GBP) 1: 43,910
Całkowita kapitalizacja (GBP): 115000
Miejsce: 41
Średni koszt pracy (GBP): 14.375
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

Malownicze instalacje Iriny Nakhovej z lat 80. w jej mieszkaniu mogą pretendować do autorstwa w „totalnie.

45. Irina Nakhova
Muza konceptualizmu moskiewskiego. Laureat nagrody Kandinsky'ego 2013 w kategorii „Projekt Roku”. W 2015 roku na 56. Biennale w Wenecji
będzie reprezentować Rosję.
Urodzony w 1955 roku
Praca: "Tryptyk". 1983
Data sprzedaży: 12.03.2008r
Cena (GBP) 1: 38,900
Całkowita kapitalizacja (GBP): 85000
Miejsce: 45
Średni koszt pracy (GBP): 17000
Powtórzenie sprzedaży: 1

46. \u200b\u200bKatya Filippova
Awangardowy projektant mody, który stał się sławny dzięki tej metamorfozie. Ozdabiała okna paryskiego domu towarowego Galeries Lafayette, przyjaźniła się z Pierrem Cardinem.
Urodzony w 1958 roku
„Praca: Marina Ladynina” (z serii „Russian Hollywood”)
Data sprzedaży: 12.03.2008r
Cena (GBP) 1: 38,900
Całkowita kapitalizacja (GBP): 39000
Miejsce: 49
Średni koszt pracy (GBP): 39000
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

47. Boris Zaborov
Artysta teatralny, ilustrator książek. W 1980 wyemigrował do Paryża, pracował nad kostiumami dla Comedie Francaise.
Urodzony w 1935 roku
Praca: „Uczestnik” 1981
Data sprzedaży: 30.10.2006r
Cena (GBP) 1:36 356
Całkowita kapitalizacja (GBP): 67000
Miejsce 47
Średni koszt pracy (GBP): 13.400
Powtórzenie sprzedaży: 2

48. Rostislav Lebedev
Klasyczny artysta socjalistyczny, kolega (i sąsiad z warsztatu) Borysa Orłowa i Dmitrija Prigowa. Kreatywnie zmieniona wizualna propaganda epoki radzieckiej.
Urodzony w 1946 roku
Praca: "Rosyjska bajka". 1949
Data sprzedaży: 03.06.2018
Cena (GBP) 1:34 000
Całkowita kapitalizacja (GBP): 122,000
Miejsce 39
Średni koszt pracy (GBP): 24400
Powtórzenie sprzedaży: 2

49. Andrey Filippov
Należy do moskiewskiej szkoły konceptualnej. Autor obrazów i instalacji, których łączy temat „Moskwa - trzeci Rzym”. Od 2009 roku wraz z Yuri Albertem i Viktorem Skersisem jest członkiem grupy Cupid.
Urodzony w 1959 roku
Utwór: „Siedem stóp pod kilem”. 1988
Data sprzedaży: 31.05.2006
Cena (GBP) 1:33 600
Całkowita kapitalizacja (GBP): 137000
Miejsce 37
Średni koszt pracy (GBP): 12455
Powtórzenie sprzedaży: 3

50. Vladimir Shinkarev
Założyciel i ideolog leningradzkiej grupy artystycznej „Mitki”, w której powieści Mitki jako pierwszy użył tego terminu. Powieść powstała z nudów podczas pracy w kotłowni.
Urodzony w 1954 roku
Praca: „Plac Lenina I”. 1999
Data sprzedaży: 30.06.2018
Cena (GBP) 1:32 450
Całkowita kapitalizacja (GBP): 33000
Miejsce: 50
Średni koszt pracy (GBP): 16,500
Liczba powtórzeń sprzedaży: -

Sprzedaż a wystawy

Uznanie rynku i uznanie społeczności zawodowej wydaje się wielu różnym sprawom, ale podział na artystów „komercyjnych” i „niekomercyjnych” jest bardzo arbitralny. Tak więc spośród rosyjskich artystów, którzy w ciągu ostatnich dziesięciu lat wystawiali się na Biennale Sztuki Współczesnej w Wenecji (a to jest szczyt ich kariery zawodowej), w naszym rankingu znalazło się siedem jednostek (jeśli liczyć osoby, to 11 osób). A 10 najlepszych artystów z rankingu wystawiało się wcześniej na Biennale w Wenecji lub wystawiało własne w dużych muzeach. Jeśli chodzi o tych wspaniałych rzemieślników, którzy nie zostali uwzględnieni w rankingu, ich brak lub niezbyt wybitna sprzedaż są wyjaśnione w prosty i banalny sposób. Kolekcjonerzy są konserwatywni i nawet od najbardziej awangardowych twórców wolą kupować obrazy (obrazy, które wyglądają jak przedmioty lub fotografie) lub rzeźby (lub przedmioty, które wyglądają jak rzeźba). W naszej ocenie nie ma rekordowych przedstawień ani gigantycznych instalacji (instalacje są zwykle kupowane przez muzea, ale cena jest muzeum, z rabatem). Dlatego takie gwiazdy jak Andrey Monastyrsky, Oleg Kulik, Pavel Pepperstein(do niedawna zajmowałem się głównie grafiką, a grafika jest a priori tańsza niż malowanie) czy np. Nikolay Polissky, dla których wspaniałych projektów nie było jeszcze wyrozumiałych kolekcjonerów

Poza tym rynek jest konserwatywny także dlatego, że uznanie przychodzi tu powoli - zauważmy, że w pierwszej dziesiątce wszyscy artyści urodzili się co najmniej w 1950 roku. Oznacza to, że obiecujący uczestnicy Biennale wciąż mają wszystko przed sobą.

Ile kosztuje sztuka współczesna? Który z żyjących artystów cieszy się największym uznaniem, którego miarą są banknoty? Artnet odpowiedział na to pytanie, analizując wyniki aukcji w latach 2011-2015 i sporządzając listę najlepiej sprzedających się współczesnych artystów... Niestety na liście nie było twórców z Rosji.

10. Ed Ruscha

W latach 60. ubiegłego wieku Ed wraz z tak znanymi współcześnie jak Andy Warhol i Jim Dine wziął udział w historycznym wydarzeniu „Nowy obraz wspólnych przedmiotów”. Była to jedna z pierwszych wystaw wschodzącego stylu pop w Ameryce. Dla nieoświeconego oka obrazy Ruschy przypominają przede wszystkim szablonowy napis na tle pejzaży lub wesołą plamę kwiatów. Jednak w ciągu 4 lat jego dzieła zostały sprzedane za łączną kwotę 129.030.255 USD.

9. Richard Prince

Richard wyrobił sobie markę, ponownie fotografując obrazy z reklam prasowych, edytując je w przypadkowej kolejności i dekorując je kąśliwymi hasłami. Kowboje Marlboro, celebryci, gwiazdy porno, pielęgniarki i dziewczyny motocyklistów ucierpiały z jego rąk. Maluje również maski samochodów. Publiczność doceniła jego pracę 146 056 862 $ - za tę kwotę sprzedano kilka prac artysty.

8. Yayoi Kusama

Chory psychicznie artysta uwielbia pokrywać powierzchnie kropkami farby - nazywa się to „sieciami nieskończoności”. Udało jej się zmienić zarówno ten groch, jak i własną chorobę w znak firmowy i jest obecnie najlepiej sprzedającą się współczesną artystką na świecie ( 152.768.689 USD).

7. Peter Doig

Jeden z przedstawicieli tradycyjnego malarstwa pejzażowego. Jego twórczość niezmiennie cieszy się dużym zainteresowaniem widza zmęczonego hiperirronicznym postmodernizmem - w końcu po napisach, kolażach zdjęć i krzesłach w kropki tak przyjemnie jest zatrzymać wzrok na tropikalnym nocnym krajobrazie. Obrazy sprzedawane od 4 lat 155.229.785 dolarów.

6. Fan Zeng

Napisy kaligraficzne, przezroczyste akwarele i tradycyjne chińskie portrety również dobrze się sprzedają - 176.718.242 USD od 2011 do 2015 roku.

5. Cui Ruzhou

Ten współczesny chiński artysta jest znany ze swoich obrazów tuszem przedstawiających kwiaty, ptaki i krajobrazy. Jednak zwykli ludzie nie mogą zrozumieć potężnej mocy sztuki - iw 2012 roku sprzątaczka w hotelu Grand Hayatt przypadkowo wyrzuciła do kosza jedno z jego dzieł o wartości 3,7 miliona dolarów. Prace Cui Ruzhou były sprzedawane w ciągu ostatnich 4 lat 223.551.382 USD.

4. Zeng Fanji

Złożone wielobarwne prace innego chińskiego artysty, w których żywe istoty i przedmioty albo zaplątały się w pajęczynę, albo zgubiły się w zimowym lesie, a także złowieszcze pionierzy z zakrwawionymi rękami od 2011 do 2015 r. 267 949 220 dolarów.

3. Christopher Wool

Znakiem rozpoznawczym Christophera są ogromne białe płótna z czarnymi literami. Cztery z tych listów, tworzące słowo Riot („powstanie”), zostały sprzedane w Sotheby's za 29,9 miliona dolarów. W ciągu zaledwie 4 lat prace artysty zostały sprzedane za kwotę 323,997,854 USD.

2. Jeff Koons

Były małżonek gwiazdy porno Cicciolina woli pracować w gatunku neo-pop. Szczególnie znany jest ze swoich rzeźb ze stali, imitujących zabawki z wydłużonych balonów. Za jedną z prac (stalowo pomarańczowy pies) na aukcji Christie's zapłacono 58,4 miliona dolarów. Jeff planuje również ustawić dźwig przed Muzeum Sztuki w Los Angeles, na którym zawiesi lokomotywę parową, która będzie zaciągać się i emitować kłęby dymu. W latach 2011-2015 Koons sprzedał prace za łączną kwotę 379 778 439 USD.

1. Gerard Richter

Na pierwszym miejscu w rankingu artystów z najlepiej sprzedającymi się obrazami jest mistrz, który nawet nie uważa się za takiego. Według Gerarda przez długi czas tworzył coś, co nie było związane ze sztuką, kompozycją, kolorem, kreatywnością itp. Mianowicie płótna pokrywał plamami farby za pomocą skrobaków i szpatułek. Jeden z tych obrazów, zatytułowany „Obraz abstrakcyjny”, przede wszystkim przypominający arbuza, który umarł w agonii, został oceniony w Sotheby's za 43,6 miliona dolarów, a prace artysty w ciągu czterech lat sprzedały się za skromną sumę 1 165 527 419 dolarów.

