Na czym polega konflikt Hamleta z prawdziwym światem. Wielkie tragedie Szekspira

Konflikt zewnętrzny w najgłębszych dziełach Szekspira jest podstawą innego dramatycznego konfliktu, który ma miejsce w świecie duchowym jego bohaterów. Zanim jednak o tym porozmawiamy, musimy stanowczo odrzucić niedocenianie zewnętrznego konfliktu. To nieprawda i rzeczywiście niemożliwe jest sprowadzenie istoty dramatu Szekspira do czystego psychologizmu. Jeśli wyciągniemy analogię między sztuką a życiem, to akcja zewnętrzna w sztukach Szekspira to obiektywna rzeczywistość, okoliczności życiowe, a stany psychiczne bohaterów są subiektywną, głęboko osobistą reakcją człowieka na świat. Dla człowieka proces życiowy polega na interakcji tych zasad. Ludzie istnieją w prawdziwym świecie i wszystko, co dzieje się w ich duszach, w ich świadomości, jest nierozerwalnie związane z rzeczywistością, tylko w połączeniu z nią ma sens. W ten sam sposób niemożliwe jest oddzielenie od siebie zewnętrznych dramatycznych okoliczności i duchowych dramatów bohaterów Szekspira. Szekspir przywiązuje nie mniejszą wagę do artystycznego odtworzenia warunków, w których żyją jego bohaterowie, niż do ekspresji emocjonalnych ruchów. Z punktu widzenia prawdopodobieństwa okoliczności zewnętrzne w dramatach Szekspira nie zawsze są dokładne, ale są przystosowane do stworzenia dokładnie takiego środowiska, które jest niezbędne do nadania dramatyzmu losowi bohaterów.

Jest to widoczne w sztuce takiej jak Romeo i Julia. Niezgoda między rodzinami Montague i Capuletów nadaje szczególny dramat pasji młodych bohaterów. Gdyby ich rodzice żyli w pokoju, miłość dzieci byłaby idylliczna. Same w sobie uczucia Romea i Julii są harmonijne. Ale bohater i bohaterka są w pełni świadomi, że okoliczności zewnętrzne stawiają ich miłość w konflikcie z warunkami, w jakich żyją. Podkreślają to słowa Chóru między pierwszym a drugim aktem:

Romeo kocha i jest kochany przez piękną
W obu z piękna rodzi się pasja.
Błaga wroga; z niebezpiecznej wędki
Musi ukraść przynętę dla miłości.
Jako zaprzysiężony wróg rodziny nie śmie
Szeptem jej czułych słów i ślubów miłości.
Co więcej, nie ma możliwości
Gdzieś go zobaczy.
Ale pasja da siłę, czas da randkę
A słodycz złagodzi całe ich cierpienie.

(II, śr., 5. TSCHK)

Mówimy tutaj nie tylko o zewnętrznych przeszkodach, które uniemożliwiają zjednoczenie Romea i Julii, ale o całkowicie nowym podejściu do miłości, które powstało w okresie renesansu.

Średniowieczna miłość rycerska była miłością nieślubną - rycerz oddawał cześć żonie swego pana feudalnego, a oni musieli dochować tajemnicy swojego związku. Renesans szuka jedności miłości i małżeństwa. W Komedii błędów Adriana stara się, aby jej związek z mężem nie był formalnym związkiem, ale opierał się na wzajemnej miłości. We wszystkich komediach Szekspira potwierdza się renesansowe rozumienie miłości, której zwieńczeniem jest małżeństwo. Romeo i Julia chcą zrobić to samo. Pierwszym dowodem miłości, jakiego domaga się Julia, jest zgoda Romea na natychmiastowy ślub, a on chętnie na to przystaje. Ale, jak wiemy, nie dano im najprostszego renesansu szczęścia w oczach człowieka - otwartego uznania ich miłości i jej prawnego zarejestrowania w małżeństwie. Daje to szczególną ostrość ich uczuciom, co zawsze jest wynikiem przeszkód uniemożliwiających otwartą komunikację kochanków. Wrogość rodzin ogarnia duchowy świat bohaterów.

Kiedy Romeo po potajemnym ślubie z Julią konfrontuje się z Tybaltem, próbuje nawiązać z nim nowy związek:

Ja, Tybalt, mam powód
Kochać Cię; ona ci wybacza
Cała wściekłość złych słów.

(III, 1, 65. TSCHK)

Ale zabójstwo Mercutio kładzie kres ugodowej postawie Romeo, walczy z Tybaltem i pomszcząc swojego przyjaciela, zabija go. Plątanina relacji okazuje się bardzo złożona:

Mój najlepszy przyjaciel - i cóż, śmiertelnie ranny
Z mojego powodu! Tybalt mój honor
Nadużywane! Tybalt - ten, z którym
Stałem się spokrewniony godzinę temu!

(III, 1, 115. TSCHK)

Jaka burza serca przechodzi Romeo: miłość do przyjaciela zderza się z miłością do Julii. Ze względu na Juliet nie musiałby mścić się na jej krewnym, ale przyjaźń i obowiązek honoru wymagają czegoś innego, a Romeo wykonuje ich rozkazy. Nie myśląc o konsekwencjach, działa pod wrażeniem śmierci przyjaciela. Ten akt, jak wiemy, okazuje się śmiertelny: Romeo, który chciał zrobić pierwszy krok w kierunku pojednania porodu i wyciągnął rękę do Tybalta, zabijając go, dalej wzbudza wrogość i poddaje się książęcej karze. Ona jednak okazuje się względnie miękka - Romeo nie zostaje stracony, a jedynie wydalony, ale dla niego rozstanie z Julią jest równoznaczne ze śmiercią.

Julia nie stroni też od rodzinnych sporów. Podobnie jak Romeo, ona też początkowo myślała, że \u200b\u200bbarierę dzielącą ich rodziny łatwo jest przekroczyć. Wydawało jej się, że Montague to tylko imię i że ludzkość jest ważniejsza niż konflikty rodzinne. Ale kiedy dowiaduje się, że Romeo zabił Tybalta, Juliet wybucha gniewem jak prawdziwy Kapulet; przeklina zabójcę (przy okazji, we wspaniałych oksymoronach):

O krzaku kwiatów z czającym się wężem!
Smok w czarującym przebraniu!
Diabeł piekła z anielską twarzą!
Fałszywy gołąb! Wilk w owczej skórze!
Nic z cechami bóstwa!
Pusta widoczność! Sprzeczność!
Święty i czarny charakter w jednym ciele!
Co natura robi w zaświatach.
Kiedy inspiruje szatana
W tak urzekającym wyglądzie?

(III, 2, 73. BP)

Ale miłość szybko triumfuje nad rodzinnymi uczuciami Julii. Jednostka okazuje się silniejsza niż ogólne uczucie, a Juliet zaczyna mówić dokładnie odwrotnie:

Czy powinienem potępić współmałżonka? Biedny mąż
Gdzie jest dobre słowo do usłyszenia
Kiedy jego żona nie powie
W trzeciej godzinie ślubu? Ach, złodziej
Zabiłem kuzyna!
Ale czy byłoby lepiej, gdybyśmy walczyli
Czy ten złodziej cię zabił, bracie?

(III, 2, 97. BP)

W przypadku Romea i Julii walka duchowa była krótkotrwała - na ogół uczucia są szybkie. Nie trwanie, ale siła jest miarą ich doświadczeń, a ich pasja jest wielka.

Musimy jednak przyznać, że chociaż Romeo i Julia odczuwają sprzeczność swojego stanowiska, w ich miłości nie ma wewnętrznego konfliktu. Nie pozbawia to dzieła tragedii. Piękna, idealna pasja stała w sprzeczności z wrogością kochających się rodzin, sam Hegel przyznał, że takie zderzenie jest dość tragiczne.

W „Julii Cezar” mamy już do czynienia z konfliktem wewnętrznym, który ściśle wiąże się z konfliktem państwowym. Brutus wyznaje:

Straciłem sen od czasu Kasjusza
Opowiedział mi o Cezarze.
Między realizacją strasznych planów
A pierwszym impulsem jest luka
Wygląda jak duch lub zły sen:
Nasz umysł i wszyscy członkowie ciała spierają się ...

(II, 1, 61. MZ)

Makbet mówi to samo (por. I, 7, 1, zob. S. 130). Otwarta natura Brutusa jest obca, aby wejść w tajny spisek, sama idea spisku jest dla niego głęboko nieprzyjemna. Uciekając się do figury podszywania się, Brutus mówi:

O spisku.
Wstydzisz się pojawiać w nocy
Kiedy zło jest spokojne. Więc gdzie jest dzień
Znajdziesz taką ciemną jaskinię
Aby ukryć swoją okropną twarz? Nie ma takiej rzeczy.
Lepiej okryj go uśmiechem:
W końcu, jeśli tego nie upiększasz,
Sam Erebus i cała podziemna ciemność
Zgadnij cię, nie zaszkodzi.

(II, 1, 77. MZ)

Brutus wyraża tutaj obiektywny, autorski stosunek do spisku, ale pokrywa się to z tym, co powinien czuć jako uczciwy Rzymianin. Świadczy o tym jego dalsze zachowanie na scenie zmowy. Kiedy Kasjusz żąda od wszystkich przysięgi, Brutus oświadcza: „Nie ma potrzeby składania przysięgi” (II, 1, 115). Rzymianinowi wystarczy słowo, honor to niezawodna gwarancja wierności sprawie. Cassius proponuje rozprawienie się ze zwolennikami Cezara. Brutus sprzeciwia się krwawej rzezi spisku mającego na celu przywrócenie republiki:

Zbuntowaliśmy się przeciwko duchowi Cezara,
A w ludzkim duchu nie ma krwi.
Och, gdybyśmy nie mogli zabić
Złam ducha Cezara!

(II, 1, 167. MZ)

Brutus żałuje, że bezkrwawy zamach stanu jest niemożliwy. Chciałby się obejść bez rozlewu krwi, nie tylko ze względu na ogólną zasadę człowieczeństwa, ale także ze względu na uczucia, jakie żywi do Cezara. Cassius przekonuje Brutusa, że \u200b\u200bspisek ma na myśli szlachetne cele. Brutus miał nadzieję, że uda się ograniczyć się do eliminacji Cezara. Idealista w polityce, popełnia fatalny błąd dla siebie i dla całego biznesu, twierdząc, że Antoniusz nie powinien zostać zabity. Kiedy po wszystkich perypetiach Brutus popełnia samobójstwo, wypowiada znaczące słowa:

Och, Cezarze, nie rozpaczaj,
Wolę zabić siebie niż ciebie!

(V, 5, 50. MZ)

Fakt, że Brutus pamięta Cezara przed śmiercią, znajduje odzwierciedlenie w jego ciągłym sprawdzaniu, czy postąpił dobrze, podnosząc rękę przeciwko dyktatorowi. Po początkowym wahaniu Brutus wydawał się przekonany o potrzebie zabicia Cezara, ale potem wszystko nie poszło tak, jak się spodziewał. Słuszna przyczyna została pokonana, a to, w jego oczach, poddaje w wątpliwość celowość spisku przeciwko Cezarowi. Brutus do końca zachowuje swoją męstwo psychiczne w obliczu niebezpieczeństwa i śmierci, ale myśl o Cezarze, która go nie opuszcza, jest najlepszym dowodem na to, że nie mógł on samemu usprawiedliwić popełnionego morderstwa.

Oprócz wielu filozoficznych i psychologicznych spekulacji na temat bohatera najsłynniejszej tragedii Szekspira, dla Szekspira i jemu współczesnych, główny problem moralny Hamleta był bliski temu, który zarysował wewnętrzny konflikt Brutusa. Nie odrzucając w żaden sposób filozoficznego znaczenia tragedii, nie można jednak zaniedbać jej fabuły i prawdziwej dramatycznej sytuacji, w jakiej znajduje się bohater.

Pamiętaj: duch nakłada na Hamleta obowiązek zemsty za dwie zbrodnie Klaudiusza - zabójstwo króla i kazirodcze małżeństwo z wdową po bracie (I, 5, 25 i 80). Krytycy zastanawiając się, dlaczego Hamlet po spotkaniu z duchem nie spieszy się od razu do Klaudiusza i nie dźgnie go sztyletem, zapominają o wielu okolicznościach, które Szekspir wprowadził do tradycyjnego gatunku tragedii zemsty, aby wynieść ją poza te wąskie granice i nadać jej uniwersalny ludzki interes. ...

W przeciwieństwie do poprzednich obrazów mścicieli w dramacie angielskiego renesansu, Hamlet nie jest postacią ucieleśniającą tylko jedną zemstę. Jeśli tak, to pytanie, dlaczego jest powolny, miałoby podstawę. Ale Hamlet nie jest jednostronną postacią, mającą w życiu tylko jeden cel - zemstę, ale wieloaspektową osobowość ludzką. Treść tragedii wykracza daleko poza temat zemsty. Miłość, przyjaźń, małżeństwo, relacje między dziećmi i rodzicami, wojna zewnętrzna i bunt w kraju - to zakres tematów poruszonych bezpośrednio w spektaklu. A obok nich problemy filozoficzne i psychologiczne, nad którymi bije myśl Hamleta: sens życia i cel człowieka, śmierć i nieśmiertelność, siła i słabość duchowa, występek i zbrodnia, prawo do zemsty i morderstwa. Ale bez względu na to, jak obszerna jest treść tragedii, ma ona dramatyczny rdzeń.

Zemsty Hamleta nie rozwiązuje się zwykłym uderzeniem sztyletem. Nawet jego praktyczna realizacja napotyka poważne przeszkody. Klaudiusz jest dobrze strzeżony i nie można do niego podejść. Ale przeszkoda zewnętrzna jest mniej znacząca niż moralne i polityczne zadanie, przed którym stoi bohater. Aby się zemścić, musi popełnić morderstwo, czyli tę samą zbrodnię, która spoczywa na duszy Klaudiusza. Zemsta Hamleta nie może być potajemnym morderstwem, musi stać się publiczną karą dla przestępcy. W tym celu konieczne jest, aby wszyscy zrozumieli, że Klaudiusz jest podstawowym mordercą.

Hamlet ma też drugie zadanie - przekonać matkę, że popełniła poważne naruszenie moralne, zawierając kazirodcze małżeństwo. Zemsta Hamleta musi być aktem nie tylko osobistym, ale i państwowym, a on jest tego świadomy. To jest zewnętrzna strona dramatycznego konfliktu.

To komplikuje głębokie załamanie emocjonalne - Hamlet stracił wiarę w wartość życia, w miłość, wszystko wydaje mu się podłe. Aby wykonać powierzone mu zadanie, trzeba mieć wewnętrzne przekonanie, że walka ma sens. Jesteśmy świadkami duchowej walki, której doświadcza bohater. W naszych czasach ta strona tragedii jest najbardziej interesująca, ponieważ ujawnia narodziny ludzkiej psychologii w nowej erze. Ale niestety zbyt często dramat tego procesu jest pomijany z powodu zaniedbania jedności akcji, charakteru i myśli w sztuce. Sprzeczności w zachowaniu i przemówieniach bohatera są konsekwencją specjalnej metody artystycznej zastosowanej przez Szekspira. Jeśli wierzymy w jeden z aksjomatów krytyki Szekspira - że rozwija się charakter Hamleta - to pozostaje tylko przyznać, że rozwój niekoniecznie jest prosty. Szekspir ukazuje rozwój osobowości, który dokonuje się dramatycznie, dlatego naturalne jest, że następuje skokowo i przechodzi z jednej skrajności w drugą.

Powyżej wielokrotnie cytowaliśmy poszczególne fragmenty tragedii „Hamlet”, w których problemy bohatera zostały jednoznacznie wyrażone, więc w tym miejscu wystarczy ograniczyć się do krótkiego wskazania, jak sama tragedia definiuje konflikty zewnętrzne i wewnętrzne. Zbrodnia Klaudiusza to wrzód moralny, który zaraził cały kraj. Dostrzega to nie tylko Hamlet, ale także inne postacie, po części nawet sam Klaudiusz. Powszechna szkoda stawia przed bohaterem pytanie o naturę człowieka i traci wiarę w optymistyczny ideał humanizmu, że człowiek jest z natury dobry. Trudność zadania wymaga od Hamleta zrozumienia dróg i celów zemsty. Na tej podstawie powstaje rozdźwięk między myślą a wolą, pragnieniem i działaniem. Starając się kierować rozsądkiem Hamlet działa jednak impulsywnie, a jego pochopne działania stwarzają Klaudiuszowi okazję do znalezienia sojusznika w walce z księciem, która staje się bezpośrednią przyczyną śmierci bohatera.

Hamlet jest świadomy niższości swojej osobowości, rozumie niebezpieczeństwo wewnętrznej niezgody. Rozumie, że nie tylko występek, ale nawet mała wada, słabość plami człowieka. Szekspir, posługując się techniką dramatycznej ironii, w przemówieniach bohaterów wprowadza niekiedy ogólne myśli i na początku wydaje się, że mają one znaczenie czysto zewnętrzne, podczas gdy w rzeczywistości dotyczą istoty akcji. Kiedy Hamlet na początku tragedii idzie ze strażnikami, aby zobaczyć, czy pojawi się duch, w pałacu odbywa się uczta. Hamlet opowiada o tym, że za Klaudiusza w Danii doszło do powszechnego pijaństwa, hańbiącego cały kraj. Chociaż miłość do wina nie jest najstraszniejszą z wad, jest to wielkie nieszczęście dla reputacji ludzi. W związku z tym Hamlet zauważa:

Dzieje się tak również w przypadku indywidualnej osoby,
To na przykład znamię,
W którym jest niewinny, bo to prawda
Nie wybrałem swoich rodziców,
Albo dziwny rodzaj duszy, przed którym
Umysł się poddaje lub wada
W manierach, obraźliwych nawykach, -
Jednym słowem zdarza się, że to pusty błąd
Czy w rodzinie, czy własnej, niszczy człowieka
W opinii wszystkich bądź jego męstwem,
Jako łaska Boża są czyste i niewypowiedziane.
A wszystko z tej głupiej kropli zła,
I natychmiast wszystko, co dobre, idzie w błoto.

