Русское искусство первой половины XIX века. Русская живопись XIX века Русское искусство 1 половины 19 века
Главное движение шло в сторону реализма, но он утверждался в борьбе с авторитетным классицизмом, представленным Академией и поэтому сумел завоевать позиции намного позже, чем в литературе. В то время, как Пушкин уже к 25 – 26 году стал «Поэтом действительности», русская живопись с трудом преодолевала косное влияние предшествующей эпохи. Первоначально новая русская живопись связала себя с романтизмом.
Орест Адамович Кипренский (1782 – 1836)
Этот художник стоял у истоков русской живописи 19 века. Его искусство отличает страсть и порыв, стремление к передаче движения внутренней жизни. Он искал в человеке возвышенное, изображал героев в лучшие минуты, передавал способность чувствовать, стремление жить духовной жизнью. Лучшая часть его творчества – портреты конца 1800-1810-ых гг. Кипренский искал в лицах людей отблески идеала. Его интересует человек, не имеющий отношения к государственной службе, живущий в сфере частных интересов, в мире чувств.
Портреты: портрет Евграфа Давыдова (1809), портрет мальчика Челищева (1808 – 1809), портрет поэта В. А. Жуковского (1816).
Основные приемы живописи следующие:
резкий контраст света и тени, иногда близкая градация соседних цветов. Преимущественно красный, синий и белый составляют основной аккорд цвета. Каждое лицо Кипренского неповторимо, про такого героя можно сказать, что он единственный. Это черта романтизма.
Наиболее известный портрет кисти Кипренского был создан в 1827 году. Это портрет А. С. Пушкина,
про который все близкие говорили, что он ближе других похож на оригинал.
Сильвестр Щедрин (1791 – 1830)
Пейзаж романтизма. После поездки в Италию Щедрин избавляется от академического налета и обретает свободу. 10 лет проводит он там, переживает расцвет творчества и умирает, не успев вернуться на Родину. Он пишет итальянские виды. Природа на его полотнах предстает сияющей, радостной, опьяняющей. Сверкают краски. Человек и природа составляют основу его мировоззрения. Щедрин шел тем же путем, что Констебл в Англии, что Коро во Франции. Задача – открыть внутреннюю жизнь для бытия в согласии с природой. Щедрин стал первый из русских художников работать на открытом воздухе – на пленэре. «Новый Рим»,«Берег в Сорренто с видом на остров Капри»
.
Щедрин искал правду света и воздуха, их взаимодействия, овладевал законами пленэра. Он изгонял музейные «коричневые» тона. Любил холодные серебристые, серые. Под конец жизни художник вернулся к горячим краскам.«Терраса на берегу моря»
.
Родоначальник бытового жанра. Алексей Гаврилович Венецианов (1780 – 1847)
.
Простой служащий, землемер, в начале 19 века занялся живописью. Переехал из Москвы в Петербург, брал уроки у Боровиковского. Венецианов был близок к передовым кругам общества. Об этом говорит его офорт «Вельможа»
. На рубеже 10-40-ых гг. Венецианов открыл для себя бытовой жанр, приобрел небольшое имение в Тверской губернии и занялся изображением крестьянского мира.
Перед ним встала задача изображения света, льющегося из разных источников, показ крестьян в различных положениях. Поэзию он видел в самой обыденности, в жизни деревни. В этом он близок Пушкину. На картинах Венецианова ничего особенного не происходит. Действие обычно односложно. Конфликтов художник не изображает. Человек на его полотнах изображен в окружении природы. Венецианов первый открывает красоту родной природы. Лучшие создания Венецианова «На пашне. Весна», «На жатве, Лето».
Карл Павлович Брюллов (1799 – 1852)
Ровесник Пушкина, Брюллов нередко пересекается с великим поэтом в своем творчестве. Но если Пушкин стремительно шел от романтизма к реалистической манере, к «поэзии действительности», то Брюллов смог только соединить академическое холодное мастерство с романтическим размахом, особенно в самой знаменитой своей картине. Он искал идеальное, светлое и радостное, но не шел трудными путями в искусстве. После Академии Брюллов, как это всегда и случалось с лучшими выпускниками, оказался в Италии. В картинах 20-ых годов на сюжеты античности, из итальянского ренессанса, из Библии преобладают декоративные элементы, внешний блеск. В 30-ые годы появляется трагическое восприятие жизни. В это время зреет центральный замысел Брюллова.