Ranking najdroższych dzieł żyjących artystów to konstrukcja, która dużo mniej mówi o roli i miejscu artysty w historii sztuki niż o wieku i zdrowiu.

Zasady sporządzania naszej oceny są proste: po pierwsze, brane są pod uwagę tylko transakcje z pracami żyjących autorów; po drugie, liczy się tylko sprzedaż na aukcjach publicznych; i po trzecie, obowiązuje zasada „jeden artysta - jedno dzieło” (jeśli w rankingu prac dwie płyty należą do Jonesa, to tylko najdroższe pozostają, a reszta nie jest brana pod uwagę). Ranking przeprowadzany jest w dolarach (po kursie z dnia sprzedaży).

1. JEFF KOONS Rabbit. 1986. 91 075 milionów dolarów

Im dłużej oglądasz karierę aukcyjną Jeffa Koonsa (1955), tym bardziej przekonujesz się, że nie ma rzeczy niemożliwych dla pop-artu. Możesz podziwiać rzeźby Koonsa w postaci zabawek z balonów lub możesz je uznać za kiczowate i bez smaku - twoje prawo. Jednej rzeczy nie można zaprzeczyć: instalacje Jeffa Koonsa kosztują szalone pieniądze.

Jeff Koons rozpoczął swoją podróż do sławy jako żyjący artysta odnoszący największe sukcesy w 2007 roku, kiedy jego gigantyczna metalowa instalacja „Wiszące serce” została kupiona na aukcji Sotheby za 23,6 miliona dolarów. prasa pisała, że \u200b\u200bleży to w interesie ukraińskiego miliardera Wiktora Pinczuka). Galeria nabyła nie tylko instalację, ale w istocie sztukę jubilerską. 2,7 m i waży 1600 kg), ale ma podobne przeznaczenie - stworzenie kompozycji z sercem pokrytym dziesięcioma warstwami farby zajęło ponad sześć i pół tysiąca godzin, w efekcie czego za spektakularną „dekorację” zapłacono ogromne sumy pieniędzy.

Potem nastąpiła sprzedaż Purple Balloon Flower za 12,92 miliona funtów (25,8 miliona dolarów) na aukcji Christie’s London 30 czerwca 2008 roku. Co ciekawe, siedem lat wcześniej poprzedni właściciele „Tsvetki” zakupili dzieło za 1,1 mln dol. Łatwo obliczyć, że w tym czasie jego cena rynkowa wzrosła prawie 25-krotnie.

Recesja na rynku sztuki w latach 2008-2009 dała sceptykom powód do plotek, że moda na Koonsa minęła. Ale mylili się: wraz z rynkiem sztuki odżyło zainteresowanie dziełami Koonsa. Następca tronu Króla Pop Art Andy'ego Warhola odnowił swój życiowy rekord w listopadzie 2012 r., Sprzedając w Christie’s wielokolorową rzeźbę „Tulipany” z serii „Celebration” za 33,7 miliona dolarów, łącznie z prowizją.

Ale „tulipany” były „kwiatami” w sensie dosłownym i przenośnym. Zaledwie rok później, w listopadzie 2013 r., Nastąpiła sprzedaż rzeźby ze stali nierdzewnej „Pies balon (pomarańczowy)”: młotek kosztował aż 58,4 miliona dolarów! Fantastyczna suma dla żyjącego artysty. Dzieło współczesnego artysty zostało sprzedane za cenę obrazu Van Gogha lub Picassa. To już były jagody ...

Z tym wynikiem Koons od kilku lat utrzymuje się na szczycie rankingu żyjących artystów. W listopadzie 2018 roku został krótko wyprzedzony przez Davida Hockneya (patrz druga linia naszej oceny). Ale zaledwie sześć miesięcy później wszystko wróciło do normy: 15 maja 2019 r. W Nowym Jorku na aukcji sztuki powojennej i współczesnej Christie's wystawił na sprzedaż podręcznikową rzeźbę dla Koonsa z 1986 r. - srebrzystego „Królika” ze stali nierdzewnej, imitującego balon o podobnym kształcie.

W sumie Koons stworzył 3 takie rzeźby oraz jedną kopię autorską. Do aukcji trafił egzemplarz „Królika” numer 2 - z kolekcji kultowego wydawcy Cy Newhouse, współwłaściciela wydawnictwa Conde Nast (czasopisma Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ itp.). Srebrny „Królik” został kupiony przez „ojca przepychu” Sai Newhouse w 1992 roku za imponującą sumę jak na tamte lata - 1 milion dolarów. Po 27 latach w walce o 10 oferentów młotek rzeźbiarski był 80-krotnie wyższy od poprzedniej ceny sprzedaży. A biorąc pod uwagę prowizję Kupującego Premium, ostateczny wynik wyniósł 91,075 mln dolarów dla wszystkich żyjących artystów.

2. DAVID HOCKNEY Portret artysty. Basen z dwiema postaciami. 1972. 90,312,500 $

David Hockney (1937) jest jednym z najważniejszych brytyjskich malarzy XX wieku. W 2011 roku David Hockney został wybrany najbardziej wpływowym brytyjskim artystą wszechczasów w ankiecie przeprowadzonej wśród tysięcy profesjonalnych brytyjskich malarzy i rzeźbiarzy. W tym samym czasie Hockney ominął takich mistrzów jak William Turner i Francis Bacon. Jego twórczość jest zwykle klasyfikowana jako pop art, chociaż we wczesnych pracach skłaniał się bardziej w stronę ekspresjonizmu w duchu Francisa Bacona.

David Hockney urodził się i wychował w Anglii, w Yorkshire. Matka przyszłego artysty utrzymywała rodzinę w purytańskiej surowości, a jego ojciec, prosty księgowy, który malował trochę na poziomie amatorskim, zachęcał syna do malowania. Po dwudziestce David wyjechał do Kalifornii, gdzie mieszkał łącznie przez około trzy dekady. Nadal ma tam dwa warsztaty. Hockney uczynił bohaterów swoich dzieł miejscowymi bogaczami, ich wille, baseny, trawniki skąpane w kalifornijskim słońcu. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł z okresu amerykańskiego - obraz „Splash” - przedstawia snop rozprysków, który uniósł się z basenu po tym, jak ktoś wskoczył do wody. Aby przedstawić ten snop „żyjący” nie dłużej niż dwie sekundy, Hockney pracował przez dwa tygodnie. Nawiasem mówiąc, w 2006 roku ten obraz został sprzedany w Sotheby's za 5,4 miliona dolarów i przez pewien czas był uważany za jego najdroższe dzieło.

Hockney (1937) ma już ponad osiemdziesiąt lat, ale nadal pracuje, a nawet wymyśla nowe techniki artystyczne, wykorzystując innowacje techniczne. Kiedyś wpadł na pomysł zrobienia ogromnych kolaży ze zdjęć polaroidowych, swoje prace drukował na faksach, a dziś artysta z entuzjazmem opanowuje rysunek na iPadzie. Obrazy narysowane na tablecie zajmują godne miejsce na jego wystawach.

W 2005 roku Hockney w końcu wrócił ze Stanów do Anglii. Obecnie maluje w plenerze iw pracowni ogromne (często składające się z kilku części) krajobrazy tutejszych lasów i nieużytków. Według Hockney, przez 30 lat spędzonych w Kalifornii, stał się tak nieprzyzwyczajony do prostej zmiany pór roku, że naprawdę go podziwia i urzeka. Całe cykle jego ostatnich prac poświęcone są na przykład temu samemu krajobrazowi o różnych porach roku.

W 2018 roku ceny obrazów Hockneya kilkakrotnie osiągnęły poziom 10 milionów dolarów. A 15 listopada 2018 r. Christie's zarejestrowała nowy absolutny rekord w twórczości żyjącego artysty - 90 312 500 USD za obraz „Portret artysty (basen z dwiema figurami)”.

3. GERHARD RICHTER Malarstwo abstrakcyjne. 1986. 46,3 miliona dolarów

Żyjący klasyk Gerhard Richter (1932) zajmuje drugie miejsce w naszym rankingu. Niemiecki artysta był liderem wśród żyjących kolegów aż do 58-milionowego przeboju Jeffa Koonsa. Ale jest mało prawdopodobne, aby ta okoliczność zachwiała już żelaznym autorytetem Richtera na rynku sztuki. Pod koniec 2012 roku roczny obrót aukcyjny niemieckiego artysty ustępuje jedynie Andy Warholowi i Pablo Picasso.

Przez wiele lat nic nie zapowiadało sukcesu, jaki spotkał Richtera. Artysta przez dziesięciolecia zajmował skromne miejsce na rynku sztuki współczesnej i wcale nie zabiegał o sławę. Można powiedzieć, że chwała go ogarnęła. Wielu uważa zakup serii prac Richtera „18 października 1977” przez New York Museum of MoMA w 1995 za punkt wyjścia. Muzeum Amerykańskie zapłaciło 3 miliony dolarów za 15 obrazów w odcieniach szarości i wkrótce pomyślało o zorganizowaniu pełnoprawnej retrospektywy niemieckiego artysty. Wspaniała wystawa została otwarta sześć lat później, w 2001 roku, i od tego czasu zainteresowanie twórczością Richtera gwałtownie wzrosło. W latach 2004-2008 ceny jego obrazów potroiły się. W 2010 roku prace Richtera przyniosły już 76,9 mln dol., W 2011 r., Jak podaje portal Artnet, prace Richtera na aukcjach zarobiły łącznie 200 mln dol., Aw 2012 r. (Według Artprice) - 262,7 mln dol. - ponad dzieło innego żyjącego artysty.

O ile na przykład przytłaczającemu sukcesowi aukcyjnemu Jaspera Johnsa towarzyszą głównie tylko wczesne dzieła, tak ostry podział nie jest typowy dla dzieł Richtera: równie stabilny jest popyt na rzeczy z różnych okresów twórczych, których w karierze Richtera było bardzo wiele. W ciągu ostatnich sześćdziesięciu lat artysta próbował swoich sił w prawie wszystkich tradycyjnych gatunkach malarstwa - portrecie, pejzażu, przystani, akty, martwa natura i oczywiście abstrakcja.