(I, 4, 23. BP)

Całe otaczające życie rozpada się z kropli zła przenikającej do ludzkich dusz. Ale to nie wszystko. Bohaterowie Szekspira obdarzeni są szczególnym poczuciem osobistej godności, mają niewielką wewnętrzną świadomość swojej cnoty. Moralność humanistyczna zapożyczona z rycerskości ideę, że moralna wartość powinna być publicznie pokazywana i zyskiwać publiczne uznanie. Dlatego dla Hamleta kwestia jego reputacji ma niemałe znaczenie. Chcąc walczyć udawał szaleńca, zachowywał się dziwnie, ale gdy nadchodzi ostatnia chwila rozstania z życiem, nie chce go skażać. Jego ostatnim życzeniem jest, aby Horatio powiedział prawdę o nim „niewtajemniczonym” (V, 2, 352). Boi się zostawić „zranione imię” (V, 2, 355). Kiedy Horatio chce wypić truciznę, aby umrzeć z przyjacielem, Hamlet go powstrzymuje:

Bądź moim przyjacielem i poświęć błogość
Oddychaj ciężkim powietrzem ziemi.
Pozostań na tym świecie i powiedz
O moim życiu

(V, 2, 357. BP)

Nie trzeba dodawać, że okoliczności życia i śmierci Hamleta są trudne, ale przez całą tragedię przewija się myśl o jego szlachetności jako osobie i o tym, jak trudno jest pozostać nieskażonym w zatrutym złem świecie.

W Othello bohater popełnia błąd, a prawdziwe znaczenie tego, co zrobił, ujawnia mu się zbyt późno. W Makbecie bohater od samego początku wie, na czym polega istota jego tragedii; Szekspir wkłada w usta Makbeta słowa, które wyrażają istotę wewnętrznego konfliktu bohatera:

Przez chwilę dasz cholerny przykład,
Da ci lekcję.
Wlewasz truciznę do pucharu, ale sprawiedliwość
Wprowadza tę truciznę do twoich ust.

(I, 7, 8. BP)

Popełniając morderstwo, Makbet pozbawił się spokoju - zasnął nożem, -

Niewinny sen, ten sen
To cicho zwija nici
Z plątaniny zmartwień chowa dni w pokoju,
Daje odpoczynek zmęczonym pracownikom
Uzdrawiający balsam duszy
Sen to cud matki natury
Najsmaczniejsze danie na ziemskiej uczcie.

(II, 2, 37. BP)

Przez swoje zbrodnie Makbet umieścił się poza ludzkością. Zamiast oczekiwanych korzyści korona przyniosła mu ciągły niepokój, odrzucił wszystkich od siebie i pozostał w straszliwej samotności:

Przeżyłam
Do jesieni do żółtego liścia.
To, co rozjaśnia naszą starość -
Za oddanie, miłość i grono przyjaciół, -
Nie mam prawa liczyć. Pomstowanie,
Pokryty tchórzliwym pochlebstwem, -
To mi zostało, tak, oddech życia
Którego nie miałbym nic przeciwko temu
Ilekroć mogłem się z nią rozstać.

(V, 3, 22. BP)

Straszliwa walka duchowa, którą przeszedł, okropności, którymi wypełnił życie kraju - wszystko okazało się daremne. Makbet dochodzi do wniosku, że życie jest generalnie jałowe, utożsamia je z efemerycznym przedstawieniem teatralnym i osobą z aktorem, który na chwilę krzywi się na scenie. Te myśli wyrażone są w tak imponującej poetyckiej formie, że można je pomylić z opinią samego Szekspira. Ale ten wspaniały monolog jest nierozerwalnie związany z osobistym losem Makbeta: „hałas i wściekłość” okazały się bezużyteczne w jego życiu, a nie w ogóle, gdyż sprzeciwia się temu „oficjalny” morał sztuki, wyrażony zwycięstwem Malcolma. Ale ta niewątpliwie pozytywna postać wygląda blado obok „negatywnego” Makbeta i nie budzi żadnych emocji, podczas gdy w osobowości złoczyńcy jest pewna magiczna atrakcja. Bezwarunkowo potępiając zbrodnię Makbeta, Szekspir ujawnił swoją ludzką tragedię, nie łagodząc w najmniejszym stopniu poczucia winy.

W King Lear nie warto w ogóle mówić o winie bohatera. Szekspir bardzo dokładnie określił stopień winy starego króla, wkładając w usta słowa:

Nie jestem taki
Grzeszny przed innymi, jak inni -
Przede mną.

(III, 2, 60. BP)

Stary król przyznaje, że popełnił błąd, a błazen nie męczy się przypominaniem, że nawet wyrzucona przez niego Cordelia Lear nie pozbawiła go sposobu, w jaki pozbawiły go starsze córki. Tragedia Leara nie jest związana ze zbrodnią, chociaż naruszył porządek życia, dokonując podziału królestwa i przeklinając swoją najmłodszą córkę. Ale nieszczęście, które przydarzyło się Learowi, jest zewnętrzną stroną tragedii. Jak wiadomo, jego istota polega na szoku psychicznym, przez który dochodzi do zupełnie nowego rozumienia życia. Jego ideałem jest czyste człowieczeństwo, wolność od tych społecznych zobowiązań i powiązań, które uniemożliwiają ludziom bycie człowiekiem w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Ten ideał, po wszystkich próbach, znajduje w Cordelii. To dla niego prawdziwe szczęście, że ona zapomniawszy o zniewadze, poruszona czystą miłością, powróciła wyłącznie po to, by mu pomóc. Powrót Cordelii jest jakby ukoronowaniem prawdy o życiu, którą Lear znalazł w swoim cierpieniu. Leży w miłości i miłosierdziu. Cordelia jest ich żywym ucieleśnieniem. Stracić Cordelię, teraz, gdy cały sens życia był skoncentrowany na niej, oznaczało, że Lear stracił wszystko. Wyciągając córkę z pętli, Lear myśli, że ożyje, a potem budzi się w nim nadzieja:

ten moment
Odkup wszystko, co wycierpiałem w życiu.

(V, 3, 265. BP)

Ale mylił się i jego smutek nie ma granic:

Biedak został uduszony! Nie, nie oddycha!
Koń, pies, szczur mogą żyć,
Ale nie dla ciebie. Odeszłaś na zawsze
Na zawsze, na zawsze, na zawsze, na zawsze, na zawsze!

(V, 3, 305. BP)

Najpiękniejsza z żywych istot ginie, a niższe gatunki świata zwierzęcego (czytelnik pamięta oczywiście wielki łańcuch bytów) zachowują swoje istnienie. Tak metaforycznie wyraża się zwycięstwo zła nad dobrem. Na starość Lear doświadczył zbyt wiele, więcej niż człowiek może znieść i umiera. Kiedy Edgar próbuje ożywić Leara, Kent go zatrzymuje:

Nie dręczcie. Pozostawiać
Jego duch jest spokojny. Pozwól mu odejść.
Kim musisz być, żeby znowu podjechać
Jego życie w mękach?

(V, 3, 313. BP)

Mark Antony jest dwukrotnie przedstawiany przez Szekspira. Po raz pierwszy widzimy go w „Julii Cezar”, a tu pojawia się jako przebiegły polityk, sprytny demagog, a co najważniejsze człowiek, który całkowicie nad sobą panuje. W Antonii i Kleopatrze już taki nie jest. To prawda, że \u200b\u200bzachował zdolność do przebiegłości w polityce, ale wszystko, co zdecyduje z powodu rozsądku, jest następnie obalone przez namiętność.

Tragedia Antoniego została już zdefiniowana w pierwszym przemówieniu, które otwiera dramatyczną opowieść o rzymskim triumwirze i egipskiej królowej:

Nasz dowódca jest kompletnie szalony!
To dumne spojrzenie, które przed wojskiem
Lśnił jak Mars, odziany w zbroję
Teraz naprzód z radością modlitwy
W ładną cygańską twarz
A serce jest potężne, od którego ciosów
Klamry pancerza były rozdarte w bitwach,
Teraz pokornie służy jako wachlarz,
Zapał miłosny libertyńskiego chłodu.

(I, 1, 1 MD)

W istocie jest to nic innego jak prolog, przemówienie, które przedstawia treść spektaklu, jego główną dramatyczną sytuację. Kiedy Antoniusz doświadczył całej goryczy zdrady Kleopatry i beznadziejności porażki, powtarza to samo:

O leżące egipskie stworzenie! ..
O czarach! Powinna była wyglądać -
I rzuciłem żołnierzy do bitwy.
Pomyśleć, że to jej ramiona
Korona moich pragnień, cel życia!
I oto ona, jak prawdziwa Cyganka,
Zostałem oszukany
I zostałem żebrakiem.

(IV, 10, 38. MD)

Antoni stracił władzę nad światem, ale nie stracił swojej ludzkiej sprawności. Pasja do Kleopatry okazała się fatalna, ale jego życie nie było bynajmniej wstydliwe. Po porażce popełnia samobójstwo, ale bez psychicznego załamania Makbeta. Życie Antoniego nie było wolne od błędów i kompromisów, ale zawsze pozostawał sobą, chociaż jego dusza rozdzieliła się na dwoje, gdy musiał wybierać między swoimi zainteresowaniami politycznymi a pasją do Kleopatry. A jednak ma prawo, podsumowując swoje życie, powiedzieć Kleopatrze o sobie:

Nie myśl o smutnym zakręcie
I moja śmierć, ale powróć w myślach
Przez szczęśliwsze dni
Kiedy posiadając największą moc,
Użyłem go szlachetnie.
A teraz nie kończę niechlubnie
I nie proszę o litość, zdejmując hełm
Przed rodakiem, ale Rzymianinem ginę
Z rąk rzymskich.

(IV, 13, 51. BP)

Ta samoocena Antoniego jest wspierana przez opinię przeciwników, którzy dowiedzieli się o jego śmierci. Jeden z nich, Agryppa, mówi:

Rzadcy są władcy z taką duszą
Ale bogowie, aby ludzie nie pytali,
Dostaliśmy słabości.

(V, 1, 31. AA)

Antony nie jest przestępcą jak Makbet. Jeśli jego zachowanie spowodowało zło, to przede wszystkim dla niego samego. Jest osobą ze słabościami, która popełnia błędy, ale nie jest złośliwa. Należy to podkreślić; Maksyma Agryppy musiała zostać ponownie przetłumaczona, ponieważ wszystkie dostępne tłumaczenia mówią, że ludzie są obdarzeni wadami, podczas gdy w oryginale chodzi tylko o błędy, niedociągnięcia, słabości - pewne wady. Ten szczegół ma zasadnicze znaczenie dla moralnej charakterystyki bohatera.

Wśród dramatów Szekspira „Antoniusz i Kleopatra” bardziej niż inne ma prawo nazywać się heroiczną tragedią. Dramatyzuje los człowieka rzadkiego ducha, którego wielkość i szlachetność podkreślają wszyscy - zarówno zwolennicy, jak i przeciwnicy.

W Koriolanie Szekspir nie użył swojej zwykłej metody wyrażania centralnych idei sztuki ustami bohaterów. Jest to naturalne, ponieważ w naturze Koriolana nie leży oddawanie się pomysłom. Jest człowiekiem czynu, nie myśli, a także niezwykle impulsywnym. Kieruje się uczuciami i nie wie, jak je kontrolować. Ale w sztuce jest jeszcze jedna postać, której powierzono funkcję pośrednika we wszystkich dramatycznych sytuacjach spektaklu - Menenius Agrippa. Można powiedzieć, że jest myślicielem, chociaż jego osobisty stosunek do tego, co się dzieje, nie jest bynajmniej bezstronny. Jest zainteresowany uczestnikiem wydarzeń, zajmuje bardzo określone stanowisko.

Taki opis Coriolanusa podaje Menenius, który wyjaśnia nieuchronność nieuchronnego konfliktu między bohaterem a rzymskimi plebsami. Według Meneniusa, Coriolanus jest „zbyt szlachetny dla tego świata”, dumny i nieugięty, -

Trójząb Neptuna i grzmot Jowisza
I nie zmuszą go, żeby mu schlebiał.
Jego myśl jest nierozerwalnie związana ze słowem:
Co powie serce, język się powtórzy.
W chwilach złości zapomina,
Co oznacza słowo „śmierć”?

(III, 1, 255. Wielka Brytania)

Chociaż pod naciskiem matki i patrycjuszy Coriolanus podejmował próby kompromisu z tłumem i udawał uległość, trybunowie Brutus i Sicinius, znając dobrze jego naturę, z łatwością wywołali konflikt. Przed spotkaniem z Koriolanem Brutus uczył Siciniusa:

Po prostu spróbuj go rozwścieczyć.
Przyzwyczaił się do wszystkiego, także w sporach,
Być pierwszym. Jeśli go wkurzysz
Całkowicie zapomni o ostrożności
I wyłoży nam wszystko, co jest w jego sercu
Ciężki. I to wystarczy
Przełamać grzbiet Marcia.

(III, 3, 25. Wielka Brytania)

I tak się stało. Jedyną rzeczą, co do której trybunowie się mylili, było to, że nie mogli złamać Koriolana, ale udało im się ustawić go na zawsze z ludem. Dumny dowódca jest gotowy na wszystko, ale nie na pokorę:

Nie kupię miłosierdzia potulnym słowem,
Nie przyjmuję za wszystkie dobre rzeczy na świecie ...

(III, 3, 90. Wielka Brytania)

Jest przekonany, że bez niego, bez jego waleczności, Rzym jest niczym i może zginąć, a na wyrok wygnania odpowiada: „Ja cię wypędzam” (III, 3, 123). Wyjeżdża z Rzymu w przekonaniu, że najważniejsze jest być sobą. Żegnając się z rodziną i przyjaciółmi, mówi: „nigdy / nie powiedzą Ci, że Marcius stał się inny / niż kiedyś” (IV, 1, 51. UK).

Jednak Coriolanus jest wkrótce zmuszony przyznać, że nie pozostał taki sam jak wcześniej. Świat się zmienia, ludzie się zmieniają, zmieniają się relacje: przyjaciele zamieniają się w wrogów, a wrogowie w przyjaciół:

Czy to nie to samo ze mną? Nienawidzę
Miejsce, w którym się urodził i kochał
To jest miasto wroga.

(IV, 4, 22. UK)

Koriolan, który niegdyś ryzykował życie dla Rzymu, jest teraz gotów z niego zrezygnować, by pomścić przestępstwo wyrządzone mu przez Rzym. Jednak, jak wiemy, Coriolanus odmówił zemsty, gdy przyszła do niego jego matka, żona i syn. W jego duszy była niezgoda. Avfidiy zauważył to: „Wasz honor i współczucie / Weszliśmy w kłótnię” (V, 4, 200. YK). W imię swego honoru, oburzony Rzymem, Koriolan powinien był zemścić się, tak jak zamierzał, ale błagania jego bliskich, współczucie dla nich, złamały jego wolę. Zdaje sobie sprawę, że taka zmiana może być dla niego fatalna i mówi do matki:

Szczęśliwe zwycięstwo
W Rzymie wygrałeś, ale wiesz
Że syn jest groźny, może śmiertelny
Narażony na niebezpieczeństwo.

(V, 3, 186. Wielka Brytania)

Złe przeczucia nie oszukały Coriolanusa. Authidius wykorzystał fakt, że rzymski dowódca okazał miłosierdzie, które wcześniej nie było dla niego charakterystyczne. To go zabiło. Paradoks losu Coriolanusa polega na tym, że zarówno dobro, jak i zło były dla niego równie zgubne. Nie okazywał łagodności, która mogłaby go nie tylko uratować, ale także wywyższyć; zamiast tego zamanifestował to, kiedy jego śmierć z rąk Volska była nieunikniona.

Ciekawe jest jedno z przemówień wroga Koriolana - Aufidiasa. Zastanawiając się, co pokłóciło rzymskiego bohatera z ludem, wymienia kilka możliwych powodów. Cytując, dzielę przemówienie na osobne fragmenty:

1. Albo duma, która towarzyszy szczęściu,
Zdezorientował go;
2. to jest brak umiejętności
Używaj mądrze tego, co było
W jego rękach;

3. i jednocześnie, jak widać,
Nie mógł zmienić swojej natury,
I zdejmując hełm, usiadł na ławce w Senacie,
W czasie pokoju zachowywał się groźnie
I bezwzględnie, jak na wojnie.

(IV, 7, 37. AA)

Według Aufidiy, jeden z tych powodów wystarczy, aby wywołać nienawiść do ludzi i zostać wydalonym z Rzymu. On sam nie wie, które z nich doprowadziły do \u200b\u200bzerwania bohatera z rodzinnym miastem. Widzowie mogą zobaczyć: Coriolanus był nadmiernie dumny; nie wykorzystał owoców swego zwycięstwa, aby zająć dominującą pozycję w Rzymie; nie wiedział, jak zmienić swoją naturę i udawać.