Historia rekordów aukcyjnych Richtera rozpoczęła się od serii martwych natur „Świece”. 27 fotorealistycznych obrazów świec z wczesnych lat 80., w momencie ich powstawania, kosztowało zaledwie 15 000 marek niemieckich (5800 USD) za pracę. Ale nadal nikt nie kupił "Świeczek" na ich pierwszej wystawie w Max Hetzler Gallery w Stuttgarcie. Wtedy temat obrazów nazwano staromodnym; dziś „świece” są uważane za dzieła wszechczasów. Kosztują miliony dolarów.

W lutym 2008 r. „Świeca”, napisany w 1983 roku, został nieoczekiwanie kupiony za £ 7,97 mln (16 mln USD)... Ten osobisty rekord trwał trzy i pół roku. Następnie w październiku 2011 inny „Świeczka” (1982) poszedł pod młotek w Christie's za funty 10,46 mln (16,48 mln USD)... Dzięki tej płycie Gerhard Richter po raz pierwszy znalazł się w pierwszej trójce najbardziej utytułowanych żyjących artystów, zajmując miejsce za Jasperem Johnsem i Jeffem Koonsem.

Wtedy rozpoczął się zwycięski marsz „Abstract Pictures” Richtera. Artysta pisze takie prace w unikalnej autorskiej technice: na jasne tło nakłada mieszaninę prostych farb, a następnie za pomocą długiej skrobaczki wielkości zderzaka samochodowego rozmazuje je na płótnie. Daje to skomplikowane przejścia kolorów, plamy i paski. Badanie powierzchni jego "Malarstwa abstrakcyjnego" przypomina wykopaliska: na nich ślady rozmaitych "postaci" przebijają się przez pęknięcia wielu warstw farby.

9 listopada 2011 na aukcji wielkoformatowej sztuki nowoczesnej i powojennej Sotheby's „Malarstwo abstrakcyjne (849-3)” 1997 przeszedł pod młotek 20,8 mln $ (13,2 mln £)... A sześć miesięcy później 8 maja 2012 na aukcji powojennej i współczesnej sztuki Christie's w Nowym Jorku „Malarstwo abstrakcyjne (798-3)” 1993 stał się rekordem 21,8 miliona dolarów (w tym prowizja). Pięć miesięcy później - znowu rekord: „Malarstwo abstrakcyjne (809-4)” z kolekcji muzyka rockowego Erica Claptona 12 października 2012 roku na aukcji Sotheby's w Londynie trafiła pod młotek za £ 21,3 mln (34,2 mln USD)... 30-milionową barierę Richter pokonał z taką łatwością, jakby go nie było malarstwo nowoczesne, ale o arcydziełach, które mają już sto lat - nie mniej. Choć w przypadku Richtera wydaje się, że włączenie „wielkich” do panteonu nastąpiło za życia artysty. Ceny za pracę Niemców nadal rosną.

Kolejny rekord Richtera należał do fotorealistycznej pracy - pejzażu „Plac Katedralny, Mediolan (Domplatz, Mailand)” 1968. Praca została sprzedana za 37,1 mln na aukcji Sotheby's 14 maja 2013... Namalowany został widok na najpiękniejszy plac niemiecki artysta w 1968 roku na zlecenie Siemens Electro, specjalnie dla biura firmy w Mediolanie. W momencie pisania było to największe dzieło figuratywne Richtera (prawie trzy na trzy metry).

Rekord „Placu Katedralnego” trwał prawie dwa lata 10 lutego 2015 nie przeszkadzał mu "Malarstwo abstrakcyjne" (1986): cena młotkowa osiąga £ 30,389 mln (46,3 mln USD)... Wystawione na aukcji w Sotheby’s „Malarstwo abstrakcyjne” o wymiarach 300,5 × 250,5 cm to jedno z pierwszych dzieł Richtera na dużą skalę wykonanych w specjalnej autorskiej technice zdrapywania warstw farby. Ostatni raz w 1999 roku „Malarstwo abstrakcyjne” zostało kupione na aukcji za 607 tysięcy dolarów (od tego roku do bieżącej sprzedaży praca była wystawiana w Muzeum Ludwiga w Kolonii). Na aukcji w dniu 10 lutego 2015 r. Pewien amerykański klient z krokami aukcji 2 mln GBP osiągnął cenę młotkową 46,3 mln USD, czyli od 1999 r. Cena dzieła wzrosła ponad 76 razy!

4. TSUI ZHUZHO „Wielkie góry pokryte śniegiem”. 2013. 39 577 milionów dolarów

Przez długi czas nie śledziliśmy uważnie rozwoju sytuacji na chińskim rynku sztuki, nie chcąc przeciążać naszych czytelników nadmierną ilością informacji o „nie naszej” sztuce. Z wyjątkiem dysydenta Ai Weiwei, który nie jest nawet tak drogi jak rezonansowy artysta, chińscy autorzy wydawali nam się zbyt liczni i daleko od nas, aby zagłębić się w to, co dzieje się tam na rynku. Ale statystyka, jak mówią, to poważna dama, a jeśli mówimy o odnoszących największe sukcesy żyjących autorach na świecie, to nie możemy obejść się bez opowieści o wybitnych przedstawicielach sztuki współczesnej Niebiańskiego Imperium.

Zacznijmy od chińskiego artysty Cui Ruzhuo... Artysta urodził się w 1944 roku w Pekinie, od 1981 do 1996 roku mieszkał w Stanach Zjednoczonych. Po powrocie do Chin zaczął uczyć w National Academy of Arts. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradycyjne chińskie malarstwo tuszem i tworzy ogromne zwoje, które chińscy biznesmeni i urzędnicy uwielbiają dawać sobie nawzajem jako prezenty. Na Zachodzie niewiele o nim wiadomo, chociaż wielu musi pamiętać historię zwoju o wartości 3,7 miliona dolarów, który został omyłkowo wyrzucony przez personel sprzątający w hotelu w Hongkongu, wzięty za śmieci. A więc - to był zwój Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ma 70 lat, a jego rynek sztuki kwitnie. Ponad 60 prac tego artysty przekroczyło granicę 1 miliona dolarów, jednak jego prace nadal odnoszą sukcesy tylko na chińskich aukcjach. Rekordy Cui Ruzhuo są naprawdę imponujące. Najpierw to „Krajobraz w śniegu” na aukcji Poly w Hongkongu 7 kwietnia 2014 osiągnął młotkową cenę 184 mln HK $ ( 23,7 mln USD).

Dokładnie rok później 6 kwietnia 2015na specjalnej aukcji Poly w Hongkongu poświęconej wyłącznie pracom Cui Ruzhuo „Wielki śnieżny krajobraz góry Jiangnan”(Jiangnan - historyczny region w Chinach, zajmujący prawy brzeg dolnej Jangcy) ośmiu krajobrazów w tuszu na papierze osiągnęło młotkową cenę 236 mln HK $ ( 30,444 mln USD).

Rok później historia się powtórzyła: na aukcji indywidualnej Cui Ruzhuo w Poly Auctions w Hongkongu 4 kwietnia 2016 r sześcioczęściowy poliptyk „Wielkie ośnieżone góry” Uderzenie w 2013 r. (W tym prowizja domu aukcyjnego) 306 mln HK $ (39,577 mln USD). Jak dotąd jest to absolutny rekord wśród żyjących artystów azjatyckich.

Według marszanda Johnsona Chana, który od 30 lat zajmuje się chińską sztuką współczesną, istnieje bezwarunkowa chęć podniesienia cen dzieł tego autora, ale wszystko to dzieje się na poziomie cenowym, na którym doświadczeni kolekcjonerzy raczej nie będą chcieli coś kupić. „Chińczycy chcą podnieść notowania swoich artystów poprzez zawyżanie cen ich prac na dużych międzynarodowych aukcjach, takich jak ta organizowana przez Poly w Hongkongu, ale nie ma wątpliwości, że oceny te są całkowicie sfabrykowane” - komentuje Johnson Chan na temat najnowszej płyty Cui Rujo.

To oczywiście tylko opinia jednego, indywidualnego dealera, ale mamy prawdziwy rekord zarejestrowany we wszystkich bazach danych. Więc będziemy się z nim liczyć. Sam Cui Ruzhuo, sądząc po jego wypowiedziach, daleki jest od skromności Gerharda Richtera, jeśli chodzi o sukces aukcyjny. Wydaje się, że ten wyścig po rekordy naprawdę go fascynuje. „Mam nadzieję, że w ciągu najbliższych 5-10 lat ceny moich prac przekroczą ceny dzieł zachodnich mistrzów, takich jak Picasso i Van Gogh. To chiński sen ”- mówi Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flaga. 1983. 36 milionów dolarów

Trzecie miejsce w rankingu żyjących artystów należy do Amerykanina Jasper Johns (1930)... Obecna rekordowa cena za pracę Jonesa - $ 36 milionów... Tyle zapłacono za jego sławę "Flaga" w Christie "s 12 listopada 2014.

Cykl obrazów „flagi” zapoczątkowany przez Jonesa w połowie lat pięćdziesiątych, zaraz po powrocie artysty z wojska, stał się jednym z centralnych w jego twórczości. Artystę w młodości interesowała idea readymade, czyli przekształcenie przedmiotu codziennego użytku w dzieło sztuki. Jednak flagi Jonesa nie były prawdziwe, były malowane olejem na płótnie. Dzieło sztuki nabrało w ten sposób właściwości rzeczy ze zwykłego życia, było jednocześnie zarówno obrazem flagi, jak i samą flagą. Seria prac z flagami przyniosła Jasperowi Jonesowi światową sławę. Ale jego abstrakcyjne prace są nie mniej popularne. Przez wiele lat na liście najdroższych prac, opracowywanej według powyższych zasad, znajdowało się streszczenie "Fałszywy start"... Do 2007 roku to bardzo jasne i dekoracyjne płótno, namalowane przez Jonesa w 1959 roku, było uważane za właściciela ceny prawie niedostępnej dla żyjącego artysty (aczkolwiek klasyka na całe życie) - $ 17 milionów... Tyle zapłacono za to złotem na rynku sztuki 1988 rok.

Co ciekawe, rekord Jaspera Johnsa jako rekordzisty nie był ciągły. W 1989 roku przerwała mu praca kolegi z warsztatu Willem de Kooning: dwumetrowa abstrakcja „Mixing” została sprzedana w Sotheby's za 20,7 miliona dolarów. Jasper Johns musiał się przeprowadzić. Ale 8 lat później, w 1997 roku, de Kooning zmarł i " Fałszywy początek „Jones ponownie zajął pierwsze miejsce w rankingu aukcji żyjących artystów przez prawie 10 lat.

Ale w 2007 roku wszystko się zmieniło. Rekord False Start został po raz pierwszy przyćmiony przez pracę młodego i ambitnego Damiena Hirsta i Jeffa Koonsa. Potem miała miejsce rekordowa sprzedaż za 33,6 miliona dolarów obrazu „Sleeping Allowance Inspector” autorstwa Luciena Freuda (obecnie nie żyje, a zatem nie bierze udziału w rankingu). Potem zaczęły się zapisy Gerharda Richtera. Ogólnie rzecz biorąc, jak dotąd, z obecnym rekordem 36 milionów, Jasper Jones, jeden z mistrzów amerykańskiej sztuki powojennej, który działa na styku neodadaizmu, abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pop-artu, zajmuje zaszczytne trzecie miejsce.

6. ED RUSHEI Rozbić. 1963. 30,4 miliona dolarów

Nagły sukces obrazu „Smash” amerykańskiego artysty Edward Ruscha (ur. 1937) na aukcji Christie's 12 listopada 2014 sprowadził tego autora na listę najdroższych żyjących artystów. Poprzedni rekord za dzieło Eda Ruschy (często nazwisko Ruscha wymawia się po rosyjsku jako „Rusha”, ale poprawna wymowa to Ruscha) wyniosła „tylko” 6,98 miliona dolarów: tyle zapłacili za jego płótno „Stacja spalania” w 2007 roku. Siedem lat później "Rozbić" z szacunkami 15-20 milionów dolarów osiągnął cenę młotka 30,4 miliona dolarów... Oczywiste jest, że rynek prac tego autora osiągnął nowy poziom - nie bez powodu Barack Obama ozdabia Biały Dom swoimi pracami, a sam Larry Gagosian eksponuje to w swoich galeriach.

Ed Ruscha nigdy nie aspirował do powojennego Nowego Jorku z jego szaleństwem na abstrakcyjny ekspresjonizm. Zamiast tego przez ponad 40 lat szukał inspiracji w Kalifornii, gdzie w wieku 18 lat przeprowadził się z Nebraski. Artysta stał u początków nowego nurtu w sztuce, zwanego pop-artem. Wraz z Warholem, Liechtensteinem, Waynem Thibaultem i innymi piosenkarzami popkultury, Edward Ruscha uczestniczył w 1962 roku w Pasadena Museum, A New Image of Ordinary Things, które stało się pierwszą wystawą muzealną amerykańskiego pop-artu. Jednak samemu Edowi Ruscha nie podoba się, gdy jego twórczość jest przypisywana pop-artowi, konceptualizmowi lub jakiemuś innemu nurtowi w sztuce.

Jego unikalny styl nazywany jest „malowaniem tekstu”. Od późnych lat pięćdziesiątych Ed Ruscha zaczął rysować słowa. Tak jak puszka zupy stała się dziełem sztuki dla Warhola, tak dla Eda Rushe były to zwykłe słowa i zwroty zaczerpnięte albo z billboardu, albo z paczki w supermarkecie, albo z napisów końcowych filmu (Hollywood zawsze było po stronie Ruszy, iw przeciwieństwie do wielu innych artystów, Rusha szanował „fabrykę marzeń”). Słowa na jego płótnach nabierają właściwości trójwymiarowych obiektów, są to prawdziwe martwe natury ze słów. Patrząc na jego płótna, pierwsze co przychodzi na myśl, to wizualny i dźwiękowy odbiór narysowanego słowa, a dopiero potem - znaczenie semantyczne. Ta ostatnia z reguły nie nadaje się do jednoznacznego dekodowania; słowa i wyrażenia wybrane przez Rusheya można interpretować na różne sposoby. To samo jasnożółte słowo „Smash” na ciemnoniebieskim tle może być odebrane jako agresywne wezwanie do rozbicia czegoś lub kogoś na drobne kawałki; jako samotny przymiotnik wyrwany z kontekstu (na przykład część nagłówka gazety) lub po prostu jako osobne słowo uchwycone w miejskim przepływie obrazów wizualnych. Ed Ruschai cieszy się tą niepewnością. „Zawsze głęboko szanowałem dziwne, niewytłumaczalne rzeczy… Wyjaśnienia, w pewnym sensie, zabijają” - powiedział w wywiadzie.

7. WEŁNA CHRISTOPHER Bez tytułu (RIOT). 1990. 29,93 miliona dolarów

Amerykański artysta Christopher Wool (1955) pierwszy raz trafił do rankingu żyjących artystów w 2013 roku - po sprzedaży dzieła „Czas apokalipsy” za 26,5 miliona dolarów. Płyta ta natychmiast dorównuje Jasperowi Johnsowi i Gerhardowi Richterowi. Kwota tej historycznej transakcji - ponad 20 mln dolarów - zaskoczyła wielu, gdyż wcześniej ceny prac artysty nie przekraczały 8 mln dolarów. Jednak szybki wzrost rynku prac Christophera Woola w tamtym czasie był już widoczny: dorobek artysty obejmował 48 transakcji aukcyjnych na kwoty powyżej 1 dolara. mln, z czego 22 (prawie połowa) miało miejsce w 2013 roku. Dwa lata później liczba dzieł Chrisa Woola, sprzedanych za ponad 1 milion dolarów, osiągnęła 70, a nowy rekord osobisty nie trwał długo. Na aukcji Sotheby's 12 maja 2015 Bez tytułu (RIOT) został sprzedany za $ 29,93 mln biorąc pod uwagę Premium Kupującego.

Christopher Wool jest najbardziej znany ze swojej obszernej pracy nad czarnymi literami na białych blachach aluminiowych. To oni z reguły ustanawiają rekordy na aukcjach. To wszystko z późnych lat 80-tych i wczesnych 90-tych. Legenda głosi, że pewnego wieczoru Wool spacerował wieczorem po Nowym Jorku i nagle zobaczył graffiti na nowej białej ciężarówce z czarnymi literami - słowa sex i kochanie. Ten widok wywarł na nim tak duże wrażenie, że natychmiast wrócił do warsztatu i tymi samymi słowami napisał swoją wersję. Był rok 1987, a dalsze poszukiwania słów i fraz przez artystę do prac „listowych” odzwierciedlają sprzeczny duch tamtych czasów. To wezwanie „sprzedaj dom, sprzedaj samochód, sprzedaj dzieci”, wzięte przez Wool z filmu „Czas apokalipsy”, a słowo „GŁUPI” („głupiec”) pisane wielkimi literami, a słowo „RIOT” („bunt”), często spotykane w nagłówki gazet tamtych czasów.

Wełniane wyrazy i frazy wyryte za pomocą farb alkidowych lub emaliowanych na arkuszach aluminiowych, celowo pozostawiające smugi, ślady szablonów i inne dowody procesu twórczego. Artysta podzielił słowa tak, aby widz nie od razu zrozumiał znaczenie. Na początku widzisz tylko nagromadzenie liter, to znaczy postrzegasz słowo jako obiekt wizualny, a dopiero potem czytasz i rozszyfrowujesz znaczenie frazy lub słowa. Wełna użyto kroju pisma używanego przez wojsko amerykańskie po drugiej wojnie światowej, co wzmacnia wrażenie rozkazu, dyrektywy, hasła. Te „literowe” prace postrzegane są jako część miejskiego krajobrazu, jako nielegalne graffiti naruszające czystość powierzchni jakiegoś obiektu ulicznego. Ta seria prac Christophera Wool jest uznawana za jeden ze szczytów abstrakcji językowej i dlatego jest tak wysoko ceniona przez miłośników sztuki współczesnej.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 miliona dolarów

Brytyjczyk Peter Doig(1959), choć należy do pokolenia postmodernistów Koonsa i Hirsta, wybrał dla siebie zupełnie tradycyjny gatunek pejzażu, który przez długi czas nie był przychylny czołowym twórcom. Swoją pracą Peter Doig ożywia zainteresowanie opinii publicznej wymarłym malarstwem figuratywnym. Jego prace są wysoko oceniane zarówno przez krytyków, jak i niespecjalistów, czego dowodem jest szybki wzrost cen jego dzieł. Jeśli na początku lat 90. jego krajobrazy kosztowały kilka tysięcy dolarów, to teraz rachunek idzie w miliony.

Prace Doiga są często nazywane realizmem magicznym. Na podstawie prawdziwych krajobrazów tworzy fantastyczne, tajemnicze i często ponure obrazy. Artysta uwielbia przedstawiać porzucone przez ludzi przedmioty: zniszczony budynek zbudowany przez Le Corbusiera w środku lasu czy pusty biały kajak na tafli leśnego jeziora. Oprócz natury i wyobraźni, Doig inspiruje się horrorami, starymi pocztówkami, fotografiami, amatorskimi filmami i nie tylko. Obrazy Doiga są kolorowe, złożone, dekoracyjne i nie prowokacyjne. Fajnie jest mieć taki obraz. Zainteresowanie kolekcjonerów podsyca również niska produktywność autora: artysta mieszkający na Trynidadzie tworzy nie więcej niż kilkanaście obrazów rocznie.

Na początku XXI wieku niektóre krajobrazy artysty sprzedano za kilkaset tysięcy dolarów. W tym samym czasie prace Doiga znalazły się w Saatchi Gallery, na Biennale w Whitney Museum oraz w kolekcji MoMA. W 2006 roku pokonano poprzeczkę aukcji w wysokości 1 miliona dolarów. W następnym roku nastąpił nieoczekiwany przełom: praca „White Canoe”, zaproponowana w Sotheby's w dniu 7 lutego 2007 roku, z szacowaną kwotą 0,8-1,2 miliona dolarów, pięciokrotnie przekroczyła wstępne szacunki i został sprzedany za 5,7 miliona funtów (11,3 miliona dolarów). Była to wówczas rekordowa cena za twórczość żyjącego artysty europejskiego.