Timon z Aten to dzieło, którego konflikt zewnętrzny jest ściśle spleciony z wewnętrznym. Timon został zrujnowany przez hojność. Jego kamerdyner jasno określa, czym jest tragedia bohatera:

Mój biedny panie, upadłeś na zawsze
Zrujnowany twoją dobrocią!

(IV, 3, 37. PM)

Podkreśla, że \u200b\u200bto dziwne - życzliwość staje się źródłem nieszczęścia dla kogoś, kto jest dobry. Przekonany o ludzkiej niewdzięczności Timon przepojony jest nienawiścią do ludzi. Jednak, jak wspomniano powyżej, jego nienawiść jest tym silniejsza, im bardziej kochał ludzi. Na tym polega różnica między Timonem a Apemantem, który zawsze miał złą opinię o ludziach. Cyniczny Apemant śmieje się z ludzi, Timon cierpi z powodu tego, że zmieniają prawdziwe człowieczeństwo.

Treść tragedii jest szersza niż poruszona w wypowiedziach bohaterów. Problemy życiowe, jakie stawia Szekspir, były przedmiotem wielu dogłębnych studiów, a to, co tu zostało powiedziane, nie ma na celu pełnego wyjaśnienia arcydzieł Szekspira. Zadanie było znacznie skromniejsze - pokazać, że główne motywy tragedii wskazał sam Szekspir. Krytyka, odchodząc od tego, co powiedział dramaturg, może być interesująca sama w sobie, otwierać nowe aspekty we współczesnym rozumieniu problemu tragizmu, ale jeśli nie oprze się na tekście Szekspira, to jej znaczenie dla zrozumienia dzieł wielkiego dramaturga będzie bardzo względne.

Jednocześnie, choć zwyczajowo mówi się, że Szekspir jest nieograniczony, jego myśl ma również swoje granice. Szekspir dał w swoim dziele tak wiele, że nie ma potrzeby podnosić jego znaczenia dla naszych czasów, przypisując mu coś, czego w żadnej formie nie mogło być w jego myślach. Czasami mylimy bodźce otrzymane do przemyślenia z tym, co zawiera praca, która je spowodowała.

Chociaż tragedie Szekspira uważane są za szczyt jego twórczości, panował ogólny konsensus, że dla niego nie były one ostatnim słowem, jakie mógł powiedzieć o życiu artysty. Jego twórcza myśl nie była zadowolona z tego, co osiągnął. Tworząc tak majestatyczne i piękne dzieła, Szekspir zaczął szukać nowych dróg.

Uwagi

N. Berkovsky. Romeo i Julia w swojej książce: Literature and Theatre. M., „Art”, 1969, s. 11–47; V. Bakhmutsky. O tragedii Szekspira „Romeo i Julia”, w kolekcji: Szekspir na scenie i na ekranie. M., Ed. VGIK. 1970, str. 55-76.

Zobacz Hegla. Aesthetics, tom 1. M., „Art”, 1968, s. 224.

Yu Shvedov. Juliusz Cezar Szekspira. M., „Sztuka”, 1971.

Najnowszą literaturę dotyczącą Hamleta patrz: I. Vertsman. Hamlet Szekspira. M., „Fiction”, 1964; Kolekcja Szekspira 1961. Wyd. WTO, artykuły A. Aniksta, I. Vertsmana, G. Kozintseva, M. Astangova, D. Urnova, V. Klyueva, N. Zubovej; A. Anikst. „Hamlet, książę Danii” w książce. Szekspir, Dzieła zebrane w ośmiu tomach, t. 6. M, „Sztuka”, 1960, s. 571–627; M.V. Urnov, D. AD. Urnov. Szekspir, jego bohater i jego czas. M., „Science”, 1964, str. 125-146; G. Kozintsev. Nasz współczesny William Shakespeare. Ed. 2nd. M.-L., "Art", 1966. W zbiorze: William Shakespeare. 1564-1964. M., "Science", 1964, artykuły: A. Kettle. Hamlet, s. 149–159, K. Muir. Hamlet, ss. 160–170.

N. Berkovsky. Artykuły o literaturze. M.-L., GIHL, 1962, str. 64-106. Yu Shvedov. Otello, tragedia Szekspira. M., „Szkoła średnia”, 1969; J.M. Matthews. Otello i godność ludzka. W książce: Szekspir w zmieniającym się świecie. M., „Progress”, 1966, s. 208-240; Kolekcja Szekspira 1947. Wyd. WTO, artykuły G. Boyadzhiev (s. 41–56) i G. Kozintsev (s. 147-174).

V. Komarov. „Coriolanus” i sprzeczności społeczne na początku XVII wieku w Anglii. W książce: Shakespeare collection 1967. M., red. WTO str. 211–226.

Podczas zajęć

Wprowadzenie nauczyciela

Określenie tematu lekcji, wyznaczenie celów

Dziś porozmawiamy o twórczości wielkiego angielskiego pisarza W. Szekspira. Chciałbym zacząć od słów AV Łunaczarskiego o tym pisarzu: „… On był zakochany w życiu. Widzi ją w sposób, którego nikt nie widział przed nim ani po nim: widzi strasznie szeroko. Widzi wszystko, co dobre i złe, widzi przeszłość i możliwą przyszłość. Głęboko zna ludzi, serce każdego człowieka ... i zawsze, czy patrzy w przeszłość, czy wyraża teraźniejszość, czy tworzy swój własny typ, wszystko żyje pełnią życia ”.

O słuszności tych słów przekonamy się analizując tragedię Szekspira „Hamlet” i upewnimy się, że rzeczywiście z jego dzieł rodzi się poczucie pełni życia.

Niestety, o życiu Szekspira wiemy mniej, niż byśmy chcieli, bo w oczach współczesnych nie był on bynajmniej tak wielkim człowiekiem, jak rozpoznawały go kolejne pokolenia. Nie było dzienników, listów, wspomnień współczesnych, nie mówiąc już o szczegółowej biografii. Wszystko, co wiemy o Szekspirze, jest wynikiem długich i dokładnych badań naukowców od XVIII wieku. Ale to nie znaczy, że osobowość Szekspira jest całkowicie przed nami ukryta.

student przedstawia sprawozdanie z biografii i twórczości Szekspira

Teraz, gdy znamy już kilka faktów z biografii pisarza, przejdźmy do samej tragedii „Hamlet”.

Ale najpierw zdefiniujmy pojęcia literackie.

Teoria (praca z terminami)

Tragedia
Konflikt
Wiązanie
Punkt kulminacyjny
Wymieniać
Wieczny obraz

Tragedia „Hamlet”

Słowo nauczyciela

Tragedia „Hamlet” to jeden z najważniejszych szczytów twórczości Szekspira. Razem z tym jest to najbardziej problematyczne ze wszystkich dzieł pisarza. O tym problematycznym charakterze decyduje złożoność i głębia treści tragedii, pełnej znaczenia filozoficznego.

Szekspir zwykle nie wymyślał historii do swoich sztuk. Wziął wątki znane już w literaturze i potraktował je dramatycznie. Zaktualizował tekst, nieco zmodyfikował rozwój akcji, pogłębił charakterystykę postaci, w wyniku czego z pierwotnej koncepcji pozostał tylko schemat fabularny, ale z nowym nabytym znaczeniem. Tak było z „Hamletem”.

Fabuła tragedii (wiadomość od ucznia)

Prototypem bohatera był pół-legendarny książę Amlet, którego imię znajduje się w jednej z islandzkich sag. Pierwszy literacki pomnik, który opowiada sagę o zemście Amleta, należał do pióra średniowiecznego duńskiego kronikarza Sansona Grammar (1150-1220).Krótka opowieść o historii księcia Amleta.

To jest prawdziwa historia, którą Szekspir wziął za podstawę.

Należy zauważyć żepoważna zmiana , którą Szekspir stworzył w fabule starożytnej legendy, polegał na tym, że w całym splocie wydarzeń umieściłosobowość bohatera , który stara się zrozumieć, dlaczego człowiek żyje i jaki jest sens jego istnienia.

Główne pytanie lekcji

Jakie jest znaczenie tragedii Szekspira „Hamlet”?

Czy problemy poruszone w tragedii są nadal aktualne?

Pracuj z tekstem

Po pierwsze, podstawą dramatycznej kompozycji są losy duńskiego księcia.

Jego ujawnienie jest skonstruowane w taki sposób, że każdemu nowemu etapowi akcji towarzyszy jakaś zmiana pozycji lub stanu umysłu Hamleta.

- Kiedy Hamlet pojawia się przed nami po raz pierwszy?

O czym są jego pierwsze przemówienia?

Pierwsze słowa bohatera ujawniają głębię jego żalu; żadne zewnętrzne znaki nie są w stanie przekazać tego, co dzieje się w jego duszy.

- Analiza pierwszego monologu. O czym jest ten monolog? Dlaczego Hamlet mówi, że ma dość całego świata? Z jakiego powodu? Czy to tylko z powodu śmierci jego ojca?

- Jaka jest fabuła tragedii?

1. Fizyczna i moralna śmierć człowieka (śmierć ojca i moralny upadek matki).

2. Spotkanie Hamleta z duchem.

Pierwszy monolog ujawnia nam charakterystyczną cechę Hamleta - chęć uogólnienia pewnych faktów. To był tylko prywatny dramat rodzinny. Dla Hamleta wystarczyło jednak uogólnienie: życie to „bujny ogród, w którym rodzi się tylko jedno ziarno; w nim króluje dziki i zło. "

Tak więc 3 fakty wstrząsnęły moją duszą:

Nagła śmierć ojca;

Miejsce ojca na tronie iw sercu matki zajęła osoba niegodna w porównaniu ze zmarłym;

Matka zmieniła pamięć o miłości.

Od ducha Hamlet dowiaduje się, że śmierć jego ojca jest dziełem Klaudiusza. „Morderstwo samo w sobie jest podłe; ale to jest najbardziej obrzydliwe i nieludzkie ze wszystkich ”(1d., 5 aplikacji).

Bardziej obrzydliwe - skoro brat zabił brata, a żona zdradziła męża, najbliżsi krwią ludzie okazali się najgorszymi wrogami, stąd - zgnilizna niszczy same podstawy ludzkiego życia („Coś zgniło w państwie duńskim”).

W ten sposób Hamlet dowiaduje się, że zło nie jest filozoficzną abstrakcją, ale straszną rzeczywistością, która jest obok niego, w ludziach bliskich krwi.

- Jak rozumiesz słowa „Stulecie się rozpadło”?

Naruszono wieczne podstawy życia (życie było przed innym i zło w nim nie panowało).

- Dlaczego powierzone mu zadanie jest przez niego odbierane jako przekleństwo?

Hamlet czyni zadanie osobistej zemsty kwestią przywrócenia całego zniszczonego moralnego porządku świata.

Zanim zacznie żyć naprawdę, jak na człowieka przystało, musi jeszcze najpierw tak zorganizować życie, aby odpowiadało zasadom człowieczeństwa.

- Jak więc Hamlet pojawia się przed nami na początku tragedii?

Naprawdę szlachetny. To osoba, która po raz pierwszy w życiu spotkała się ze złem i całą duszą poczuła, jakie to straszne. Hamlet nie godzi się ze złem i zamierza z nim walczyć.

- Jaki jest konflikt tragedii? Co to jest konflikt wewnętrzny i zewnętrzny?

Na zewnątrz - książę i nisko położone otoczenie duńskiego dworu + Klaudiusz.

Wewnętrzna - duchowa walka bohatera.

- Dlaczego Hamlet ogłasza się szalonym? Czy jego szaleństwo jest tylko udawane, czy naprawdę wariuje?

Hamlet to człowiek, który czuł, co się stało z całą jego istotą, a szok, jakiego doznał, niewątpliwie wytrącił go z równowagi. Jest w stanie największego zamieszania.

Dlaczego Hamlet nie zareagował natychmiast po podjęciu się zemsty?

- Zidentyfikuj kulminację tragedii.

Monolog „Być albo nie być ...” (3d., 1 zał.)

Więc jakie jest pytanie („co jest szlachetniejsze w duchu?”)

Szok na pewien czas pozbawił go zdolności do działania.

Musiał się upewnić, do jakiego stopnia może zaufać słowom ducha. Aby zabić króla, musisz nie tylko przekonać samego siebie o jego winie, ale także przekonać innych.

“Scena w scenie ”-„ pułapka na myszy ”.

Jakie jest znaczenie tej sceny?

Należy postępować zgodnie z najwyższą koncepcją człowieczeństwa.

Pytanie „Być albo nie być?” kończy się pytaniem „Żyć czy nie żyć?”

Śmierć jawi się Hamletowi w całej swej bolesnej namacalności. Powstaje w nim lęk przed śmiercią. Hamlet osiągnął najwyższą granicę swoich wątpliwości. Więc. Postanawia walczyć, a groźba śmierci staje się dla niego realna: zdaje sobie sprawę, że Klaudiusz nie pozostawi przy życiu człowieka, który rzuci mu w twarz zarzut morderstwa.

- Dlaczego Hamlet nie zabija Klaudiusza, kiedy modli się w jednej z galerii pałacu?

Modlitwa oczyszcza duszę Klaudiusza (ojciec zmarł bez rozgrzeszenia).

Klaudiusz klęka plecami do Hamleta (naruszenie zasad szlachetnego honoru).

- Jaki jest wynik tragedii? Jak teraz widzimy Hamleta?

Teraz mamy przed sobą nowego Hamleta, który nie zna poprzedniej niezgody; jego wewnętrzny spokój łączy się z trzeźwym zrozumieniem niezgody między życiem a ideałami. Belinsky zauważył, że Hamlet w końcu odzyskuje duchową harmonię.

Boleśnie spotyka swoją śmierć. Jego ostatnie słowa: „Dalej - cisza”. Tragedia Hamleta zaczęła się wraz ze śmiercią jego ojca. Postawiła w nim pytanie: czym jest śmierć. W monologu „być albo nie być…” Hamlet przyznał, że sen śmierci może być nową formą ludzkiej egzystencji. Teraz ma nowe spojrzenie na śmierć: sen czeka na niego bez przebudzenia, dla niego wraz z końcem ziemskiej egzystencji zatrzymuje się życie ludzkie.

- Więc jaka jest tragedia Hamleta?

Tragedia polega nie tylko na tym, że świat jest straszny, ale także na tym, że musi zanurzyć się w otchłań zła, aby z nim walczyć. Zdaje sobie sprawę, że on sam jest daleki od doskonałości, jego zachowanie ujawnia, że \u200b\u200bzło, które panuje w życiu, do pewnego stopnia go oczernia. Tragiczna ironia okoliczności życiowych prowadzi Hamleta do tego, że działając jako mściciel za zamordowanego ojca, zabija także ojca Laertesa i Ofelii, a Laertes mści się na nim.

Podsumowanie lekcji. Odbicie

- Jaki jest główny problem tragedii, jej główne pytanie?

(prezentacja prezentacji studenckich)

W pracy można mówić o problemie zemsty i królobójstwa.

W centrum tragedii jest kwestia , zawarte w całej postaci Hamleta. Rozwiązanie tego problemu wiąże się przede wszystkim z samym człowiekiem, z jego zdolnością do tego, by samemu stać się godnym swojego ideału.

Hamlet ukazuje obraz osoby, która przechodząc przez niewiarygodne cierpienie nabiera odwagi odpowiadającej humanistycznemu ideałowi osobowości.

Praca domowa

Co byś powiedział Hamletowi, gdybyś go spotkał?

(dyskusja studencka jest możliwa)

Niedaleko Elsinore, duńskiego pałacu królewskiego, żołnierze kilkakrotnie widzieli ducha, niezwykle podobnego do niedawno zmarłego króla. Wiadomość dociera do duńskiego księcia Hamleta i postanawia zobaczyć ducha. Spotkanie Hamleta z nim przeraża i dezorientuje - duch powiedział mu, że jego wujek, obecny król, zabił go i zapisał zemstę swojemu synowi. Hamlet jest tak zdumiony i zdezorientowany, że postanawia udawać wariata. Próbuje zdobyć niezbite dowody winy Klaudiusza. Król, zgadując, że " Hamlet nie oszalał, ale udaje w jakimś celu”, Wysyła do niego swoich przyjaciół - Rosencrantza i Guildensterna, aby za stosowną nagrodę dowiedzieli się, co tak naprawdę myśli Hamleta. Ale Hamlet, rozumiejąc prawdziwy cel ich przybycia, nic im nie zdradza, odpowiadając na ich pytania bezsensownymi monologami.

W tym czasie do Elsinore przybywa trupa wędrownych aktorów. Hamlet prosi ich o wystawienie sztuki The Murder of Gonzago, wstawiając tam kilka wersów swojej kompozycji. Tak więc „Murder of Gonzago” będzie przedstawiać zabójstwo byłego króla na podstawie słów ducha. Król uważnie śledzi akcję sztuki i odchodzi po popełnieniu morderstwa w sztuce Hamleta. Następnie Hamlet udaje się do komnat królowej, przed rozmową przypadkowo zabija królewskiego doradcę Poloniusza, chowającego się za dywan. Następnie rozmawia z matką, wyrzucając jej, że poślubiając Klaudiusza, obraziła swojego byłego męża. Król, zdając sobie sprawę, że Hamlet jest dla niego niebezpieczny, wysyła go do Anglii na egzekucję natychmiast po przyjeździe. Książę ucieka przed tym losem i wraca do Danii. Wujek ucieka się do już przetestowanej metody - trucizny. Hamlet umiera, zabijając króla przed śmiercią. Duński tron \u200b\u200bprzechodzi do Fortinbrasa, norweskiego władcy. Podstawą dramatycznej kompozycji są losy księcia Danii.

Jego ujawnienie jest skonstruowane w taki sposób, że każdemu nowemu etapowi akcji towarzyszy jakaś zmiana pozycji lub stanu umysłu Hamleta.

3 fakty wstrząsnęły moją duszą:

• Nagła śmierć ojca;
• Miejsce ojca na tronie iw sercu matki zajęła osoba niegodna w porównaniu ze zmarłym;
• Matka zmieniła pamięć o miłości.

Od ducha Hamlet dowiaduje się, że śmierć jego ojca jest dziełem Klaudiusza. „Morderstwo samo w sobie jest podłe; ale to jest najpodlejsza ze wszystkich i najbardziej nieludzka "

Bardziej obrzydliwe - skoro brat zabił brata, a żona zdradziła męża, najbliżsi krwią ludzie okazali się najgorszymi wrogami, stąd - zgnilizna niszczy same podstawy ludzkiego życia („Coś zgniło w państwie duńskim”).

W ten sposób Hamlet dowiaduje się, że zło nie jest filozoficzną abstrakcją, ale straszną rzeczywistością, która jest obok niego, w ludziach bliskich krwi.

W centrum tragedii jest kwestia CZŁOWIEKA zawarta w całej postaci Hamleta. Rozwiązanie tego problemu wiąże się przede wszystkim z samym człowiekiem, z jego zdolnością do tego, by samemu stać się godnym swojego ideału.

Hamlet ukazuje obraz osoby, która przechodząc przez niewiarygodne cierpienia nabiera odwagi odpowiadającej humanistycznemu ideałowi osobowości.

Hamlet wie, że jego obowiązkiem jest karanie zła, ale jego idea zła nie odpowiada już prostym prawom zemsty przodków. Zło dla niego nie ogranicza się do zbrodni Klaudiusza, którego ostatecznie karze; Zło wlewa się w otaczający go świat i Hamlet zdaje sobie sprawę, że jednej osoby nie stać na konfrontację z całym światem. Ten wewnętrzny konflikt prowadzi go do idei daremności życia, samobójstwa.

Cały arsenał artystycznych środków tragedii został wykorzystany do stworzenia jej wielu obrazów, ucieleśnienia głównego tragicznego konfliktu - samotności humanistycznej osobowości na pustyni społeczeństwa, w którym nie ma miejsca na sprawiedliwość, rozum i godność.

Rodion Romanovich Raskolnikov jest głównym bohaterem powieści. Jest „byłym uczniem” zmuszonym do opuszczenia szkoły z powodu braku pieniędzy, mieszka w najbiedniejszej dzielnicy Petersburga w szafie, która bardziej przypomina szafę. Ale jest osobą inteligentną, zdolną do oceny otaczającej go rzeczywistości. To w takim środowisku, w którym bohater jest zmuszony żyć, może narodzić się jego nieludzka teoria.

Raskolnikow opublikował artykuł w czasopiśmie, w którym stwierdził, że wszyscy ludzie są podzieleni na „prawo do posiadania”, który może przekroczyć pewną moralną i etyczną linię, oraz na „drżące istoty”, które muszą być posłuszne najsilniejszym. Zwykli ludzie są po prostu stworzeniami zaprojektowanymi do rozmnażania własnego gatunku. „Niezwykli” to ludzie, którzy rządzą światem, osiągają wyżyny w nauce, technologii, religii. Nie tylko mogą, ale muszą zniszczyć wszystko i wszystkich na swojej drodze do osiągnięcia celu niezbędnego dla całej ludzkości.

Tragedia Szekspira „Hamlet” powstała prawie trzysta lat temu, ale zainteresowanie nią nie gaśnie nawet dzisiaj, nowe produkcje tej sztuki pojawiają się cyklicznie w teatrach na całym świecie. Badacze twórczości Szekspira przekonują, że nie ma drugiego przykładu tak długiej i trwałej popularności w historii sztuki. Ludzie różnych narodowości z każdego pokolenia szukają odpowiedzi na nurtujące ich pytania w tragedii „Hamlet”. To ciągłe zainteresowanie tragedią można wytłumaczyć filozoficzną głębią i humanistyczną inspiracją tej pracy. Niezaprzeczalna jest umiejętność wielkiego dramaturga, który w artystyczny sposób uosabiał uniwersalne problemy człowieka.

Centralnym obrazem tragedii Szekspira jest obraz Hamleta. Od samego początku spektaklu główny cel Hamleta jest jasny - zemsta za brutalne zabójstwo jego ojca. Zgodnie ze średniowiecznymi poglądami jest to obowiązek księcia, ale Hamlet jest humanistą, jest człowiekiem współczesności, a jego wyrafinowana natura nie akceptuje okrutnej zemsty i przemocy.

Przed podjęciem decyzji waży wszystko, zastanawia się, czy coś się zmieni w okrutnym świecie po śmierci Klaudiusza. Hamlet widzi wokół siebie tylko podłość i przebiegłość: jego matka zdradziła pamięć ojca i poślubiła jego mordercę; przyjaciele zdradzili Hamleta i pomogli nowemu kryminalnemu królowi. Rozczarowany własną miłością książę pozostaje całkowicie sam. Tragiczny ton nabierają jego refleksje na temat przeznaczenia człowieka (scena na cmentarzu). Hamlet uważa, że \u200b\u200bczłowiek jest zbyt słabym stworzeniem, aby stanąć samotnie przeciwko światowemu złu. Wydarzenia tragedii toczą się w taki sposób, jakby potwierdzały myśli bohaterki: niewinna Ofelia umiera, a zło pozostaje bezkarne. Hamlet nie może już dłużej znosić takiej niesprawiedliwości, ale nie ma też dość siły, by walczyć ze złem. Jest pewien, że stając się mordercą, sam przejdzie na ciemną stronę zła i tylko je wzmocni. Autor daje bohaterowi kilka możliwości zniszczenia Klaudiusza. Kiedy król modli się sam, Hamlet jest w pobliżu i ma okazję do zemsty, ale nie podejmuje decydującego kroku. Klaudiusz modli się i prosi o przebaczenie za swoje grzechy, śmierć na modlitwie oznaczała wówczas całkowite odpuszczenie grzechów i wierzono, że dusza człowieka od razu pójdzie do nieba. Po zabiciu Klaudiusza w takiej chwili Hamlet wybaczyłby mu wszystkie wyrządzone krzywdy, ale nie mógł tego zrobić. Książę przechodzi trudną walkę psychiczną między poczuciem obowiązku a własnymi przekonaniami. Dochodzi do wniosku, że cały świat jest więzieniem, w którym nie ma miejsca na cnoty ludzkie, a każdy jest skazany na samotność.

Monologi głównego bohatera ujawniają trudne przeżycia wewnętrzne, jakich doświadcza. Ciągle wyrzucając sobie bezczynność, Hamlet próbuje zrozumieć, czy w ogóle jest zdolny do decydującego czynu. Książę myśli nawet o samobójstwie, ale myśl, że te same problemy czekają go na innym świecie, powstrzymuje Hamleta. Zadaje sobie pytanie: "Być albo nie być?" W rezultacie książę zdaje sobie sprawę, że po prostu musi „być” i działać. Dramaturg konsekwentnie pokazuje rozwój postaci swojego bohatera. W finale dzieła król zabójca zostaje ukarany, ale nie dzieje się to z woli Hamleta, ale w wyniku połączenia okoliczności. Hamlet udaje szalonego i to nie przypadek: po tym, co książę zrozumiał, tylko bardzo silna osoba nie może oszaleć. Uderzająca siła obrazu Hamleta tkwi nie w jego działaniach, ale w jego wrażeniach, których czytelnik z nim przeżywa. Szekspir w swojej tragedii porusza poważne problemy filozoficzne: dlaczego człowiek nie może osiągnąć absolutnego szczęścia i harmonii, jaki jest sens życia ludzkiego, czy można pokonać zło na ziemi i innych. Niemożliwe jest udzielenie ostatecznych odpowiedzi na te pytania. Ale Szekspir wierzy w człowieka, w jego zdolność tworzenia dobra, a tym samym przeciwstawiania się złu. Ta wiara jest drogą do odpowiedzi na wszystkie postawione pytania.

Całe życie Hamleta minęło przed nami, choć praca trwa zaledwie kilka miesięcy. Bohater w tym krótkim czasie przekształca się z chłopca, który nigdy nie zetknął się z prawdziwą ciemnością życia, w młodego filozofa, gotowego do zdecydowanego działania. Autor kilkoma pociągnięciami przedstawia portret Hamleta takim, jakim był, zanim w jego życiu pojawiły się poważne problemy. Hamlet to duński książę, następca tronu, student najlepszej uczelni, nic nie zaciemnia jego życia. Hamlet jest dobrze zaznajomiony z nauką, literaturą, sztuką, pisze poezję i zna zasady produkcji scenicznej. Jak przystało na prawdziwą osobę tamtych czasów, Hamlet świetnie radzi sobie z mieczem. Książę jest prawdziwym humanistą i myślicielem, ma bystry umysł i mógłby zostać dobrym władcą.

Jako prawdziwy syn swojego ojca Hamlet musi bronić honoru rodziny i zabić Klaudiusza, który w gruncie rzeczy otruł jego brata-króla. Problem Hamleta polega na tym, że waha się przed pójściem ścieżką zła, aby doprowadzić zemstę do końca. Mentalne wątpliwości dręczą go nieustannie i postanawia przynieść zło „do czystej wody”. W tym celu Hamlet stawia na przedstawienie, mając nadzieję, że morderca pokutuje. Ale król jest pewien, że nikt nie wie o jego grzechu. Żałuje sam ze sobą, a Hamlet traci dogodną chwilę, a zabójca tka intrygę przeciwko sobie. Zdecydowanie księcia przejawia się, gdy zabija Poloniusza, myląc go z królem, a następnie z zimną krwią posyła na śmierć zdrajców Gildestern i Rosencrantz. Tylko książę Claudia z jakiegoś powodu nie odważy się zemścić.

Hamlet myśli nie tylko o osobistej zemście za zabójstwo swojego ojca, ale także o potrzebie walki ze złem, które ma charakter globalny.

Hamlet to człowiek swojej epoki, który ma podzielony charakter. Rozumie, że człowiek jest ozdobą przyrody i koroną wszelkiego życia na ziemi, ale z drugiej strony człowiek jest istotą podstawową, która nie odeszła daleko od zwierząt. Książę nie wierzy w istnienie innego świata. Potrafi działać i działa rozdarty wątpliwościami i wyrzutami sumienia. Hamlet jest gotowy na zemstę, ale nie ma odwagi jej popełnić, a jego bezczynność powoduje śmierć innych ludzi. Być może to dzięki takim ludziom jak Hamlet człowiek nadal jest istotą doskonałą, wiecznie poszukującą prawdy i odpowiedzi na trudne życiowe pytania.

Zaktualizowano: 2012-04-18

Uwaga!
Jeśli zauważysz błąd lub literówkę, zaznacz tekst i naciśnij Ctrl + Enter.
W ten sposób będziesz nieocenioną korzyścią dla projektu i innych czytelników.

Dziękuję za uwagę.

WYKŁAD 17

Tragedie Szekspira: „Romeo i Julia”, „Hamlet”, „Makbet”, „Otello”, „Król Lear”. Odrzucenie złudzeń wczesnego okresu, odkrycie tragedii życia. Tragikomedia: stwierdzenie wysokiej ziemskiej misji człowieka.

Nie wiemy, jakie okoliczności życia osobistego Szekspira skłoniły go do zwrócenia się ku tragediom, które zajmowały centralne miejsce w jego twórczości na początku XVII wieku. jasne jest tylko, że wielki dramaturg był niezwykle wrażliwy na trendy swoich czasów. W końcu Anglia weszła w krytyczny okres swojego istnienia. W kraju nasiliły się konflikty społeczne, narastał sprzeciw wobec absolutyzmu, zbliżały się burze rewolucji purytańskiej. Jednocześnie wzruszająca wiara humanistów w nieograniczone możliwości człowieka coraz częściej zderzała się z surową praktyką realnego świata, napędzaną egoizmem, chciwością i żądzą władzy. Owce nadal pożerały ludzi. Osiągnąwszy duchową wolność, osoba nadal marniała „w szponach zła”. A jeśli w średniowieczu winę za to można było przypisać siłom nieziemskim, tajemniczej opatrzności lub diabelskim intrygom, teraz człowiek pozostał twarzą w twarz ze swoim rodzajem. A „wielki łańcuch bytu” (niebo, ziemia, podziemia), w którego nienaruszalność, podobnie jak większość humanistów nadal wierzył, Szekspir przypominał bohaterom o tragediach Szekspira jedynie niebiańskimi znakami, teraz przez duchy, teraz przez czarownice. To człowiek w swojej sile i słabości pozostał nie tylko głównym, ale w istocie jedynym bohaterem sztuk Szekspira. W tym Szekspir pozostał przedstawicielem renesansu. Jego sztuki nie cechuje efektowny dualizm, tak charakterystyczny dla pisarzy barokowych. Jego bohaterowie nie są gigantami, jak bohaterowie F. Rabelais, bo giganci żyją w baśni, a bohaterowie Szekspira to dzieci ziemi. Ale są silni zarówno duchem, jak i ciałem. Nawet Hamlet, jeden z najbardziej intelektualnych bohaterów europejskiej literatury renesansu, doskonale włada mieczem, przewyższając w tym zręcznego szermierza Laertesa. Generałami, którzy brali udział w bitwach, byli Makbet i Otello.

Szekspir jest tym bardziej smutny, że bohaterowie jego tragedii kierują swoje umysły, siłę i talent na destrukcję harmonii moralnej, odzwierciedlającej harmonię wszechświata. Unikając obrazów aktualnego życia politycznego, odwołując się do legend, starych bajek i zagranicznych wątków, angielski dramaturg z niezwykłą ulgą tworzy obrazy światowej dysharmonii, całkiem zrozumiałe dla każdego angielskiego widza. Było dla niego naturalne, że zaczął liczyć światowe nieporządki z osobą, ponieważ osoba reprezentowała w jego oczach mikrokosmos, pozwalając mu zajrzeć w samo serce wszechświata. Nie oznacza to, że Szekspir jest obojętny na otoczenie społeczne wokół człowieka. Poświęca jej pewną uwagę, ale niezmiennie wysuwa na pierwszy plan osobę, która staje się ogniskiem tragicznych wydarzeń. Tragiczne wydarzenia szalały także w historycznych „kronikach”, ale tam, jak wspomniano powyżej, na pierwszy plan wysunęło się państwo angielskie, które w istocie było głównym bohaterem kronik. To sprawiło, że gatunek kronik historycznych został „otwarty”, pozwalając Szekspirowi rozciągnąć dramatyczną fabułę, jednocześnie uzupełniając i rozwijając leżące u jej podstaw wydarzenia (trzy części Henryka VI, dwie części Henryka IV). Treść tragedii ogranicza się do losów bohatera. Oto początek i koniec moralnego napięcia, które znajduje ujście w tragicznym rozwiązaniu. Ale może takie rozwiązanie, spowodowane z reguły śmiercią bohatera, oznaczało zerwanie przez Szekspira z nakazami renesansu, który wyniósł człowieka na wielką wysokość? To nie jest prawda. Porzucając iluzję humanizmu, Szekspir nadal cenił ideały moralne, które potwierdzały wysoką ziemską misję człowieka.

W komediach, które błyszczały karnawałowymi światłami, świat uśmiechał się czule do publiczności. Bohaterowie komedii nie domagali się głębi i złożoności. Byli wesołymi uczestnikami ziemskiego działania. W tragediach osoba staje się znacznie bardziej znacząca i bardziej złożona. To właśnie w tragediach Szekspira dokonuje się najbardziej fundamentalne „odkrycie” w literaturze renesansu. Sprzyja temu rosnące zainteresowanie „mrocznymi” namiętnościami osoby ludzkiej, rzeczywistością i różnymi jej sprzecznościami. Dla Szekspira świat nie był płaski i jednokreskowy, jak to było dla klasycystów późniejszych. Pod tym względem w jego tragediach tragizm swobodnie łączy się z komiksem, a pstrokaty błazen rozprasza swoje sarkastyczne dowcipy w pobliżu wyniosłego króla.

Romantycy początku XIX wieku przeciwstawił „wolność” twórczości Szekspira dogmatyzmowi klasycyzmu. Realiści polegali na jego autorytecie. Młody Goethe od kilkudziesięciu lat, rzucający wyzwanie konserwatystom literackim, pisał: „Dla większości tych dżentelmenów przeszkodą są przede wszystkim postacie stworzone przez Szekspira. A ja wołam: natura! Natura! Co może być bardziej naturą niż ludzie Szekspira! („Do dnia Szekspira”, 1771) [Goethe I.V. O sztuce. M., 1975. S. 338.]. Z kolei V.G. Bieliński, który wysoko cenił wielkiego dramaturga, stwierdził w artykule „Hamlet, dramat Szekspira. Mochalov as Hamlet” (1838): „We wszystkich dramatach Szekspira jest jeden bohater, którego imienia nie prezentuje wśród postaci, ale którego obecność i prymat są rozpoznaje już, kiedy opada kurtyna. Tym bohaterem jest - życie ... ”[Belinsky V.G. Pełny kolekcja op. M., 1953. T. II. S. 301.]