W 2008 roku indywidualne wystawy Doiga odbyły się w Tate Gallery i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. Wielomilionowe etykiety cenowe za prace Doiga stały się normą. Rekord osobisty Petera Doiga zaczął być ostatnio aktualizowany kilka razy w roku - mamy tylko czas, aby zmienić zdjęcie i miejsce tego artysty w naszym rankingu żyjących autorów.

Najdroższą dotychczasową pracą Petera Doiga jest śnieżny krajobraz „Rosedale” z 1991 roku. Co ciekawe, rekord padł nie w Sotheby’s czy Christie’s, ale na aukcji sztuki współczesnej w domu aukcyjnym Phillipsa. Stało się to 18 maja 2017 roku. Widok pokrytej śniegiem Rosedale, jednej z dzielnic Toronto, został sprzedany nabywcy telefonicznemu za 28,81 miliona dolarów. To o około 3 miliony więcej niż poprzedni rekord (25,9 miliona dolarów za pracę „Swamped”). Rosedale wziął udział w kluczowej wystawie Doiga w Whitechapel Gallery w Londynie w 1998 roku i ogólnie rzecz biorąc, praca ta była świeża na rynku, dlatego rekordowa cena jest w pełni zasłużona.

9. FRANK STELLA Przylądek sosen. 1959. 28 milionów dolarów

Frank Stella to wybitny przedstawiciel postmalarskiej abstrakcji i minimalizmu w sztuce. Na pewnym etapie nazywa się to malowaniem twardych krawędzi. Początkowo Stella skontrastował surową geometryczną, ascetyczną monochromatyczność i strukturę swoich obrazów ze spontanicznością i chaosem obrazów abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Jackson Pollock.

Pod koniec lat 50. artysta został zauważony przez znanego właściciela galerii Leo Castelli i po raz pierwszy otrzymał nagrodę na wystawie. Zaprezentował na nim tak zwane „Czarne obrazy” - płótna zamalowane równoległymi czarnymi liniami z cienkimi szczelinami niepomalowanego płótna między nimi. Linie układają się w geometryczne kształty, przypominające nieco złudzenia optyczne, same obrazy, które migoczą, poruszają się, skręcają, tworzą wrażenie głębokiej przestrzeni, jeśli patrzysz na nie przez długi czas. W swoich pracach na temat aluminium i miedzi Stella kontynuował temat równoległych linii z cienkimi pasami rozdzielającymi. Zmieniła się kolorystyka, podstawa malarska, a nawet forma obrazów (wyróżniają się m.in. prace w formie liter U, T, L). Ale główna zasada jego malarstwa nadal polegała na wyrazistości konturu, monumentalności, prostej formie, monochromatyczności. W następnych dziesięcioleciach Stella odeszła od takiego geometrycznego malarstwa w kierunku gładkich, naturalnych form i linii oraz od obrazów monochromatycznych do jasnych i różnorodnych przejść kolorystycznych. W latach siedemdziesiątych Stella została urzeczona ogromnymi wzorami malowania statków. Artysta wykorzystywał je do realizacji ogromnych obrazów z elementami asamblażu - w swoich pracach umieścił kawałki stalowych rur czy drucianej siatki.

We wczesnych wywiadach Frank Stella szczerze mówi o znaczeniach, jakie wnosi w jego pracę, a raczej o ich nieobecności: „To, co widzisz, jest tym, co widzisz”. Obraz sam w sobie jest przedmiotem, a nie reprodukcją czegokolwiek. „To płaska powierzchnia pokryta farbą i nic więcej” - powiedziała Stella.

Cóż, podpisana przez Franka Stellę ta „farba na niej” może być dziś warta miliony dolarów. Po raz pierwszy w rankingu żyjących artystów Frank Stella uzyskał w 2015 roku sprzedaż dzieła „Delaware Crossing” (1961) za 13,69 mln USD, biorąc pod uwagę prowizję.

Cztery lata później, 15 maja 2019 roku, wczesne (1959) dzieło „Cape of Pines” zostało ustanowione nowym rekordem: cena młota wyniosła ponad 28 milionów dolarów, łącznie z prowizją. To jeden z 29 „czarnych obrazów” - tych, którymi Stella zadebiutowała na swojej pierwszej wystawie w Nowym Jorku. Absolwent Uniwersytetu Princeton, Frank Stella, miał wtedy 23 lata. Często brakowało mu pieniędzy na farby olejne dla artystów. Młody artysta pracował na pół etatu przy pracach naprawczych, bardzo podobały mu się czyste kolory farby, a potem pojawił się pomysł, aby pracować tą farbą na płótnie. Czarną emalią Stella maluje równoległe paski, pozostawiając między nimi cienkie linie nie zagruntowanego płótna. I pisze bez linijki, na oko, bez wstępnego szkicu. Stella nigdy nie wiedziała, ile czarnych linii pojawi się na konkretnym obrazie. Na przykład na obrazie „Cape of Pines” było ich 35. Tytuł pracy nawiązuje do nazwy przylądka zatoki Massachusetts - Point of Pines. Na początku XX wieku istniał tu duży park rozrywki, a dziś jest to jedna z dzielnic miasta Revere.

10. Nóż YOSHITOMO NARA za plecami. 2000. 24,95 miliona dolarów

Yoshitomo Nara (1959) to jedna z kluczowych postaci japońskiego neo-popu. Japończyk - bo mimo światowej sławy i wieloletniej pracy za granicą jego twórczość nadal wyróżnia się wyraźną tożsamością narodową. Ulubionymi postaciami Nary są dziewczyny i psy w stylu japońskiej mangi i komiksów anime. Obrazy, które wymyślał przez wiele lat, trafiły do \u200b\u200bludzi: są drukowane na koszulkach, robione są z nimi pamiątki i różne „gadżety”. Urodzony w biednej rodzinie, daleko od stolicy, jest kochany nie tylko za swój talent, ale także ceniony jako człowiek, który się ukształtował. Artysta działa szybko i wyraziście. Wiadomo, że niektóre z jego arcydzieł powstały dosłownie z dnia na dzień. Obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary są zwykle bardzo lakoniczne, jeśli nie rzadkie ekspresyjne środki, ale zawsze niosą ze sobą silny ładunek emocjonalny. Nastoletnie dziewczyny Nary często patrzą na widza z niemiłym zezem. W ich oczach - zuchwalstwo, wyzwanie i agresja. W rękach - nóż, potem papieros. Uważa się, że przedstawione perwersje zachowania są reakcją na opresyjną moralność publiczną, różne tabu i przyjęte przez Japończyków zasady wychowania. Niemal średniowieczna surowość i wstyd prowadzą do problemów, tworząc podstawę opóźnionej eksplozji emocjonalnej. „Nóż za plecami” po prostu pojemnie oddaje jeden z głównych pomysłów artysty. W tej pracy jest zarówno nienawiściowy wygląd dziewczyny, jak i dłoń, która jest groźnie zraniona za jej plecami. Do 2019 roku obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary niejednokrotnie osiągały milion, a nawet kilka milionów marek. Ale dwadzieścia milionów po raz pierwszy. Nara to jeden z najbardziej znanych japońskich artystów na świecie. A teraz najdroższa żyjąca osoba. 6 października 2109 r. W Sotheby’s w Hongkongu przejął ten tytuł od Takashiego Murakamiego i znacznie ominął 90-letnią awangardową artystkę Yayoi Kusamę (maksymalne ceny aukcyjne jej obrazów zbliżają się już do 9 milionów dolarów).

11. ZENG FANZHI Ostatnia Wieczerza. 2001. 23,3 miliona dolarów

Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 5 października 2013 płótno na dużą skalę "Ostatnia Wieczerza" Artysta z Pekinu Zeng Fanzhi (1964) sprzedane za rekordowe 160 mln HK $ - 23,3 miliona dolarów USA. Ostateczny koszt pracy Fanzhiego, napisany oczywiście pod wpływem pracy Leonarda da Vinci, okazał się dwa razy większy od wstępnego szacunku ok. 10 mln dol. 9,6 mlnzapłacone za pracę na aukcji Christie’s w Hongkongu w maju 2008 r „Seria masek. 1996. Nie. 6 ".

Ostatnia Wieczerza to największy (2,2 × 4 metry) obraz Fanzhiego z serii Maski z lat 1994-2001. Cykl poświęcony ewolucji chińskiego społeczeństwa pod wpływem reform gospodarczych. Wprowadzenie przez rząd ChRL elementów gospodarki rynkowej doprowadziło do urbanizacji i braku jedności Chińczyków. Fanzhi przedstawia mieszkańców współczesnych chińskich miast, którzy walczą o miejsce pod słońcem. Znana kompozycja fresku Leonarda w czytaniu Fanzhi nabiera zupełnie innego znaczenia: scena akcji została przeniesiona z Jerozolimy do sali lekcyjnej chińskiej szkoły z typowymi tablicami hieroglificznymi na ścianach. „Chrystus” i „apostołowie” stali się pionierami z szkarłatnymi więzami, a tylko „Judasz” nosi złoty krawat - to metafora zachodniego kapitalizmu, przenikającego i niszczącego zwykły sposób życia w kraju socjalistycznym.

Prace Zeng Fanzhi stylistycznie zbliżone są do europejskiego ekspresjonizmu i równie dramatyczne. Ale jednocześnie są pełne chińskich symboli i szczegółów. Ta wszechstronność przyciąga do twórczości artysty zarówno chińskich, jak i zachodnich kolekcjonerów. Bezpośrednim tego potwierdzeniem jest proweniencja Ostatniej wieczerzy: dzieło zostało wystawione na aukcję przez słynnego kolekcjonera chińskiej awangardy lat 80-tych i początku 90-tych - belgijskiego barona Guya Ullensa.

12. ROBERT RYMAN Most. 1980. 20,6 miliona dolarów

Na aukcji Christie's 13 maja 2015 praca abstrakcyjna "Most" 85-letni amerykański artysta Robert Ryman (Robert Ryman) został sprzedany za 20,6 miliona dolarówbiorąc pod uwagę prowizję - dwukrotnie droższą od dolnego szacunku.