Jednocześnie tragedie Szekspira nie podlegają żadnym schematom, są różnorodne, jak samo życie ludzkie. Zostały napisane w różnym czasie, czasem nawet w różnych okresach twórczych poszukiwań Szekspira.

Tak więc we wczesnym okresie, otoczonym historycznymi kronikami i komediami, w których świat wciąż jest oświetlony ciepłym światłem słonecznym, ukazała się tragedia „Romeo i Julia” (1595). Fabuła tej komedii była szeroko rozpowszechniona we włoskim powieści renesansu. Szczególnie znane było opowiadanie M. Bandello „Romeo i Julia. Wszelkiego rodzaju nieszczęścia i smutna śmierć dwojga kochanków” (1554). W Anglii popularną historią przedstawił Arthur Brooke w Tragicznej historii Romea i Julii (1562), która była bezpośrednim źródłem Szekspira.

Akcja spektaklu rozgrywa się w Weronie pod lazurowym włoskim niebem. Werona jest przyćmiona długotrwałą wrogością między dwiema wpływowymi rodzinami: Montagues i Capulet. Kiedy iw jakich okolicznościach powstała ta wrogość, nie wiemy. Z biegiem czasu straciła swój pierwotny zapał, chociaż jej echa czasami wciąż się ujawniają. Albo słudzy walczących panów przystępują do bójki na ulicach miasta (I, 1), wtedy niespokojny Tybalt, siostrzeniec Madame Capulet, gotowy jest uderzyć sztyletem młodego Montague, który przybył bez zaproszenia na bal maskowy do domu Kapuletów (I, 5). Sam głowa rodziny jest już spokojniejsza (I, 5).

Łańcuch wydarzeń rozpoczyna się wspomnianym balem maskowym, a kończy tragicznym rozwiązaniem. Na Balu Romeo Montague po raz pierwszy zobaczył młodą Julię Capulet i bardzo się w niej zakochał. To prawda, że \u200b\u200bwcześniej polubił już jedną ładną dziewczynę, ale to nie była miłość, ale tylko hobby związane z młodością. Teraz nadeszła miłość, gorąca, silna. Zakochała się też w Julii całą siłą swojej młodej duszy. Spór rodzinny, który stał im na drodze, nie kierował już ich umysłami. Była dla nich pustym wyrażeniem. Życzliwy mnich Lorenzo, filozof przyrody i uzdrowiciel, koronuje ich potajemnie przed wszystkimi, mając nadzieję, że to małżeństwo zakończy przedłużającą się wrogość między obiema rodzinami. Tymczasem w zemście za śmierć swojego najbliższego przyjaciela, wesołego i dowcipnego Mercutio, Romeo zabija szalonego Tybalta. Książę Werony Escalus, który pod groźbą śmierci zakazał walk, skazuje Romeo na wygnanie, a rodzice Julii, nie wiedząc nic o jej małżeństwie, postanawiają wydać ją za mąż za hrabiego Paryża. Lorenzo namawia Juliet do wypicia pigułki nasennej, która tymczasowo wywoła wrażenie jej śmierci. Smutna historia kończy się w krypcie rodziny Capuletów. Z powodu nieprzewidzianych okoliczności sprytny plan Lorenza prowadzi do katastrofy. Romeo, biorąc śpiącą Julię za zmarłego, wypija silną truciznę i umiera. Juliet, obudzona ze snu, znajdująca martwego męża, zostaje zadźgana na śmierć jego sztyletem.

Choć wewnętrzny konflikt, zakłócający spokój Werony, odgrywa ważną rolę w tragedii Szekspira, nie jest to temat przewodni dzieła. Tematem przewodnim Romea i Julii jest miłość młodych ludzi, która od razu przyciąga uwagę i sympatię publiczności. Znakomity o tragedii Szekspira napisał V.G. Bieliński: "Patos dramatu szekspirowskiego" Romeo i Julia "to idea miłości, - i dlatego entuzjastyczne, żałosne przemówienia z ust kochanków wylewają się z ust kochanków jak ogniste fale, mieniąc się jasnym kolorem gwiazd ... To jest patos miłości, bo w lirycznych monologach" Romea i Julii " widać nie tylko podziw dla siebie nawzajem, ale także uroczyste, dumne, ekstatyczne uznanie miłości za boskie uczucie ”[Belinsky V.G. Pełny kolekcja op. T. VII. S. 313.].

Ale przecież jednym z podbojów europejskiej kultury renesansu była właśnie cała wzniosła idea ludzkiej miłości. Pod tym względem tragedia Szekspira zamienia się w rodzaj poetyckiego manifestu angielskiego renesansu. Miłość była gloryfikowana przez Szekspira w komediach, ale tylko w Romeo i Julii kochankowie kosztem życia potwierdzają piękno i siłę swobodnego uczucia. Karnawałowe kolory już tu nie wystarczają. Tutaj wszystko jest dużo poważniejsze, ale ta powaga nie gasi drżącego światła, które promieniuje tragedia.

Romeo i Julia pod piórem Szekspira zamieniają się w prawdziwych bohaterów. Dramaturg nie może już przedstawiać ich pobieżnymi pociągnięciami. Widz widzi je nie tylko w ruchu, ale także w fazie rozwoju. Romeo jest mniej skomplikowany. Jest żarliwy, odważny, sprytny, miły, gotowy zapomnieć o dawnej wrogości, ale ze względu na przyjaciela wdaje się w pojedynek. Śmierć woli życie bez ukochanej. Postać Julii jest bardziej złożona. W końcu musi się liczyć z wymaganiami i nadziejami rodziców. Jest bardzo młoda, nie ma jeszcze czternastu lat. Spotkanie z Romeo zmienia ją. Jej wielka miłość wyrasta z nienawiści (I, 5). Śmierć Tybalta, a następnie matchmaking Paris postawiły ją w trudnej sytuacji. Musi się rozebrać, udawać uległą córkę. Odważny plan Lorenza ją przeraża, ale miłość usuwa wszelkie wątpliwości. Ta sama miłość wyrywa ją z życia.

Cechą charakterystyczną tragedii Szekspira jest jego niesamowita poezja. Niektóre sceny tragedii przypominają zbiory wierszy lirycznych. Oczywiście jest to słynna scena balkonowa (II, 2), która rozpoczyna się monologiem Romea:

Ale jakie światło migocze przez to okno? Jest złoty wschód: Julia jest słońcem! .. (tłum. A. Radlova)

Albo scena w ogrodzie Kapuletu, kiedy Julia z niepokojem oczekuje przybycia Romea: „Pospiesz się, konie ogniste, do mieszkania Phoebus…” (III, 2). W przemówieniach i uwagach bohaterów tragedii ożywa poezja miłosna wielu stuleci i krajów. Oto dźwięki Owidiusza, trubadurów, Petrarki i angielskich poetów lirycznych. Przemówienia kochanków przypominają czasem dźwięczne kanony, a także inne gatunki europejskiej poezji miłosnej. Na przykład scena rozstania w ogrodzie Kapuletów (III, 2) to prawdziwa alba (poranna piosenka).

W tragedii w pobliżu Romea i Julii pojawia się szereg kolorowych postaci. Żywa pielęgniarka, oddana swojej młodej kochance, ale gotowa służyć swoim wymagającym rodzicom, wprowadza komiksowy nurt w liryczną atmosferę dramatu miłosnego. Zawsze skłonny do angażowania się w niebezpieczne bójki, Tybalt uosabia przedłużające się zamieszanie, które pozbawia mieszkańców Werony spokojnego, normalnego życia. Zupełnie inną osobą jest Fra Lorenzo, uczony człowiek, który zbiera lecznicze zioła dla dobra ludzi. Potajemnie koronuje młodych kochanków, aby przywrócić spokój w nieszczęsnym mieście, a także dochodzić praw natury, w przeciwieństwie do ślepych uprzedzeń rodzinnych. Atmosferę poezji pogłębia spektakl przyjaciela Romeo Mercutia, dowcipny, skoczny, wesoły. W odpowiedzi na niepokojący sen Romeo opowiada ludową bajkę angielską o królowej elfów Mab, jeżdżącej rydwanem z łupiny orzecha, zamiast woźnicy z komarem, który przynosi różne sny różnym ludziom (I, 4). Tutaj tragedia Szekspira, pełna poezji, przypomina jego komedię romantyczną Sen nocy letniej.

Historia Romea i Julii jest smutna. Ale ten smutek jest lekki. Przecież śmierć młodych ludzi jest triumfem ich miłości, zakończeniem krwawej walki, która przez wiele dziesięcioleci, a może i stulecia, zniekształcała życie Werony.

Wraz z tragedią „Hamlet” (1601) rozpoczyna się nowy etap w twórczym rozwoju Szekspira. Tragiczna świadomość dramatopisarza osiąga tutaj swój punkt kulminacyjny. Miłość sama w sobie staje się tutaj zabawką złych zasad, które zatriumfowały w duńskim królestwie. Południowe, słoneczne niebo ustępuje ponuremu północnemu niebu. I nie w bezmiarze tętniącego życiem włoskiego miasta, ale za ciężkimi kamiennymi murami zamku królewskiego w Elsinore, rozgrywają się tutaj dramatyczne wydarzenia. Fabuła tragedii sięga średniowiecznej opowieści ludowej o jutlandzkim (duńskim) księciu Hamlecie, mszczącym się za zdradzieckie zabójstwo ojca. Opowiada to po łacinie duński historyk Saxon Grammaticus (XII-XIII w.) W dziele „Akty Duńczyków” (Księga 3). Ta historia niejednokrotnie przyciągała uwagę pisarzy. W języku francuskim został opracowany przez François Belfort w książce „Tragic Stories”, która stała się sławna w Anglii w 1589 roku. W Londynie była sztuka nieznanego autora, prawdopodobnie Kida, na temat fabuły o Hamlecie, którą wykorzystał Szekspir.

Już sam początek tragedii Szekspira budzi czujność publiczności. Północ. Na platformie przed zamkiem królewskim rozmawiają żołnierze strzegący rezydencji króla Danii. Mówią o tym, że niejednokrotnie w tym martwym czasie pojawia się cichy duch, niezwykle podobny do zmarłego niedawno króla Hamleta. Wszystkie ich próby rozmowy z tajemniczym kosmitą daremne. I dopiero gdy wyszedł z nim na spotkanie syn zmarłego króla, księcia Hamleta, który pośpiesznie wrócił na pogrzeb ojca z Niemiec, gdzie odbywał kurs naukowy na Uniwersytecie w Wittenberdze, duch zdradził mu fatalną tajemnicę. Młody Hamlet dowiedział się, że jego ojciec został zabity podczas snu przez swojego brata Klaudiusza, który objął duński tron \u200b\u200bi wkrótce poślubił zamordowaną wdowę Gertrudę, matkę Hamleta. Duch żąda zemsty od Hamleta. Ale zemsta za Hamleta to nie tylko hołd złożony wielowiekowej tradycji, a śmierć jego ojca to nie tylko tragiczne wydarzenie w życiu jego rodziny. Obdarzony wnikliwością i wszechogarniającym umysłem Hamlet widzi w tym pojedynczym wydarzeniu niepokojące znaki czasu. Z głębokim szokiem po wysłuchaniu historii o duchu wykrzykuje: „Stulecie popadło w nieład - i to co najgorsze, / że urodziłem się, aby go odnowić!”. (I, 5). "Stulecie jest luźne!" (a dokładniej: „wiek zostanie przemieszczony”), tj. stracił naturalną harmonię, stał się brzydki, chory. Piękny świat, złamany przez nikczemność Klaudiusza, uosabia Hamleta na obrazie zamordowanego króla. Duński książę nadaje mu prawdziwie boskie piękno. Ma „czoło Zeusa, loki Apolla, wygląd Marsa” (III, 4). A co najważniejsze: „Był człowiekiem, człowiekiem we wszystkim; / nikogo takiego nie spotkałem” (I, 2). Jednocześnie Szekspir nic nie mówi o tym, czym dokładnie był ten wartościowy świat, którego uosobieniem był King Hamlet. Dla widzów ten świat to sen - sen o sprawiedliwości, szlachetności i zdrowiu moralnym. W prawdziwym świecie, w którym urodził się Klaudiusz i wszystkie jego zbrodnie, Szekspir nie przegapi okazji, by napiętnować gorzkimi słowami. Według Marcellusa „coś zgniło w państwie duńskim” (I, 5). Marcellus nie jest filozofem, nie politykiem, jest tylko wojownikiem strzegącym zamku Elsinore. Ale jego opinia najwyraźniej stała się już własnością wielu ludzi. A to, że wojownik strzegący zamku królewskiego o tym mówi, ma pewne znaczenie. W końcu upadek Danii rozpoczął się od głowy państwa i jego świty. Król Klaudiusz jest głównym, jeśli nie jedynym, prawdziwym złoczyńcą tragedii. Szekspir nie przedstawił go jako nie brzydkiego, jak Ryszard III, ani ponurego. Do pewnego stopnia przyciąga nawet tych, którzy go otaczają. Uwielbia biesiady, zabawę, przedstawienia teatralne. Hamlet nazywa go „uśmiechniętym łajdakiem”. Przede wszystkim Klaudiusz myśli o dobru bliźniego. Jest bezdusznym samolubem i żądnym władzy. Po zabiciu własnego brata planuje poradzić sobie z Hamletem, gdy tylko zorientuje się, że młody książę wniknął w jego tajemnicę.

Naturalnie Elsinore stała się rezerwatem hipokryzji, zdrady i zła. Rozkwitają tu takie nieistoty, jak nadworny hipokryta Osryk. Tutaj Rosencrantz i Guildenstern, posłuszni woli króla, a także cała rodzina Poloniusza, ministra oddanego uzurpatorowi - on sam, jego córka Ofelia, jego syn Laertes - stają się ofiarami królewskiej zdrady. Gertrude ginie w sieciach przebiegłości. Samo powietrze w Elsinore jest jakby nasycone śmiertelną trucizną. Ale dla Hamleta Elsinore jest tylko szczytem królestwa zła, które przyszło na ziemię. Nieprzypadkowo w rozmowie z Rosencrantzem i Guildensternem nazywa Danię więzieniem (II, 2).

Hamletowi jest ciężko. Osoba inteligentna, wnikliwa, wyraźnie odczuwa swoją tragiczną samotność. Na kim może się oprzeć? Jego ukochana matka została żoną głównego złoczyńcy. Słodka, kochająca Ofelia nie znajduje siły, by oprzeć się woli ojca. Jego przyjaciele z dzieciństwa Rosencrantz i Guildenstern są gotowi służyć tyranowi. Tylko Horatio, przyjaciel i kolega z klasy Hamleta, jest mu wierny i rozumie go. Ale Horatio to student, człowiek pozbawiony koneksji i wpływów. Ale Hamlet musi nie tylko zabić Klaudiusza, ale także uleczyć skazę wstrząśniętego wieku. To zadanie to straszny ciężar na barkach duńskiego księcia. Jeszcze przed spotkaniem z duchem ze smutkiem wykrzyknął:

Jak nudne, nudne i niepotrzebne myślę o wszystkim, co jest na świecie! O ohyda! To bujny ogród, mający tylko jedno ziarno: dzikość i zło. Panuje ... (tłum. M.L. Lozinsky)

Po tym spotkaniu, we wspomnianej już rozmowie z Rosencrantzem i Guildensternem, wyznaje: „... straciłem całą swoją wesołość, porzuciłem wszystkie moje zwykłe zajęcia; i rzeczywiście, moja dusza jest tak ciężka, że \u200b\u200bta piękna świątynia, ziemia, wydaje mi się opuszczoną peleryną… ”(II, 2). I dalej: „Jaka piękna istota - człowiek! Jak szlachetny rozum! Jak nieograniczony w swoich możliwościach, w przebraniu i w ruchach! Jak precyzyjny i cudowny w działaniu! Jak bardzo przypomina anioła w głębokim zrozumieniu ... Piękno wszechświata! Korona wszystkich żyjących ! A czym jest dla mnie ta kwintesencja prochu? " (II, 2).

Czy to oznacza, że \u200b\u200bHamlet wyrzekł się ideałów humanistycznych, które były mu niewątpliwie bliskie? Ledwie! Czy mówi, że ziemia i niebo są pozbawione uroku, a człowiek nie jest koroną stworzenia? Przyznaje tylko ze smutkiem, że stracili dla niego - dla Hamleta, syna Hamleta - swoją atrakcyjność. Czy Hamlet odmawia wypełnienia swego świętego synowskiego obowiązku? Ani trochę. Ale wypełnienie tego obowiązku oznacza przecież powrót do przemieszczonego świata jego integralności, a co za tym idzie piękna.

Hamlet musi zacząć od eliminacji Klaudiusza. Ale dlaczego waha się przed zemstą? A nawet wyrzuca sobie tę powolność (IV, 4)? Oczywiście w Elsinore jest otoczony przez wrogów lub ludzi, którzy zawsze są gotowi czynić wolę swoich wrogów. W tej tragicznej sytuacji nawet najsilniejsza osoba może mieć chwile słabości. Co więcej, Hamlet nie jest już średniowiecznym rycerzem, który natychmiast wyciąga swój miecz i bez zastanowienia pada na wroga. Jest człowiekiem współczesnym - nie tyle mieczem, ile człowiekiem myśli. Nie bez powodu Szekspir uczynił go studentem Uniwersytetu w Wittenberdze, a nawet dał mu zeszyt, w którym przedstawia swoje spostrzeżenia i refleksje. Książka jest jego wiernym towarzyszem (II, 2). Odbicie jest jego naturalną potrzebą. W słynnym monologu „Być albo nie być” (III, 1) Hamlet wydaje się rozstrzygać rachunki własną myślą:

Być albo nie być - oto jest pytanie; Cóż jest szlachetniejszego w duchu - poddać się procom i strzałom zaciekłego losu, czy rozmyślać nad morzem kłopotów, zabić ich Konfrontacją? ..

Wyjaśniając, co rozumie przez „strzały zaciekłego losu” i „morze kłopotów”, Hamlet nie porusza już zdradzieckiego morderstwa swojego ojca. To już jest jasne. On, podobnie jak sam Szekspir w Sonecie 66, naszkicował szeroki obraz zwycięskiego zła. Są to „bicze i kpiny stulecia / Ucisk silnych, szyderstwo zuchwałych / ... powolność sędziów / Arogancja władzy i obelgi / Utrwalone przez potulne zasługi”. A więc pokora po śmierci czy walka? Hamlet całym swoim zachowaniem odpowiada: walcz! Ale tylko walka, oświetlona światłem racjonalnej myśli.

Przecież duch, który opowiedział Hamletowi o zbrodni Klaudiusza, mógł być złym duchem, który przybrał postać zmarłego króla. Na przełomie XVI i XVII wieku. Wielu wciąż wierzyło w piekielne intrygi, a publiczność była całkiem zrozumiała. Z tą wątpliwością rozpoczynają się aktywne działania duńskiego księcia. Przybycie bezpańskich aktorów do Elsinore pomaga mu odkryć prawdę. Hamlet instruuje aktorów, aby odegrali sztukę „The Murder of Gonzago”, w której okoliczności szczegółowo przypominają morderstwo króla Hamleta. Klaudiusz załamuje się i wstrząśnięty opuszcza salę. „Pułapka na myszy” wymyślona przez Hamleta spełniła swoje zadanie. teraz wie na pewno, że Klaudiusz jest mordercą. Wszystko, co następuje po tragedii, nabiera charakteru wspaniałego pojedynku. Tylko Hamlet jest jeden, a jego wrogowie to legion. Jego wrogowie mają władzę, przebiegłość, podłość. Całe królestwo służy im jako wsparcie. Hamlet może polegać tylko na sobie, na swoim umyśle, swojej energii, swojej pomysłowości. A on, nie poddając się „zaciekłej procy i strzałom”, śmiało przyjmuje jej wyzwanie. Wbijając mieczem Poloniusza, który schował się za gobelinem, jest przekonany, że zadaje śmiertelny cios uzurpatorowi.

Nie możemy uznać za słusznych tych krytyków literackich, którzy wielokrotnie powtarzali o słabości i bierności Hamleta. Cały przebieg tragedii świadczy inaczej. Z zadziwiającą pomysłowością i wytrwałością Hamlet toczy walkę z podstępnym wrogiem. Aby go zmylić, przybiera postać szaleńca. Wprawia w zakłopotanie Rosencrantza i Guildensterna, którzy na polecenie Klaudiusza usiłują zgłębić tajemnicę jego duszy (II, 3). W przyszłości zaskakująco zręcznie i szybko paruje śmiertelny cios Klaudiusza, wysyłając na blok swoich pechowych „przyjaciół” zamiast siebie (IV, 6, 7). Dlaczego więc nie zadaje śmiertelnego ciosu Klaudiuszowi, znajdując go pewnego dnia bez ochroniarzy i posłusznych sług? Ponieważ Klaudiusz modli się na kolanach, przytłoczony swoją zbrodnią. A to oznacza, zgodnie z ideami tamtych lat, że jeśli teraz umrze, jego dusza, oczyszczona z brudu, pobiegnie do nieba, a Hamlet chce, aby dusza złoczyńcy zanurzyła się w ciemnym piekle. W końcu Hamlet realizuje swój plan. Śmiertelny cios uderza Klaudiusza, gdy przepełniony oszustwem jest gotowy popełnić kolejny łajdak.

Wszystko to daje nam powód, by uznać Hamleta za jedną z bohaterskich postaci. Pod koniec tragedii młody norweski książę Fortinbras rozkazuje zmarłemu Hamletowi odznaczenie wojskowe. Jako prawdziwy bohater zostaje wyniesiony na platformę. Spektakl kończy uroczysty marsz żałobny i salwa armatnia (V, 2).

Hamlet jest bohaterem. Tylko dla widzów nie jest już bohaterem starej legendy żyjącej w czasach pogańskich, ale bohaterem nowych czasów, wykształconym, inteligentnym, który powstał, by walczyć z mrocznym królestwem egoizmu i przebiegłości.

Jednocześnie Szekspir nie zapomina przypomnieć, że humanizm renesansowy stał się humanizmem tragicznym, dlatego Hamleta nie tylko obarczony jest ciężkimi zmartwieniami świata, ale i myślami nie dającymi się pogodzić z idyllicznymi ideami wczesnego renesansu. Scena cmentarna (V, 1) dodaje tutaj dodatkowego akcentu. Na cmentarzu, na którym ma odbyć się pogrzeb utopionej Ofelii, duński książę spotyka grabarzy, którzy kopią grób dla nieszczęsnej dziewczyny. W jego rękach spoczywa czaszka królewskiego błazna Yoricka, który kiedyś nosił ją na plecach. W związku z tym toczy się dyskusja o przemijaniu ziemskich przedsięwzięć, które bledną przed otwartą paszczą grobu. Ma swoją logikę, własny system wartości. Według Hamleta „Aleksander [Macedończyk. - BP] umarł, Aleksander został pochowany, Aleksander zamienia się w pył, pył jest ziemią, glina jest zrobiona z ziemi, a dlaczego nie mogą zatkać beczki piwa tą gliną, w którą się zamienił? "

Czyż ta filozofia cmentarna, która zamienia wielkiego zdobywcę w znikomą wtyczkę, nie jest zapowiedzią mrocznego lamentu barokowych poetów? Tylko tam mówimy o daremności wszystkiego, co ziemskie. Szekspir nie wyrzeka się tego, co ziemskie, tak jak Hamlet nie wyrzeka się ziemskiej miłości („Kochałem ją; czterdzieści tysięcy braci / Z całym mnóstwem ich miłości ze mną / Nie dorówna” - V, 1), z obowiązku wobec ojca i ludzi. Idzie na śmierć, aby oczyścić ziemię ze zła i występku. A wzmianka o ziemskich władcach na cmentarzu, na który wkrótce przyjdzie król Klaudiusz, zawiera otwartą aluzję do aroganckiego uzurpatora, skazanego na zniknięcie z woli Hamleta.

Należy zauważyć, że Szekspir, który nie napisał specjalnych traktatów o sztuce, przedstawił w Hamlecie swoje poglądy na zadania teatru i dramatu, które sięgają formuły Cycerona [por. A. Anikst, Tragedia Szekspira] i są charakterystyczne dla realistycznego poszukiwania renesansu. W Elsinore Hamlet spotyka się z aktorami. Upominając ich, mówi, że aktor w swoim spektaklu musi przestrzegać miary: „Dopasuj działania do mowy, mowę do działania, a zwłaszcza obserwuj, aby nie przekroczyć prostoty natury; wszystko bowiem, co jest tak przesadzone, jest sprzeczne z celem gry aktorskiej, której celem jest dawniej i teraz była i jest - aby trzymać jakby zwierciadło przed naturą, ukazywać cnoty jej rysów, arogancję - jej wygląd, a każdemu wiekowi i klasie - jej podobieństwo i piętno ”(III, 2).

Jedną z najważniejszych postaci tragedii jest król Klaudiusz, uzurpator, główny sprawca tragicznych wydarzeń rozgrywających się w sztuce. Nie raz spotykamy się z uzurpatorami Szekspira. Uzurpatorem był Henryk IV z kroniki historycznej o tym samym nazwisku. Pod jego rządami Anglia, ogarnięta niepokojami feudalnymi, przeżywała trudny okres. Uzurpatorem był Ryszard III o twardym sercu. Nawet w komedii Jak wam się podoba książę Fryderyk zagrał niestosowną rolę, zagarnął tron \u200b\u200bswego godnego brata. Zwracanie uwagi dramaturga na postacie uzurpatorów wskazywało na żywe zainteresowanie Szekspira najbardziej krytycznymi okresami angielskiej historii. Ale Anglia nie zawsze pojawiała się na scenie teatru Szekspira. Klaudiusz rządził w Danii, Frederick - gdzieś na północy Francji. Zainteresowanie Szekspira krajem łączyło się z zainteresowaniem człowiekiem, jego światem moralnym, jego zdolnościami duchowymi.

W tym sensie tragedia Makbeta Szekspira (1606), nazwanego na cześć szkockiego Thana (szlachetnego pana feudalnego i przywódcy wojskowego), który zabił swojego krewnego króla Duncana i objął jego tron, jest dość niezwykła. Wydarzenia tragedii (XI w.) Sięgają kroniki Holinsheda. Losy średniowiecznej Szkocji nie interesowały autora. Jego uwaga skupia się na losie ludzi, którzy z ambicji gotowi są na złe czyny. Przede wszystkim jest to Makbet, a następnie jego żona Lady Makbet. Szekspir pokazuje je w ruchu, w rozwoju postaci.

Co wiemy o Klaudiuszu, wuju Hamleta? Właściwie tylko to, że wylał truciznę w ucho swego śpiącego brata, że \u200b\u200buwielbia uczty, że jest hipokrytą i oszustem. W porównaniu z Makbetem ta figura jest płaska i płytka. Makbet rozgrywa się w zbliżeniu przed widzem. Na samym początku działa jako odważny wojownik, zręczny dowódca, ratując szkockie królestwo przed intrygami wrogów. Innymi słowy, jest prawdziwym bohaterem. Król Duncan nadaje mu - oprócz tytułu Thane of Glamis - tytuł Cavdor Thane, który zbuntował się przeciwko królowi szkockiemu i został skazany na śmierć (I, 2). Ale właśnie dlatego, że Makbet jest potężnym, zwycięskim człowiekiem, w głębi jego duszy zaczynają dojrzewać ziarna miłości do władzy. Aby podkreślić złowieszczy charakter tej rosnącej pasji do Makbeta, autorka oprawia sztukę w demoniczną oprawę. Król Duncan, jego synowie i towarzysze broni jeszcze nie pojawili się na scenie, nie pojawił się krwawiący żołnierz, opowiadający o wyczynach Makbeta (I, 2), a na pustyni, z złowieszczym błyskiem błyskawic i grzmotów, nazywane są trzy straszne czarownice - „prorocze siostry” imię Makbeta, z którym muszą się spotkać (I, 1).

To początek tragedii, rzucającej mroczny cień na przyszłość. Kiedy czarownice nazywają Makbeta nadchodzącym królem (I, 3), wielka pokusa ogarnia jego duszę. Nie wiemy, jak łatwo Klaudiusz wkroczył na kryminalną ścieżkę. Makbet jest znacznie bardziej skomplikowany. Od samego początku jego wojskowy towarzysz broni Banquo, któremu wiedźmy zapowiadały, że jego potomkowie staną się królami, ostrzegał Makbeta, że \u200b\u200bsłudzy ciemności, aby zniszczyć człowieka, czasami porywają go wątpliwymi przepowiedniami (I, 3). Makbet jest zdezorientowany. Przecież to on jest zbawcą ojczyzny. Król Duncan jest jego kuzynem, żyje, a jego synowie żyją, prawowici spadkobiercy tronu. Słowa czarownic budzą w nim przerażenie. Niech sam czas decyduje o losach królów (I, 4)! Ale kiedy król Duncan ogłasza Malcolma, swojego najstarszego syna, następcą tronu, Makbet wzdryga się na myśl, że błogosławieństwo obiecane przez wiedźmy wymyka mu się (I, 4). „Skakać czy upaść?” - zadaje sobie pytanie. Od tego momentu zaczyna się moralna śmierć Makbeta. W spektaklu jedno dramatyczne wydarzenie następuje po drugim, a jednak „akcja zewnętrzna” coraz bardziej ustępuje miejsca akcji „wewnętrznej”. W końcu „Makbet” nie jest sztuką o Szkocji i jej historycznych drogach, jak to miało miejsce w przypadku kronik historycznych w całości poświęconych Anglii. To sztuka o próbie i upadku moralnym człowieka, zrujnowanego przez niezłomny egoizm.

Jednak Makbet nie stał się od razu ucieleśnieniem zła. Lady Makbet, która go dobrze znała i podobnie jak on opętana niepohamowanym pragnieniem władzy, zauważa z niepokojem, że z natury jest miękki, „karmiony mlekiem miłosierdzia” (I, 5). Lady Makbet postanawia tchnąć w niego swojego dzikiego ducha. Wzywa demony morderstwa do zamku Makbeta w Inverness, gdzie król Duncan, nieświadomy straszliwej zdrady, ma spędzić noc. Po tragicznym wahaniu Makbet postanawia wyruszyć na krwawą ścieżkę (I, 7). Makbet zabija śpiącego króla i jego dwóch ochroniarzy, a następnie wysyła zabójców na Banquo, starając się wyeliminować każdego, kto stanie mu na drodze. Wybrany przez króla staje się mrocznym despotą.

Kiedyś, nie podniósł jeszcze ręki przeciwko Duncanowi, bał się nieuchronnej zemsty. Kara nie tylko w niebie, ale także tu na ziemi (I, 7). I w tym miał rację. Zemsta wyprzedził przestępców - Makbeta i jego żądną władzy żonę Lady Makbet. A ona jest nawet wcześniej niż on. Po zostaniu królową Lady Makbet straciła spokój ducha. W nocy, w stanie głębokiego snu, błąka się po ciemnych korytarzach zamku królewskiego i ponuro powtarza w pustkę: „Uciekaj, cholerne miejsce, precz, mówię! .. Czarny w piekle ... Nawet jeśli się dowiedzą, to pod naszą mocą nikt ośmieli się nas pociągnąć do odpowiedzialności ... "I jednocześnie pociera dłoń, jakby ją myła, mówiąc:" A jednak czuć zapach krwi. Wszystkie arabskie zapachy nie potrafią wyczuć tej małej rączki. Och, och, och! " (V, 2). W ten sposób królowa zbrodni zatraciła się, a wkrótce potem straciła życie.

Upadek człowieka dokonał Szekspir także na przykładzie samego Makbeta. On, podobnie jak Lady Makbet, ogarnia wizje i duchy (wizja krwawego noża przed zabójstwem króla - II, 1, duch zamordowanego Banka przy stole bankietowym - III, 4). Przepełniony ponurą rozpaczą, zdając sobie sprawę, że zabił kochającego Duncana ze względu na wnuki Banka - „dał nieśmiertelny skarb duszy”, Makbet rzuca losowi beznadziejne wyzwanie (III, 1). Rozumie, że zło tworzy zło, że nie może już znaleźć innej drogi (III, 4). A jednak, po ponownym spotkaniu ze strasznymi czarownicami, wyczarowuje, by otworzyć go na koniec nadchodzących dni (IV, 1). Od odważnego przywódcy wojskowego, który ratuje państwo przed wrogami, Makbet zamienia się w despotę, w ponurego tyrana, który zabija dzieci i kobiety (syna i żonę Macduffa). Zamienił Szkocję w solidny grób. Według Rossa

Żaden rozsądny człowiek się tam nie śmieje; Są jęki, krzyki rozdzierające powietrze - Nikt nie słucha; tam niegodziwy smutek jest uważany za powszechny; zadzwoni For the dead - "For who?" - nikt nie zapyta ... (IV, 2. Tłumaczenie A. Radlova)

Sama wielka Matka Natura odwróciła się od Makbeta. Niebo jest zdezorientowane przez jego nikczemność. Słońce pociemniało, w środku dnia zwyciężyła noc. Sowa zabija dumnego sokoła (II, 4).

Obfitość piekielnych obrazów w tragedii Szekspira wcale nie świadczy o konserwatyzmie myślenia Szekspira. W okresie renesansu wielu nadal wierzyło w czarownice i złe duchy. „Wiek Rozumu” jeszcze nie nadszedł. Dało to Szekspirowi możliwość w najbardziej skoncentrowanej i wizualnej formie zobrazowania nadejścia sił zła na świat, dając początek trującym pędom egoizmu. Ten karnawał zła ma nawet swoje własne żarty i zabawę, swój własny „czarny” humor. Są to wątpliwe uwagi czarownic i ich zwodnicza przepowiednia: „Ten, który urodził się kobietą, nie jest niebezpieczny dla Makbeta” i „Makbeta nie da się wcześniej uderzyć / Przez który przenosi się na zbocze Dunsinan / las Birnam” (IV, 1). Proroctwa, w które Makbet był gotów uwierzyć, okazały się mistyfikacją. Zdruzgotany, przygnębiony, „przepełniony grozą” Makbet zostaje zabity przez uczciwego Macduffa.