Robert Ryman (1930) nie od razu zorientował się, że chce zostać artystą. W wieku 23 lat przeniósł się do Nowego Jorku z Nashville w stanie Tennessee, chcąc zostać saksofonistą jazzowym. Zanim stał się sławnym muzykiem, musiał pracować jako ochroniarz w MoMA, gdzie poznał Saula LeWitta i Dana Flavina. Pierwszy pracował w muzeum jako nocny sekretarz, a drugi jako ochroniarz i operator windy. Pod wrażeniem dzieł abstrakcyjnych ekspresjonistów, których widział w MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock i Newman - Robert Ryman podjął się malarstwa w 1955 roku.

Rayman jest często określany jako minimalist, ale woli nazywać się „realistą”, bo nie interesuje go tworzenie iluzji, a jedynie demonstruje jakość użytych materiałów. Większość jego prac malowana jest we wszystkich możliwych odcieniach bieli (od szarawej lub żółtawej do olśniewającej bieli) w oparciu o lakoniczny kwadratowy kształt. W swojej karierze Robert Ryman próbował wielu materiałów i technik: malował olejami, akrylami, kazeiną, emalią, pastelami, gwaszem itp. Na płótnie, stali, pleksi, aluminium, papierze, tekturze falistej, winylu, tapetach itp. Jego przyjaciel, profesjonalny konserwator, Orrin Riley, doradził mu w sprawie żrących materiałów, których zamierzał użyć. Jak powiedział kiedyś artysta: „Nigdy nie mam pytania, co napisz, najważniejsze jest tak jak pisać". Chodzi o fakturę, charakter pociągnięć, granicę między powierzchnią farby a krawędziami podłoża, a także stosunek pracy do ściany. Od 1975 roku szczególną cechą jego twórczości stały się oprawy, zaprojektowane przez samego Rymana i celowo pozostawiające je widoczne, podkreślając jego pracę „tak realną jak ściany, na których wiszą”. Ryman woli nadawać pracom „nazwy” niż „tytuły”. „Nazwa” jest tym, co pomaga odróżnić jedną pracę od drugiej, a Ryman często nadaje swoim pracom nazwy według marek farb, firm itp., A „nazwa” zawiera jakieś aluzje i głęboko ukryte znaczenia, których obecność w swoich pracach artysta regularnie zaprzecza. Nie liczy się nic poza materiałem i techniką.

13. DAMIEN HURST Senna wiosna. 2002. 19,2 miliona dolarów

Angielski artysta Damien Hirst (1965) miał być pierwszym, który zamachnął się na pierwsze miejsce w tej klasyfikacji w sporze z żyjącym klasycznym Jasperem Johnsem. Wspomniana już praca „False Start” mogłaby pozostać niezatapialnym liderem przez długi czas, jeśli 21 czerwca 2007 instalacja za czasów 42-letniego Hirsta „Senna wiosna” (2002) nie był sprzedawany w Sotheby's za £ 9,76 mln, czyli za 19,2 mln dolarów... Nawiasem mówiąc, praca ma dość nietypowy format. Z jednej strony jest to gablota z atrapami tabletek (6136 tabletek), a właściwie klasyczna instalacja. Z drugiej strony gablota ta jest płaska (głębokość 10 cm), zamknięta w ramie i zawieszona na ścianie jak panel plazmowy, dzięki czemu w pełni zapewnia komfort posiadania typowy dla obrazów. W 2002 roku siostra instalacji, Sleepy Winter, sprzedała się za 7,4 miliona dolarów, ponad połowę ceny. Ktoś „wyjaśnił” różnicę w cenie tym, że zimą tabletki są wyblakłe. Ale jasne jest, że to wyjaśnienie jest absolutnie bezpodstawne, ponieważ mechanizm wyceny takich rzeczy nie jest już związany z ich dekoracyjnością.

W 2007 roku wielu uznało Hirsta za autora najdroższego dzieła wśród żyjących artystów. Pytanie jednak należy do kategorii „w zależności od tego, jak liczysz”. Faktem jest, że Hirst został sprzedany za drogie funty, a Jones za tańsze teraz dolary, a nawet dwadzieścia lat temu. Ale nawet jeśli policzymy według wartości nominalnej, z wyłączeniem 20-letniej inflacji, to w dolarach praca Hirsta była droższa, aw funtach - Jones. Sytuacja była graniczna i każdy mógł swobodnie decydować, kto jest najdroższy. Ale Hirst nie tak długo utrzymywał się na pierwszym miejscu. W tym samym 2007 roku został usunięty z pierwszego miejsca przez Koonsa swoim „Wiszącym Sercem”.

W przededniu globalnego spadku cen sztuki współczesnej Hirst podjął się bezprecedensowego dla młodego artysty przedsięwzięcia - indywidualnej aukcji jego prac, która odbyła się 15 września 2008 roku w Londynie. Ogłoszona w przeddzień bankructwa banku Lehman Brothers nie zepsuła apetytu miłośników sztuki współczesnej: z 223 dzieł oferowanych przez Sotheby’s tylko pięć nie znalazło nowych właścicieli (jednym z kupujących był zresztą Victor Pinchuk). Kompozycja "Złoty cielak" - ogromny wypchany byk w formaldehydzie, zwieńczony złotym krążkiem, - przyniósł tyle 10,3 mln £ (18,6 mln USD)... To najlepszy wynik Hirsta w funtach (w walucie, w której została przeprowadzona transakcja). Jesteśmy jednak w rankingu w dolarach, więc (niech Golden Calf nam wybaczy) nadal będziemy uważać Sleepy Spring za najlepszą sprzedaż Hirsta.

Od 2008 roku Hirst nie miał sprzedaży na poziomie „Sleepy Spring” i „Golden Calf”. Nowe rekordy z lat 2010 - dla dzieł Richtera, Jonesa, Fanzhiego, Woola i Koonsa - pchnęły Damiena do szóstej linii naszego rankingu. Ale nie oceniajmy kategorycznie końca ery Hirsta. Zdaniem analityków Hirst jako „supergwiazda” przeszedł już do historii, co oznacza, że \u200b\u200bbędzie kupowany na bardzo długi czas; Jednak największą wartość w przyszłości przewidują prace powstałe w najbardziej nowatorskim okresie jego kariery, czyli w latach 90.

14. MAURIZIO CATTELAN Mu. 2001. 17,19 miliona dolarów

Włoski Maurizio Cattelan (1960) zaczął pracować jako ochroniarz, kucharz, ogrodnik i projektant mebli. Autor-samouk zasłynął na całym świecie ze swoich ironicznych rzeźb i instalacji. Zrzucił na papieża meteoryt, zamienił żonę klienta w trofeum myśliwskie, wywiercił dziurę w podłodze w muzeum dawnych mistrzów, pokazał gigantyczny środkowy palec giełdzie w Mediolanie, przywiózł żywego osła na targ Frieze. W niedalekiej przyszłości Cattelan obiecuje zainstalować złotą toaletę w Muzeum Guggenheima. Ostatecznie wybryki Maurizio Cattelana znalazły szerokie uznanie w świecie sztuki: został zaproszony na Biennale w Wenecji (instalacja „Inne” w 2011 roku - stado dwóch tysięcy gołębi, które groźnie spoglądają ze wszystkich rur i belek na przechodzące poniżej tłumy gości), zorganizować ma retrospektywę w nowojorskim Muzeum Guggenheima (listopad 2011) i wreszcie dostaje duże pieniądze za swoje rzeźby.

Od 2010 roku najdroższym dziełem Maurizio Cattelana jest woskowa rzeźba mężczyzny wyglądającego przez dziurę w podłodze i wyglądającego jak sam artysta (Untitled, 2001). Ta rzeźba-instalacja, która istnieje w trzech egzemplarzach plus kopia autora, została po raz pierwszy pokazana w Muzeum Boijmans van Beuningen w Rotterdamie. Następnie ta złośliwa postać wyjrzała z dziury w podłodze sali z obrazami holenderskich malarzy z XVIII - XIX wieku. Maurizio Cattellan w tej pracy kojarzy się z odważnym przestępcą, który wkracza do świętej przestrzeni sali muzealnej z obrazami wielkich mistrzów. W ten sposób chce pozbawić sztukę aury świętości, jaką dają jej mury muzeów. Dzieło zostało sprzedane za 7,922 miliony dolarów w Sotheby's, aby móc wystawiać się za każdym razem, gdy trzeba perforować podłogę.

Płyta trwała do 8 maja 2016 r., Kiedy to jeszcze bardziej prowokacyjne dzieło Cattelana „On”, przedstawiające Hitlera na kolanach, trafiło pod młotek za 17.189 milionów dolarów. Dziwna rzecz. Imię jest dziwne. Wybór postaci jest ryzykowny. Jak wszyscy w Cattelan. Co On ma na myśli? „Jego” czy „Jego piekielny majestat”? Oczywiste jest, że zdecydowanie nie mówimy o wychwalaniu wizerunku Führera. W tej pracy Hitler jawi się raczej w bezradnej, żałosnej formie. I absurd - wcielenie Szatana jest wysokie jak dziecko, ubrane w szkolny strój i klęczące z pokornym wyrazem twarzy. Dla Cattelana ten obraz jest zaproszeniem do refleksji nad naturą absolutnego zła i sposobem na pozbycie się lęków. Nawiasem mówiąc, rzeźba „On” jest dobrze znana zachodniej publiczności. Jej bracia z tej serii byli wystawiani ponad 10 razy w czołowych muzeach na świecie, w tym w Centrum Pompidou i Muzeum Salomona Guggenheima.

15. MARK GROTIAN Bez tytułu (S III wydany we Francji Face 43.14). 2011. 16,8 mln USD

17 maja 2017 roku na wieczornej aukcji Christie’s w Nowym Jorku pojawił się jeden z najpotężniejszych obrazów Marka Grotiana, jakie kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Obraz „Bez tytułu (S III Released to France Face 43.14)” został wystawiony przez paryskiego kolekcjonera Patricka Seguina z szacunkową wartością 13-16 milionów dolarów, a ponieważ sprzedaż partii była gwarantowana przez osobę trzecią, nikt nie był szczególnie zaskoczony ustanowieniem nowego osobistego rekordu aukcyjnego 49-letniego artysty ... Młotkowa cena 14,75 mln USD (w tym premia Kupującego 16,8 mln USD) przekroczyła poprzedni rekord aukcyjny Grotiana o ponad 10 mln USD, co pozwoliło mu wejść do klubu żyjących artystów, których prace są sprzedawane za ośmiocyfrowe kwoty. Istnieje już około trzydziestu siedmiocyfrowych wyników (sprzedaż powyżej 1 miliona dolarów, ale nie więcej niż 10 milionów dolarów) w pudełku aukcyjnym Marka Grotiana.