Spośród wielkich tragedii najbardziej „kameralną” jest tragedia Szekspira „Otello” (1604). Nie ma w nim uroczystego archaizmu, nie ma groźnych znaków niebiańskich, wiedźm i duchów, a jego działanie nie należy do wczesnego średniowiecza, ale do XVI wieku, tj. do lat bliskich Szekspirowi. Zgodnie z definicją Hegla „Otello jest tragedią subiektywnej pasji” [Hegel G.V.F. Estetyka. M., 1968. T. I. S. 221.]. Miłość weneckiego Moor Othello i córki weneckiego senatora Desdemony kształtuje fabułę sztuki. Cały czas z nieustanną uwagą śledzimy ich losy, gdy Otello wierząc oszczerstwom Iago podnosi rękę na nieskazitelną kobietę. Jednocześnie nie mają racji ci, którzy idąc za Georgem Brandesem uważają, że „Othello” jest „czysto rodzinną tragedią”, nie mają racji [Brandes G. William Shakespeare. SPb., 1897. S. 306.]. Wszakże od samego początku zabawy zaczyna do nas docierać huk wielkiej historii. Z pierwszego aktu dowiadujemy się, że Turcy grożą Cyprowi, który był (do 1571 r.) Pod panowaniem Republiki Weneckiej, i że to właśnie Otello, doświadczony i odważny wojownik, zamierza wysłać przeciwko nim wenecki doż. Dla widzów czasów Szekspira Turcja wcale nie była spektakularną egzotyczną dekoracją - była to potężna rzeczywistość polityczna.

W pierwszym akcie znajduje się podekscytowana mowa Otella, z której dowiadujemy się, jak Othello i Desdemona się poznali i jak się zakochali (I, 3). W domu senatora Brabantio, ojca Desdemony, Othello opowiadał o swoim ciężkim życiu, spędzonym w obozach wojskowych, pośród potyczek i bitew, o perypetiach losu, o trudnym dzieciństwie, niewoli i niewoli, o jałowych pustyniach, ponurych jaskiniach, klifach i pasmach górskich, dotykając nieba szczytami. Według Otella Desdemona zakochała się w nim „za nieszczęścia, przez które przeszedłem, a ja za jej współczucie dla nich”. W ten sposób wielki, niepokojący świat, z jego próbami i okrucieństwem, wkracza na los bohaterów.

Oczywiście we wspaniałej Wenecji było inaczej. Ale jeśli weźmie się pod uwagę stosunek senatora Brabantio do małżeństwa jego córki, tutaj, w cywilizowanym świecie, w którym panuje nadużywająca hierarchia rasowa, Otello nie mógł czuć się swobodnie i swobodnie. Dlatego przyjął miłość Desdemony jako wielkie błogosławieństwo, a ona sama stała się dla niego ucieleśnieniem światła i harmonii. Słowa Othello, rzucone jakby przez przypadek, nabierają głębokiego znaczenia: „Cudowne stworzenie! Niech zginie moja dusza, ale cię kocham! A jeśli przestanę cię kochać, chaos powróci” (III, 3 Tłum. MM Morozov).

Daleko od Wenecji Cypr, według starożytnej legendy, był siedzibą bogini miłości Afrodyty (Cypride). Wyspa ta miała stać się siedliskiem czystej, szczerej miłości do Otella i Desdemony. Podstępna, arogancka Wenecja została daleko. Jednak bohaterowie tragedii Szekspira nie mogą uciec z tego podstępnego świata. Wyprzedził ich na Cyprze w osobie podstępnego Iago, obłudnego chorążego Otello, urażonego faktem, że Otello nie mianował go swoim zastępcą, preferując Cassia, który jeszcze nie wąchał prochu na polu bitwy. Wiedząc dobrze, że „Maur z natury jest człowiekiem o wolnej i otwartej duszy”, który uważa „uczciwych ludzi, którzy tylko wydają się takimi” (I, 3), Iago buduje na tym swój niski i nikczemny plan. Świat Otella i Desdemony to świat szczerych ludzkich uczuć, świat Iago to świat weneckiego egoizmu, hipokryzji, zimnej roztropności. Pod naporem tego drapieżnego świata wali się szlachetny świat kochanków. Właśnie w tym tkwią korzenie tragedii Szekspira.

Oczywiste jest, że Iago zajmuje duże miejsce w dramatycznej koncepcji Szekspira. Jego świat jest, by tak rzec, antyświatem, a jednocześnie jest światem rzeczywistym, który zastępuje humanistyczne złudzenia. Iago ma swój własny pogląd na sprawy. Jest pewien, że wszystko można kupić, że złoto pokonuje wszelkie przeszkody, że ludzie są z natury samolubni. Pod tym względem niezwykła jest jego rozmowa z weneckim szlachcicem Rodrigo, który jest zakochany w Desdemonie: „Mówię ci, wlej pieniądze do portfela, niemożliwe, żeby ją kochał przez długi czas. Początek miłości był burzliwy, a zobaczysz równie burzową przerwę, stertę samych pieniędzy do portfela ... ”(I, 2).

W przyszłości Iago całą swoją satanistyczną energię kieruje w stronę Othello i Cassio, których ma nadzieję zająć. Jest doskonałym aktorem, pomysłowym intrygantem i oszustem. Cóż jest nawet warte wynalezienia chusteczki Othello, którą Desdemona rzekomo przekazał Cassio! Starając się zainspirować Othello ideą, że nieskazitelny Desdemona zdradza go z młodym, przystojnym i jasnoskórym (!) Cassio, Iago natychmiast zadaje dwa ciosy swoim przeciwnikom. Ma jeszcze jeden powód, by intrygować przeciwko Othello. Podejrzewa Othello o bycie kiedyś kochankiem Emilii, jego żony. Ale nie zazdrość jest najważniejsza dla Iago, ale interes własny, żądza władzy, liczenie się na wyższą pozycję związaną z materialnym zyskiem. A podłość triumfuje nad szlachetną prostotą i szczerością. Wierząc oszczerstwom Iago, Othello zabija Desdemonę. Pod koniec tragedii, przygnębiony wszystkim, co się wydarzyło, mówi o sobie do Lodovico, krewnego Brabantio, który właśnie przybył na Cypr: „Jeśli chcesz, nazwij go uczciwym mordercą, bo nie uczyniłem nic z nienawiści, ale zrobiłem wszystko dla honoru” (V, 2).

Co znaczą te słowa Otella? Zwykle aktorzy przedstawiali emocjonalny dramat Othello jako niepohamowaną zazdrość, rodzaj wściekłości afrykańskiej krwi. Tymczasem A.S. Puszkin zauważył, że „Otello nie jest z natury zazdrosny - wręcz przeciwnie: ufa” [A.S. Puszkin o literaturze. M., 1962. S. 445.]. Dla Otella utrata wiary w Desdemonę oznaczała utratę wiary w człowieka. Straciwszy Desdemonę, Othello stracił wiarę w życie. W jego duszy panował chaos. Ale zabójstwo Desdemony to nie tyle eksplozja mrocznych namiętności, co akt sprawiedliwości. Othello mści się zarówno za oburzoną miłość, jak i za świat, który stracił harmonię. Jest nie tyle zazdrosnym mężem, ile groźnym sędzią, padającym na świat nieprawdy, podłości i oszustwa. Nie bez powodu w krytycznym momencie swojego istnienia mówi o „honorze”, nadając temu pojemnemu słowu głęboki ludzki sens. A poznawszy całą prawdę, jak bezstronny sędzia kładzie na sobie ręce (V, 2).

W tym względzie interesujące jest porównanie tragedii Szekspira z opowiadaniem Giraldiego Chiltio „Wrzosowisko Wenecji” (1565) [Patrz: Literatura obca. Renaissance / Comp. B.I. Purishev. M., 1976. S. 135-145.], Z którego angielski dramaturg zapożyczył fabułę swojej sztuki. W Chintio to zwykła krwawa nowela, nowela o nieokiełznanym Mauru, który z „obudzonej w nim bestialskiej zazdrości” z pomocą porucznika (Iago) zabija Disdemona (Desdemona) i nawet pod torturami nie przyznaje się do zbrodni. Wszystko w nim jest znacznie prostsze i bardziej prymitywne. Jej moralność zawarta jest w słowach Desdemony: „Wy, Maurowie, jesteście tak rozpaleni, że tracicie panowanie nad sobą i pragnienie zemsty z powodu każdego drobiazgu”. A gdzie indziej: „Nie wiem, co myśleć o Mavrze. Jak mogłem nie stać się przerażającym przykładem dla dziewcząt, które wychodzą za mąż wbrew woli rodziców…” [Tamże. Str. 142.]

Tragedia Szekspira jest napisana zupełnie inaczej. Otello potrafił w niej wzbudzić miłość wykształconej i inteligentnej Desdemony. W powieści włoskiej nie ma nawet własnego imienia - jest po prostu Maurem.

Jednym z najwspanialszych dzieł Szekspira, aw każdym razie najbardziej bolesnym jest tragedia „Król Lear” (1605), której fabuła sięga do kronik R. Holinsheda, która wielokrotnie przyciągała uwagę wielkiego dramaturga. Wydarzenia przedstawione w sztuce rozgrywają się w starożytnej, na wpół legendarnej Wielkiej Brytanii w okresie przedchrześcijańskim. Spektakl wielokrotnie budził kontrowersje wśród literaturoznawców, którzy różnie interpretowali jego orientację ideologiczną i artystyczną oryginalność. Wiadomo, że L.N. Tołstoj w swoim eseju „O Szekspirze i dramacie” (1906) ostro skrytykował twórczą spuściznę angielskiego dramaturga, a zwłaszcza tragedię „Króla Leara”. Tołstoj był zirytowany tym, że Szekspir od czasu do czasu łamał zasady codziennej wiarygodności. Ale prawda o życiu, tak jak została ona zdefiniowana w literaturze XIX wieku, nie pokrywała się z praktyką artystyczną renesansu. Zwłaszcza w dziełach teatralnych epoki szekspirowskiej, bezpośrednio nastawione na zdolność widza do postrzegania konwencjonalnych urządzeń. Wystarczyło, że dramatyczna postać zmieniła ubranie, a najbliżsi ludzie już go nie rozpoznali (książę Gloucester i jego syn Edgar, który pojawia się w stroju biednego szaleńca - Toma of Bedlam, hrabiego Kentu i króla Leara). Widzowie przyzwyczaili się do przebierania się i niesamowitych przemian od czasów karnawału. To prawda, „King Lear” nie jest zabawną farsą. Chociaż przedstawiał dowcipnego błazna, który towarzyszył królowi Learowi w jego wędrówkach, jest to jedno z najsmutniejszych dzieł Szekspira. Świat nadal był wielką sceną teatralną dla dramaturga. Nic dziwnego, jeśli chodzi o świat, Lear ze smutkiem zauważa: „... płakaliśmy, kiedy przyszliśmy na świat na ten spektakl z błaznami” (IV, 6).

Atmosferę majestatycznego aktorstwa potęguje w tragedii fakt, że jej akcję przypisuje się czasom legendarnym, wręcz bajecznym. Co prawda nie ma tu wróżek i czarownic, ale sam Król Lear i jego trzy córki, jak z baśni, weszli na scenę teatralną. Sędziwy król w najmniejszym stopniu kieruje się w swoich działaniach względami zdrowego rozsądku i aby uwolnić się od ciężaru władzy królewskiej, postanawia podzielić swój stan między córki. Jednocześnie jako dziecko kochające nową zabawę pragnie, aby przekazaniu władzy towarzyszyła swoista rywalizacja o lojalność i miłość dziecka. Najstarsze córki Gonerila i Regana, jak zapamiętana mowa, wypowiadają swoje wspaniałe wyznania: stary ojciec jest im droższy niż wszystkie skarby świata, życie, jego radości, samo powietrze (I, 1). Oczywiście w tych słowach nie ma prawdy. To tylko fantazyjna świąteczna maska, która zadziwi obecnych. Najmłodsza córka ceni sobie prawdę. Dlatego szczerze oświadcza ojcu, że go kocha, tak jak córka powinna kochać swojego ojca. Lear jest wściekły. Cały swój majątek oddaje najstarszym córkom, a Cordelii nic nie pozostawia. Nie przeszkadza to jednak szlachetnemu królowi Francji wziąć ją za żonę.

Życie surowo karze łatwowiernego Leara, który wolał lśniący wygląd od surowej, ale szlachetnej esencji. Wkrótce zdaje sobie sprawę, jak niepoważny był jego czyn. Rzeczywiście, wraz z koroną stracił prawdziwą władzę w kraju, a bezduszne najstarsze córki nie miały większych trudności z pozbawieniem go ostatnich przywilejów, na jakie liczył (świta stu rycerzy). Zmieniając się w żebraka wędrowca, Lear, podczas burzy na nagim stepie, ukrywa się w nędznej chacie pasterza.

Są w tym wszystko cechy, które przypominają słynną ludową opowieść o macochy, złych córkach i Kopciuszku. Dopiero na samym początku głupi Król Lear wciela się w macochę, a skromna i wierna Cordelia okazuje się Kopciuszkiem. W przyszłości role w tragedii ulegną zmianie. Złe siostry stają się macochą, a Cordelia dzieli miejsce odrzuconego Kopciuszka z Learem. Ale Szekspir nie ma szczęśliwego zakończenia charakterystycznego dla opowieści ludowej.

Ściśle spleciona z historią króla Leara i jego córek jest historia księcia Gloucester, bliskiego współpracownika króla, oraz jego synów, legalnego Edgara i nielegalnego Edmunda. Szekspir znalazł tę historię w powieści pasterskiej Arkadia F. Sidneya. W jednym z odcinków powieści mówimy o królu Paphlagon i jego dwóch synach, dobrym i złym. Pojawienie się w King Lear drugiej linii fabularnej najwyraźniej powinno wzmocnić wyobrażenie świata jako areny, na której zderzają się siły dobra i zła.

W King Lear szalejące siły zła osiągają straszliwe napięcie. Lear wypiera się Cordelii. Czy wypędza swojego lojalnego hrabiego Kentu z królestwa? który odważył się potępić nierozsądną arbitralność Leara. Sam Lear tonie na dnie życia. Regan i jej mąż, książę Kornwalii, są przykuta do Kent. Książę Kornwalii wyrywa oczy do hrabiego Gloucester za lojalność wobec Leara. Z zazdrości Goneril podaje truciznę swojej siostrze Regan. Zdolny do wszelkiej podłości Edmund nakazuje zabicie Cordelii, schwytanej przez Brytyjczyków, po tym, jak francuskie wojska wylądowały na wybrzeżu Wielkiej Brytanii. Lear umiera, przygnieciony straszliwymi próbami. Goneril został dźgnięty. W uczciwym pojedynku szlachetny Edgar zabija Edmunda, doprowadzając motyw triumfalnej sprawiedliwości do finału tragedii.

A jednak obraz świata, który rozgrywa się w tragedii, jest naprawdę straszny i smutny. W sztuce szlachetny hrabia Gloucester wciela się w oskarżyciela tego tragicznego świata, którego wkrótce ma stać się ofiarą. Gloucester nawet wydaje się, że obfitość nikczemności i nikczemności, które zawładnęły ziemią, myli samą naturę, która wysyła ludzi zaćmienia, słoneczne i księżycowe. Według niego „miłość stygnie, przyjaźń słabnie, bratobójcze walki są wszędzie. W miastach, zamieszki, na wsiach, kłótnie, w pałacach zdrady, więzy rodzinne między rodzicami i dziećmi upadają ... Nasz najlepszy czas minął. Zaciekłość, zdrada, śmiertelne zamieszki będą towarzyszyć nam do grobu ”(I, 2).

W tragedii mądrość zwykłego człowieka przedstawia błazna (głupca), który stoi na najniższym szczeblu drabiny społecznej. Błazen nie musi być pochlebny, jest przyjacielem prawdy. Nie opuszczając Leara w opałach, rzuca przed nim gorzkie prawdy. Według niego „prawda jest zawsze wypędzana z domu jak pies stróżujący, a pochlebstwo leży w pokoju i śmierdzi jak chart włoski”. „Kiedy podzieliłeś koronę na dwie części i dałeś obie połówki, załadowałeś osła na plecy, aby przenieść go przez błoto. Najwyraźniej mózg pod twoją złotą koroną nie wystarczył, aby go dałeś.” W obecności Gonerila błazen mówi do Lyry: „Byłeś raczej miłym człowiekiem w czasie, kiedy cię to nie interesowało, czy ona się marszczy, czy nie. A teraz jesteś zerem bez numeru. Nawet teraz jestem kimś więcej niż ty”.

Jednak sarkazm błazna dotyczy nie tylko Leara, ale także całej Wielkiej Brytanii, w której jego zdaniem wszystko jest wywrócone do góry nogami. Księża próżnują, zamiast uprawiać ziemię rzemieślnicy oszukują, nie ma sprawiedliwości w sądach, ale kradzież i rozpusta kwitną wszędzie (III, 2).

Ale oczywiście sam Lear jest najbardziej znaczącą postacią w tej tragedii. Został nazwany jego imieniem. Króla Leara odnajdujemy pod koniec jego dni. Król „od stóp do głów”, przyzwyczajony do honoru, ślepego posłuszeństwa, etykiety dworskiej. Wyobraził sobie cały świat jako służalczy dwór. Przekazując suwerenną koronę pochlebnym córkom, Lear nie mógł nawet pomyśleć, że robi fatalny krok, który zmieni nie tylko jego zwykły sposób życia, ale także samą ideę otaczającego go świata. Szekspir z uwagą obserwuje duchową przemianę swojego bohatera. Widzimy, jak arogancki autokrata, zamrożony w swojej zwykłej wielkości, staje się zupełnie innym człowiekiem, który doświadczył upokorzenia i żalu. Scena na stepie podczas gwałtownej burzy (III, 1) stanowi dramatyczny szczyt tragedii. Burza w naturze odpowiada burzy szalejącej w duszy Leara, który zamienił się w jednego z tych nieszczęśników, których po prostu nie zauważył z wysokości swojego tronu. W zrujnowanej bacówce pośród szalejących żywiołów zaczyna najpierw myśleć o ubogich: bezdomnych, nagich nieszczęśnikach,

Gdzie teraz jesteś? Jak odbijesz ciosy tej straszliwej pogody - w łachmanach, z odkrytą głową I chudym brzuchem? Jak mało o tym myślałem wcześniej! Oto lekcja dla ciebie, arogancki bogaczu! Zajmij miejsce ubogich, poczuj, co czują, daj im część swojego nadmiaru, jako znak najwyższej sprawiedliwości nieba. (III, 4, tłumaczone dalej przez B. Pasternaka)

Arogancki Lear zostaje przekształcony przez próby. Przestając być królem, staje się mężczyzną. To prawda, że \u200b\u200bznoszone cierpienie zaciemniło umysł nieszczęśliwego starca, a jednak, jak błyskawice wśród czarnych chmur, w jego umyśle pojawiają się jasne myśli. Według N.A. Dobrolyubov, w cierpieniu „ujawniają się wszystkie najlepsze strony jego duszy; tutaj widzimy, że jest dostępny na hojność, czułość, współczucie dla nieszczęśliwych i najbardziej humanitarną sprawiedliwość. Siła jego charakteru wyraża się nie tylko w przekleństwach na jego córki, ale także w świadomość swojej winy przed Cordelią i skruchę, że tak mało myślał o nieszczęsnych biednych, tak mało kochanych prawdziwej uczciwości ... Patrząc na niego, najpierw czujemy nienawiść do tego rozpustnego despoty, ale w miarę rozwoju dramatu coraz bardziej godzimy jako człowieka i ostatecznie wypełnia się oburzeniem i płonącym gniewem już nie na niego, ale na niego i na cały świat - do tej dzikiej, nieludzkiej sytuacji, która może doprowadzić do takiej rozpusty nawet ludzi takich jak Lear ”[Dobrolyubov N. I. Coll. cit.: W 3 tomach M., 1952. T. 2. S. 198.].

Wypełniona najgłębszą tragedią sztuka Szekspira jest jednocześnie przeprosinami za ludzkość, która kosztem największych wyrzeczeń utwierdza się w świadomości widzów. Transformacja Leara jest tego dobrym przykładem. Ostre przedstawienie kończy się słowami księcia Albanii, potępiającymi podłość i nieludzkość najstarszych córek Leara i księcia Kornwalii:

Nieważne, jak tęskni się za duszą, Czasy to utrudniają ...

Nie sposób rozwodzić się nad wszystkimi dziełami Szekspira. Do najbardziej monumentalnych dzieł angielskiego dramaturga należą jego rzymskie tragedie. Zainteresowanie starożytnym Rzymem było zrozumiałe w okresie renesansu. Co więcej, historia Rzymu była postrzegana jako klasyczny przykład historii politycznej. Głównym źródłem tragedii rzymskich Szekspira były Biografie Plutarcha, przetłumaczone na język angielski przez Northa (1579). Tragedie Juliusza Cezara (1599), Antoniusza i Kleopatry (1607), Koriolan (1607) wypełnia ryk historycznych wstrząsów, konfliktów społecznych i eksplozji ludzkich namiętności. W centrum akcji są silni, bystrzy ludzie. Dla nich „człowiek jest panem losu”. „My sami, a nie gwiazdy, jesteśmy winni naszej niewoli” - deklaruje Kasjusz w tragedii „Juliusz Cezar” (I, 2). „Dumny duch” Coriolanusa (Coriolanus, III, 2) nadaje rozmachu wydarzeniom rozgrywającym się w sztuce. Podnosi bohatera tragedii na wielkie wyżyny. Jest też przyczyną śmierci Koriolana, który przeciwstawiając się Rzymowi, przestaje być oparciem ojczyzny.

Za Plutarcha wywodzi się także tragedia „Timon ateński” (1608), której akcja rozgrywa się nie w starożytnym Rzymie, ale w Atenach z czasów Alcybiadesa (V wiek pne). Wspomniana tragedia ma punkty styku z Koriolanem. Podobnie jak Koriolan, Timon z Aten wyrzeka się swojego rodzinnego miasta, opuszcza je i traktuje swoich byłych współobywateli z nienawiścią. Tylko u Koriolana ta nienawiść jest wynikiem jego poglądów społeczno-politycznych. Arogancki arystokrata, pogardliwy dla kręgów plebejskich. Timon z Aten jest daleki od polityki i spraw państwowych. Wyrzeczenie się Aten jest czysto moralne. Bogaty człowiek, roztrwonił cały swój majątek na wyimaginowanych przyjaciół, przekonany, że wszyscy ludzie są cnotliwi i we właściwym czasie okażą się hojnymi i godnymi przyjaciółmi. Ale był okrutnie w błędzie. Jego wiara okazała się efemeryczna i naiwna. Wszyscy jego przyjaciele kierowali się tylko własnym interesem. Tylko jeden Flavius, pokorny sługa Timona, który naprawdę kochał i cenił swojego dobrego pana, okazał się godnym człowiekiem. Wszystko to doprowadziło Timona do mizantropii, do utraty wiary w człowieka. Korzenie tej smutnej moralnej degradacji świata tkwią w interesie własnym. Timon nie był jedynym, który zrozumiał tę gorzką prawdę. Jeden z nieznajomych, który zawędrował do Aten, zauważa ze smutkiem, że „rachunki zaczęły teraz podbijać sumienie” (III, 2). Złoto stało się symbolem czasu, poddania się jego chciwości, a Timon wygłasza namiętny monolog, w którym mówi o niszczącym wpływie cennego metalu na ludzi i społeczeństwo. W końcu za pomocą złota wszystko czarne można uczynić bielszym, wszystko podłe piękne, wszystko nisko - wysokie; złoto jest widzialnym bogiem, nałożnicą na całym świecie, przyczyną wrogości i wojen narodów (IV, 3).

W ostatnich latach swojego życia Szekspir nie stworzył ani jednego dzieła, które można by zrównać z „Królem Learem” czy „Makbetem”, nie mówiąc już o „Hamlecie”. Wrócił nawet do gatunku komedii, dopiero późniejsze komedie „Wszystko dobrze, co się dobrze kończy” (1603) i „Miarka za miarkę” (1604) były dalekie od karnawałowej miłości do życia. To nie przypadek, że nazywa się je „czarnymi komediami”, a sztuki kończące jego karierę nazywane są tragikomediami. Nie oznacza to, że Szekspir przestał dostrzegać tragiczne rysy, które brudziły oblicze ziemskiego świata. W komedii Wszystko dobre, co się dobrze kończy feudalna arogancja, która sprawiła, że \u200b\u200bhrabia Bertram odrzucił młodą, inteligentną, piękną, kochającą Elenę, która go kocha, nie budzi współczucia dla feudalnej arogancji tylko dlatego, że jest córką biednego lekarza. Na rozkaz dramatopisarza sam król Francji potępia arogancję feudalną (II, 3). Bezpośrednie oburzenie publiczności wywołuje gubernator austriackiego księcia Angelo („Miarka za miarkę”), nikczemny hipokryta, w celu przejęcia władzy, gotów złamać słowo dane Isabeli, skazanej na śmierć bezinteresownej siostrze szlachcica Claudio. Gdyby nie austriacki książę, który niczym nie rozpoznany Harun al Rashid obserwował poczynania swoich sług, wszystko mogłoby się skończyć dość smutno.

Szekspir nadal wysoko cenił człowieczeństwo i szlachetność ludzkiego ducha, triumfując jednak na scenie tylko w bajkowych sytuacjach tworzonych przez wyobraźnię poety. Ten bajeczny element jest szczególnie widoczny w późniejszych tragikomediach, które dopełniają karierę pisarza. Tak więc w tragikomediach „Cymbelin” (1610) wyraźnie pojawiają się cechy popularnych baśni ludowych znanych różnym narodom. Po pierwsze, są to intrygi złej macochy (królowej), która jest gotowa zniszczyć swoją pasierbicę (Imogena, córka króla Wielkiej Brytanii Tsimbelina z pierwszego małżeństwa), a później jej męża Tsimbelina, aby władza w królestwie przeszła na jej głupiego, nieznaczącego syna z pierwsze małżeństwo z Kloten. Echa baśni o Śnieżce (leśna jaskinia, dobre krasnale) kojarzą się z ucieczką Imogeny. Tylko zamiast krasnali mieszkają tu szlachetny Belarius, dworzanin wygnany przez Cymbelina oraz dwaj uprowadzeni przez niego synowie - młodzi i piękni, prawowici spadkobiercy brytyjskiego tronu. Z pełnym współczuciem autora Belarius potępia arbitralność wywołaną feudalną arogancją i prawie zabił Imogen. Wszak wybraniec jej serca - zwykły szlachcic Postumus Leonatus - jest obdarzony wieloma doskonałościami i nie można go pod tym względem porównywać z nieistotnym, choć szlachetnym Klotenem.

Tytuł kolejnej tragikomedii „Zimowa opowieść” (1611) bezpośrednio wskazuje na jej baśniową podstawę. Tutaj wszystko jest chwiejne i dziwne. Tu Czechy obmywają wody morskie (II, 3), a królowa Hermiona, żona zazdrosnego króla Sycylii Leontesa, jest córką cesarza rosyjskiego (!) (III, 2). Tutaj, nagle i bez powodu, obudzona zazdrość Leontesa nie zna granic. Tutaj, jak w bajce, nowonarodzona córka Hermiony i Leonte, nieszczęsna Perdita (Strata), oszalała z zazdrości, ojciec nakazuje zabrać ją do lasu i pozostawić tam na strzępy przez drapieżne zwierzęta. I jak w bajce, pozostawiona na łasce losu, dziewczyna nie umiera, ale odnaleziona przez starego dobrego pasterza dorasta w swojej skromnej chacie. Z biegiem czasu, odnajdując swoich prawdziwych rodziców, wyimaginowana pasterka zostaje żoną czeskiego księcia Florizela, który zakochał się w niej, kiedy jeszcze mieszkała wśród pasterzy. A w finale spektaklu, ku zdziwieniu ludzi, „ożywa” posąg przedstawiający rzekomo zmarłą Hermionę, rzekomo wykonany przez słynnego włoskiego artystę Giulio Romano (V, 2). Tak więc szczęśliwe zakończenie wieńczy tragikomedię. Szekspir starał się, aby był jak najbardziej zabawny i elegancki. Wprowadził w nią zabawną postać wesołego włóczęgi Autolycusa, który handluje drobnymi oszustwami, śpiewa ludowe ballady, a także sprzedaje wszelkiego rodzaju błyskotki (V, 4). Tutaj sprawa nie jest kompletna bez przebierania się, w którym oprócz Autolycusa bierze udział sam czeski król Polixenes. Spektakl zdobią sceny duszpasterskie poświęcone wiejskiemu festiwalowi strzyżenia owiec. Młoda Perdita pojawia się w ubraniach bogini Flory (V, 4). Temat wiosny jest w spektaklu przeciwstawiony światu mrocznych ludzkich namiętności. Perdita wręcza swoim gościom eleganckie kwiaty - są tu zarówno rozmaryn, jak i ruta, żonkile i fiołki, lilie i irysy (IV, 4). Szekspir tka wieńce na chwałę życia. Życie wygrywa. Jak ujął to jeden z sycylijskich dworzan, „w ciągu godziny ujawniono tyle cudów, że autorom ballad trudno byłoby sobie z tym poradzić”. Według niego „wszystkie te wiadomości” „wyglądają jak stara bajka” (V, 2), a stara jest zawsze dobra dla ludzi.

Ostatnim dramatycznym dziełem Szekspira była Burza (1612). Znowu przed nami tragikomedia, znowu bajka, a jednocześnie bajka „przychylna ludziom”. Bajeczny element Burzy jest jeszcze wyraźniejszy niż we wcześniejszych tragikomediach. Tak więc, jeśli w „Zimowej opowieści” akcja przenosi się do Czech, jednak zamienia się ją w morską potęgę, to wydarzenia w „Burzy” toczą się na bezludnej wyspie wróżek, która kiedyś należała do złej wiedźmy Sycorax i jej obrzydliwego syna Kalibana. Lekki duch powietrza Ariel stał się ofiarą jej mrocznego gniewu (I, 2). W sztuce cały czas dzieją się cuda. Ale nie są one interesujące same w sobie, jak w ówczesnych „maskach” dworskich czy na scenie teatru barokowego. Bajeczne urzekające elementy tworzą tylko elegancką oprawę dla humanistycznej treści spektaklu. Bajeczna fabuła, wybrana przez Szekspira, jest pełna głębokiej życiowej mądrości, a co za tym idzie, życiowej prawdy. Dowiadujemy się, że książę Prospero z Mediolanu został pozbawiony tronu i wygnany z Mediolanu przez swojego potężnego brata Antonio. Znalazłszy się na bezludnej wyspie, Prospero, dzięki mocy magicznych zaklęć, ujarzmił ponurego Kalibana i jasnego ducha Ariel, czyniąc go wiernym pomocnikiem. Wkrótce burza wywołana magiczną sztuką Prospera rzuca na wyspę uzurpatora Milana Antonia z królem Neapolu Alonzo, któremu podarował Mediolan, szereg dworzan, błazna, pijanego lokaja, a także Ferdynanda, godnego syna króla Neapolu. Prospero zebrał ich wszystkich na wyspie, aby rozwiązać tragiczny węzeł zawiązany w Mediolanie. Ale dzięki złym ludziom ludzkie wady przenikają na wyspę: brat Alonza, Sebastian, wraz z uzurpatorem Antonio, zabije króla Neapolu, aby zagarnąć jego tron. Pijany lokaj Stefano chce zabić Prospera i po schwytaniu Mirandy zostać władcą wyspy. Żądza władzy prześladuje ludzi. W ich sercach szaleje wad. Ten sam Stefano gotów jest ukraść wszystko, co się pod ręką (IV, 1). Jednak na wyspie są porządni ludzie. To mądry Prospero, jego córka Miranda i młody, przystojny Ferdynand. Młodzi ludzie zakochali się w sobie. Prospero pobłogosławił ich małżeństwo. Widząc Ferdynanda i innych ludzi, Miranda wykrzyknęła: „O cud! Jakie piękne stworzenia tutaj! Jak dobra rasa ludzka! Świat takich ludzi jest piękny!” (V, 1. Przetłumaczone przez T.L.Schepkina-Kupernik).

Mała wyspa stworzona przez wyobraźnię Szekspira staje się niejako fragmentem wielkiego, hałaśliwego świata. To nie przypadek, że wydarzenia zaczynają się od burzy, która nadaje nazwę tragikomedii. Burza zamienia wyspę w wir ludzkich spraw. Tutaj piękno spotyka się z brzydotą, szlachetność z nikczemnością. Tutaj znajduje się prawdziwa miłość i ludzka mądrość. Prospero pokonuje ciemne siły miłości własnej. W końcu złoczyńcy żałują swoich przestępczych czynów i zamiarów. Uzurpator Antonio zwraca mediolański tron \u200b\u200bProsperowi. Ferdynand i Miranda są zjednoczeni w szczęśliwym małżeństwie. Jasny duch Ariel zyskuje wolność. Harmonia jest przywracana w burzliwym świecie. Moc magii nie jest już potrzebna Prospero i wyrzeka się jej, decydując się na złamanie swojej magicznej różdżki i zakopanie magicznej księgi w morzu (V, 1).

Jak można się spodziewać, opowieść kończy się szczęśliwym zakończeniem. Tymczasem widz nie opuszcza świadomości, że harmonia została przywrócona tylko w bajce. Czy to dlatego Burza Szekspira owija się mgiełką smutku? Czy to dlatego Prospero mówi do Ferdynanda, który obserwuje tańczące nimfy:

Nasza zabawa się skończyła. Aktorzy, jak już mówiłem, były duchy I rozpływały się w powietrzu jak para. W ten sposób te świetlne wizje, tak wspaniałe pałace i wieże, zwieńczone chmurami i świątyniami, a sama kula ziemska pewnego dnia zniknie i stopi się jak chmura. My sami jesteśmy stworzeni ze snów, a sen otacza to nasze małe życie ... (IV, 1).

Tutaj Szekspir zbliżył się bardziej niż gdziekolwiek indziej do mądrości baroku. Jednak Burza nie czyni Szekspira pisarzem barokowym. W jednej ze swoich najbardziej „renesansowych” komedii, „Sen nocy letniej”, zwrócił się do królestwa snów. Tylko tam „sny” oznaczały żywą teatralność, niezwykłe zwroty akcji. Jednak „Burza” charakteryzuje się również jaskrawą teatralnością. Przy całym bajecznym wyposażeniu sztuki człowiek nie staje się duchem. On, tak jak powinno być w dziele renesansu, pozostaje suwerenem tego świata.

Oczywiście „cuda” Prospera nie wykraczają poza ramy baśni, ale baśni, która potwierdza, a nie odrzuca życie.

Ten rękopis B.I. Purisheva się kończy.