Mark Grotian (1968), w którego twórczości znawcy dostrzegają wpływ modernizmu, abstrakcyjnego minimalizmu, popu i op-artu, do swojego stylu korporacyjnego doszedł w połowie lat 90., po przeprowadzce wraz ze swoim przyjacielem Brentem Petersonem do Los Angeles i otwarciu tam galerii. „Pokój 702”. Jak wspomina sam artysta, zaczął wtedy myśleć o tym, co jest dla niego na pierwszym miejscu w sztuce. Szukał motywu do eksperymentowania. I zdałem sobie sprawę, że zawsze interesował go linia i kolor. Eksperymenty w duchu rayonizmu i minimalizmu z linearną perspektywą, licznymi znikającymi punktami i wielobarwnymi abstrakcyjnymi trójkątnymi kształtami ostatecznie przyniosły Grotian światowej sławę.

Od abstrakcyjnych, kolorowych krajobrazów z wieloma horyzontami i znikającymi punktami perspektywy, ostatecznie doszedł do trójkątnych kształtów, przypominających skrzydła motyla. Obrazy Grotiana 2001-2007 tak nazywają - „Motyle”. Dziś przesuwanie punktu zbiegu lub używanie kilku punktów zbiegu naraz oddalonych od siebie w przestrzeni jest uważane za jedną z najpotężniejszych technik artysty.

Kolejna duża seria prac nosiła tytuł „Twarze”; w abstrakcyjnych liniach tej serii odgaduje się rysy twarzy ludzkiej, uproszczone do stanu maski w duchu Matisse'a, Jawlensky'ego czy Brancusiego. Mówiąc o skrajnym uproszczeniu i stylizacji form, o kompozycyjnym rozwiązaniu obrazów, kiedy rozrzucone kontury oczu i ust wydają się patrzeć na nas z leśnej gęstwiny, badacze zauważają związek „Twarzy” Grotiana ze sztuką prymitywnych plemion Afryki i Oceanii, a sam artysta po prostu „lubi ten obraz oczy wychodzące z dżungli. Czasami wyobrażałem sobie twarze pawianów lub małp. Nie mogę powiedzieć, że świadomie czy podświadomie byłem pod wpływem prymitywnej sztuki afrykańskiej, a raczej artystów znajdujących się pod jej wpływem. Picasso to najbardziej oczywisty przykład ”.

Prace z cyklu „Twarze” nazywane są brutalnymi i eleganckimi, przyjemnymi dla oka i przyjemnymi dla umysłu. Z biegiem czasu zmienia się również faktura tych prac: aby stworzyć efekt przestrzeni wewnętrznej, artysta używa szerokich pociągnięć grubej farby, nawet sprayu w stylu Pollocka, jednak powierzchnia obrazu jest wyrównana tak, że przy bliższym przyjrzeniu się wydaje się całkowicie płaska. Rekordowy obraz aukcyjny „Bez tytułu (S III wydany we Francji Face 43.14)” nawiązuje właśnie do tej znakomitej serii Marka Grotiana.

16. TAKASHI MURAKAMI Mój samotny kowboj. 15,16 miliona dolarów

język japoński Takashi Murakami (1962) zawarte w naszej ocenie z rzeźbą „Mój samotny kowboj”sprzedawane w Sotheby's w maju 2008 roku za $ 15,16 mln... Dzięki tej wyprzedaży Takashi Murakami był od dawna uważany za odnoszącego największe sukcesy żyjącego azjatyckiego artystę - dopóki nie został przyćmiony sprzedażą Ostatniej wieczerzy Zenga Fanzhiego.

Takashi Murakami pracuje jako artysta, rzeźbiarz, projektant mody i animator. Murakami chciał wziąć za podstawę swojej pracy coś naprawdę japońskiego, bez zachodnich i innych zapożyczeń. W latach studenckich fascynowało go tradycyjne japońskie malarstwo nihonga, które później zostało zastąpione popularną sztuką anime i mangi. Tak narodził się psychodeliczny pan DOB, z uśmiechniętymi wzorami kwiatowymi i jasnymi, błyszczącymi rzeźbami z włókna szklanego, które wydawały się właśnie zniknąć ze stron japońskich komiksów. Niektórzy uważają sztukę Murakamiego za fast food i ucieleśnienie wulgarności, inni nazywają artystę Japończykiem Andy Warholem - a w szeregach tego ostatniego, jak widać, jest wielu bardzo bogatych ludzi.

Murakami zapożyczył nazwę swojej rzeźby z filmu Andy'ego Warhola Lonely Cowboys (1968), którego Japończycy, jak sam przyznał, nigdy nie oglądali, ale naprawdę podobało mu się połączenie słów. Murakami z jedną rzeźbą ucieszył fanów erotycznych japońskich komiksów i śmiał się z nich. Zwiększony rozmiar, a poza tym jest również trójwymiarowy, bohater anime zmienia się w fetysz kultury masowej. Ta artystyczna ekspresja jest dość w duchu klasycznego zachodniego pop-artu (pamiętajcie zestaw mebli Allena Jonesa lub Różową Panterę Koonsa), ale z narodowym akcentem.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS to pseudonim amerykańskiego artysty Briana Donnelly'ego z New Jersey. Jest najmłodszym członkiem naszego rankingu, urodzonym w 1974 roku. Donnelly zaczynał jako animator w Disney (rysował tła do kreskówki 101 dalmatyńczyków itp.). Od młodości lubił graffiti. Początkowo jego charakterystycznym projektem była czaszka z „x” w miejscu oczodołów. Twórczość młodego pisarza pokochali show-biznesowcy i ludzie z branży modowej: zrobił okładkę albumu Kanye Westa, wydał kolaboracje dla Nike, Comme des Garçons i Uniqlo. Z biegiem czasu KAWS stał się postacią dobrze znaną w świecie sztuki współczesnej. Jego charakterystyczna figurka Myszki Miki zapuściła korzenie w muzeach, przestrzeniach publicznych i kolekcjach prywatnych. Firma KAWS wypuściła kiedyś winylową zabawkę z limitowanej edycji z marką My Plastic Heart i nagle stała się przedmiotem dużego zainteresowania kolekcjonerskiego. Jednym z zapalonych kolekcjonerów tych „zabawek” jest założyciel Black Star, raper Timati: zebrał prawie w całości całą serię „Cavs Companions”.

KAWS ustanowił rekord artysty w wysokości 14,7 mln dolarów w Sotheby’s Hong Kong 1 kwietnia 2019 r. Była w kolekcji japońskiej projektantki mody Nigo. Długie płótno The KAWS Album to hołd złożony okładce słynnego zespołu The Beatles z 1967 r. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Tylko zamiast ludzi rysują się na nim Kimpsony - stylizowane postacie z serialu animowanego The Simpsons z X zamiast oczu.

18. JIN SHANI Tadżycka panna młoda. 1983. 13,89 miliona dolarów

Wśród stosunkowo młodych i współczesnych artystów chińskich, którzy jako jeden należą do tzw. „Nowej fali” końca lat 80. sztuka chińskadość nieoczekiwanie do naszej oceny trafił przedstawiciel zupełnie innego pokolenia i innej szkoły. Jin Shangyi, obecnie 80-latek, jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli pierwszego pokolenia artystów w komunistycznych Chinach. Poglądy tej grupy artystów ukształtowały się w dużej mierze pod wpływem najbliższego sojusznika komunistycznego - ZSRR.

Oficjalna sztuka radziecka, socrealizm, malarstwo olejne, wciąż niezwykłe w Chinach (w przeciwieństwie do tradycyjnego chińskiego malarstwa tuszem) w latach pięćdziesiątych były u szczytu popularności, a radziecki artysta Konstantin przybył na Pekiński Uniwersytet Artystyczny na trzy lata (od 1954 do 1957). Methodievich Maximov. Jin Shani, który był wówczas najmłodszym w grupie, dostał się do jego klasy. Artysta zawsze z wielkim ciepłem wspominał swojego nauczyciela, mówiąc, że to Maksimov nauczył go prawidłowego rozumienia i przedstawiania modelu. KM Maksimov wykształcił całą galaktykę chińskich realistów, teraz klasyków.

W pracach Jin Shaniego wyczuwalny jest wpływ zarówno radzieckiego „surowego stylu”, jak i europejskiej szkoły malarskiej. Artysta wiele czasu poświęcił na badanie dziedzictwa renesansu i klasycyzmu, uważając za konieczne zachowanie chińskiego ducha w swoich pracach. Obraz „Tadżycka panna młoda”, namalowany w 1983 roku, uważany jest za powszechnie uznawane arcydzieło, nowy kamień milowy w twórczości Jin Shaniego. Został wystawiony na aukcji China Guardian w listopadzie 2013 roku i sprzedał się kilkakrotnie drożej niż szacowano - za 13,89 mln dol. Po uwzględnieniu prowizji.

19. BANKSY Zbutwiały parlament. 2008. 12,14 mln USD

Fototapety z tagiem Banksy zaczęły pojawiać się na murach miejskich (najpierw w Wielkiej Brytanii, a potem na całym świecie) pod koniec lat 90. Jego filozoficzne i zarazem ostre graffiti poświęcone były problematyce ofensywy państwa przeciwko wolności obywatelskiej, zbrodniom przeciwko środowisku, nieodpowiedzialnej konsumpcji i nieludzkości nielegalnego systemu migracyjnego. Z biegiem czasu „nagany” muru Banksy'ego zyskał bezprecedensową popularność w mediach. W rzeczywistości stał się jednym z głównych rzeczników opinii publicznej, potępiając hipokryzję państw i korporacji, która powoduje rosnącą niesprawiedliwość w systemie kapitalistycznym.

Wartość Banksy'ego, wyczucie „nerwu czasu” i trafność jego metafor zostały docenione nie tylko przez widzów, ale także przez kolekcjonerów. W latach 2010-tych za jego prace przekazano setki tysięcy, a nawet ponad milion dolarów. Doszło do tego, że graffiti Banksy'ego zostało zniszczone i skradzione wraz z fragmentami ścian.

W erze zaawansowanego nadzoru cyfrowego Banksy wciąż udaje się zachować anonimowość. Istnieje wersja, w której nie jest to już jedna osoba, ale grupa kilku artystów, na czele z utalentowaną kobietą. To by wiele wyjaśniało. I zewnętrzna odmienność pisarzy uchwycona w soczewkach kamer świadków i bezosobowa metoda rysowania szablonów (daje dużą szybkość i nie wymaga bezpośredniego udziału autora) i wzruszający romantyzm fabuły obrazów (kule, płatki śniegu itp.). Tak czy inaczej, ludzie projektu Banksy, w tym jego asystenci, wiedzą, jak mocno trzymać języki.

W 2019 roku najdroższe dzieło Banksy'ego stało się nieoczekiwanie czterometrowym płótnem Devolved Parliament (parlament „zdegradowany”, „zdekomponowany” lub „delegowany”). Szympansy kłócące się w Izbie Gmin wydają się kpić z widzów w roku skandalicznego Brexitu. To niesamowite, że obraz został namalowany 10 lat przed tym historycznym punktem zwrotnym, dlatego ktoś uważa go za proroczy. Na aukcji Sotheby's 3 października 2019 r., Podczas zaciętych negocjacji, nieznany kupiec kupił tę ropę za 12143000 USD - sześć razy więcej niż wstępnie szacowano.

20. JOHN CARREN „Ładnie i prosto”. 1999. 12,007 mln USD

Amerykański artysta John Curran (1962)znany ze swoich satyrycznych obrazów figuratywnych na prowokacyjne tematy seksualne i społeczne. W pracach Currena udaje się połączyć techniki malarskie dawnych mistrzów (zwłaszcza Lucasa Cranacha Starszego i manierystów) z fotografią mody z błyszczących magazynów. Dążąc do większej groteski, Curren często zniekształca proporcje ludzkiego ciała, powiększa lub pomniejsza jego poszczególne części, przedstawia bohaterów w rozbitych, manierycznych pozach.

Curren rozpoczął działalność w 1989 roku od portretów dziewcząt, przerysowanych ze szkolnego albumu; kontynuowany na początku lat 90. przy zdjęciach cycatych piękności inspirowanych zdjęciami z Cosmopolitan i Playboy; w 1992 roku pojawiły się portrety zamożnych starszych kobiet; aw 1994 roku Curren poślubił rzeźbiarkę Rachel Feinstein, która przez wiele lat stała się jego główną muzą i modelką. Popularność przyniosły mu pod koniec lat 90. umiejętności techniczne Currena w połączeniu z kiczem i groteską jego obrazów. W 2003 roku Larry Gagosian zajął się promocją artysty, a jeśli taki handlarz jak Gagosian podejmie się za autora, to sukces jest gwarantowany. W 2004 roku w Whitney Museum odbyła się retrospektywa Johna Currena.

Mniej więcej w tym czasie zaczął sprzedawać za sześć cyfr. Obecny rekord w malarstwie Johna Currena należy do pracy „Nice and Simple”, sprzedanej 15 listopada 2016 r. W Christie's za 12 milionów dolarów. Obraz z dwoma aktami ledwo przekroczył dolną wycenę 12-18 milionów dolarów. A jednak dla Johna Currena, który teraz po pięćdziesiątce to zdecydowanie przerwa w karierze. Jego poprzedni rekord w 2008 roku wynosił 5,5 miliona dolarów (zresztą zapłacił za tę samą pracę „Nice and Simple”).

21. BRICE MARDEN Uczestniczył. 1996-1999. 10,917 mln USD

Innym żyjącym amerykańskim artystą abstrakcyjnym w naszym rankingu jest Bryce Marden (1938). Prace Mardena utrzymane w stylistyce minimalizmu, a od końca lat osiemdziesiątych XX wieku - malarstwa gestów, wyróżniają się niepowtarzalną autorską, lekko wyciszoną paletą. Zestawienia kolorystyczne w pracach Mardena są inspirowane jego podróżami po świecie - Grecji, Indiach, Tajlandii, Sri Lance. Wśród autorów, którzy wpłynęli na powstanie Mardena, byli Jackson Pollock (na początku lat 60. Marden pracował jako ochroniarz w Muzeum Żydowskim, gdzie osobiście obserwował „kapanie” Pollocka), Alberto Giacometti (zapoznał się z jego pracami w Paryżu) i Robert Rauschenberg (niektórzy podczas gdy Marden pracował jako jego asystent). Pierwszy etap twórczości Mardena poświęcony jest klasycznym minimalistycznym płóciennym, składającym się z kolorowych prostokątnych bloków (poziomych lub pionowych). W przeciwieństwie do wielu innych minimalistów, którzy osiągnęli idealną jakość prac, jakby drukowanych maszynowo, a nie rysowanych przez człowieka, Marden zachował ślady twórczości artysty, łączył różne materiały (wosk i farby olejne). Od połowy lat 80. pod wpływem kaligrafii orientalnej abstrakcja geometryczna została zastąpiona meandrującymi, meandrowymi liniami, dla których te same monochromatyczne kolorowe pola stanowiły tło. Jedna z tych „meandrowych” prac - „The Attended” - na aukcji Sotheby's w listopadzie 2013 r. Została sprzedana za 10,917 mln dolarów, łącznie z prowizją.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 grudnia 1959 r. 10,6 miliona dolarów

23. ZHANG XIAOGAN Wieczna miłość. 10,2 miliona dolarów

Kolejny przedstawiciel chińskiej sztuki współczesnej - symbolista i surrealista Zhang Xiaogang (1958)... Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 3 kwietnia 2011gdzie sprzedawano chińską awangardę z kolekcji belgijskiego barona Guya Ullensa, tryptyk Zhanga Xiaoganga "Wieczna miłość" został sprzedany za $ 10,2 mln... Był to wówczas rekord nie tylko dla artysty, ale także dla całej chińskiej sztuki współczesnej. Mówi się, że dzieło Xiaoganga kupiła żona miliardera Wang Wei, która ma właśnie otworzyć własne muzeum.

Zhang Xiaogang, miłośnik mistycyzmu i filozofii Wschodu, napisał historię „Wiecznej miłości” w trzech częściach - życie, śmierć i odrodzenie. Ten tryptyk był prezentowany na kultowej wystawie „Chiny / awangarda” w 1989 roku w Narodowym Muzeum Sztuki. W tym samym 1989 roku wojsko brutalnie stłumiło demonstracje studenckie na placu Tiananmen. Po tym tragicznym wydarzeniu rozpoczęło się dokręcanie śrub - ekspozycja w Muzeum Narodowym uległa rozproszeniu, wielu artystów wyemigrowało. W odpowiedzi na narzucony z góry socrealizm pojawił się kierunek cynicznego realizmu, którego jednym z głównych przedstawicieli był Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezradny Henry Moore. 1967. 9,9 miliona dolarów

amerykański Bruce Nauman (1941), zdobywca głównej nagrody 48. Biennale w Wenecji (1999), od dawna kroczy w kierunku swojego rekordu. Nauman rozpoczął karierę w latach sześćdziesiątych. Znawcy nazywają go, obok Andy Warhola i Josepha Beuysa, jedną z najbardziej wpływowych postaci sztuki drugiej połowy XX wieku. Jednak bogata intelektualność i absolutny brak dekoracyjności niektórych jego dzieł w oczywisty sposób utrudniły jego szybkie rozpoznanie i sukces w szerokiej publiczności. Naumann często eksperymentuje z językiem, odkrywając nieoczekiwane znaczenia znanych zwrotów. Słowa stają się głównymi bohaterami wielu jego prac, w tym pseudononów i tablic. Sam Naumann nazywa siebie rzeźbiarzem, choć przez ostatnie czterdzieści lat próbował swoich sił w zupełnie innych gatunkach - rzeźbie, fotografii, sztuce wideo, performansach, grafice. Na początku lat dziewięćdziesiątych Larry Gagosian wypowiedział prorocze słowa: „Prawdziwa wartość pracy Naumana nie została jeszcze zrealizowana”. I tak się stało: 17 maja 2001 w pracy Christie przez Naumanna 1967 „Bezradny Henry Moore (widok z tyłu)” (Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ustanowił nowy rekord w powojennym segmencie sztuki. Odlew gipsu i wosku rąk Naumanna związanych za plecami trafił pod młotek za $ 9,9 mln do kolekcji francuskiego potentata Francois Pinault (według innych źródeł, Amerykanina Phyllis Wattis). Szacunek pracy to zaledwie 2-3 miliony dolarów, więc wynik był dla wszystkich prawdziwym zaskoczeniem.

Przed tą legendarną sprzedażą tylko dwa dzieła Naumanna przekroczyły granicę miliona dolarów. A przez całą jego dotychczasową karierę aukcyjną tylko sześć prac, oprócz „Henry Moore…”, trafiło do kwot siedmiocyfrowych, ale ich wyników nadal nie można porównać z dziewięcioma milionami.

Bezradny Henry Moore to jedna z serii polemicznych prac Naumanna na temat postaci Henry'ego Moore'a (1898–1986), brytyjskiego malarza, który w latach sześćdziesiątych uważany był za jednego z najwybitniejszych rzeźbiarzy XX wieku. Młodzi autorzy, którzy znajdowali się w cieniu uznanego mistrza, rzucili się na niego z ostrą krytyką. Praca Naumanna jest odpowiedzią na tę krytykę i jednocześnie refleksją na temat twórczości. Tytuł pracy staje się kalamburem, gdyż łączy dwa znaczenia angielskiego słowa związany - związany (dosłownie) i skazany na określony los.

Uwaga! Wszystkie materiały w serwisie oraz baza danych wyników aukcji serwisu, w tym ilustrowane informacje referencyjne o pracach sprzedanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu Cywilnego Federacji Rosyjskiej. Używanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest zabronione. serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów przesłanych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich, administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.