«Последний день Помпеи» (1830 – 1833) гг.
В 30-ые гг. Брюллов создает ряд парадных портретов. Он стал необыкновенно модным художником, заваленным заказами. Брюллов стремится запечатлеть некий возвышенный момент. Такова «Всадница»-
Воспитанница графини Самойловой – Джованина.
В 40-ые гг. художник искал психологической выразительности. Замечателен «Автопортрет»
1848 г. написанный художником после тяжелой болезни. Перед нами усталый, разочарованный, утомленный жизнью человек. Этот портрет далек от холодного академизма. Он написан в свободной манере, мазок широкий, не зализанный, что говорит о будущем русского искусства.
Александр Иванов (1806 – 1858)
Это был человек исключительной силы мысли, характера, «золотая душа», умевший заботится о близких, и при этом очень строгий в домашней жизни. Он был настоящим поэтом и презирал все внешние эффекты, выгоды. Его отличала огромная, беспредельная любовь к родине, мечта о ее возвышении. Беспредельная жажда самоусовершенствования, постоянное саморазвитие, недовольство собой – все это делало его исключительно яркой личностью. Александра Иванова ценили Герцен и Огарев, Чернышевский, его другом был Н. В. Гоголь.
Иванов родился в Петербурге в семье художника. Окончил Академию и в 1830 году приехал в Италию, в Рим. Он вернется только за полтора месяца до смерти и привезет «Явление Христа народу». Задачи, которые Иванов ставил перед собой, все время усложнялись. Сначала он хотел постичь итальянскую школу и ее дух, затем связать религию и мифологию с проблемами добра и зла.
«Явление Христа Магдалине»
– первый подступ к новой задаче, еще во многом академический.
«Явление Христа народу».
С 1836 по 1848 Иванов писал вторую и главную свою работу. По сути он продолжал над ней работать до самой смерти. Это полотно полно удивительных достоинств: изображение природы и людей, характеров, душевных проявлений, движения сердца, гениальна сама мысль – изобразить открывшуюся людям истину и надежду на спасение. Иванов не вводил в этюды фигуры людей, жанровые мотивы. Его пейзажи философски-историчны. На «Аппиевой дороге»
представлена та дорога, на которой стояли кресты с распятыми рабами после восстания Спартака. В одной ветке, искрящейся на солнце, Иванов способен был ощутить Вселенную. После 1848 года, после революций в Европе, деньги из России перестали поступать. Умер отец. Иванов не мог теперь завершить картину так, как он этого хотел. А новые его замыслы были еще грандиознее: цикл библейских картин на стене специального здания. Эскизы становятся свободнее. Освобождаются от остатков академизма. Но, как и Микеланджелло, Баженов, Роден, Иванов не сумел воплотить все свои замыслы. Иванов не получил признания в России, но его творчество сыграло огромную роль в развитии всего русского искусства 19 века.
Павел Андреевич Федотов. (1815 – 1852)
Его расцвет и гибель пришлись на 40-ые гг. 19 века – время торжества николаевской реакции. Трагична судьба художника, заплатившего дорогую цену за то, что первый смело стал вглядываться в черты русской жизни. Он закончил московский кадетский корпус, попал в Петербурге в Гвардейский Финляндский полк, с русской армией была связана большая часть его жизни. Если бы не это знание армейской среды, он не смог бы так точно нарисовать образ своего майора в прославленной картине. В армии Федотов увлекся рисованием, карикатурой, наброском, часто рисовал своих друзей, бытовые военные сценки, выезды в летние вонные лагеря и т.д. Он учился живописи самостоятельно, стал брать уроки в Академии. Известны его замечательные рисунки «Следствие кончины Фидельки», «Муж обманутой жены», Девушка, соблазняемая офицером у постели больной матери»
, Сами названия этих работ напоминают о натуральной школе в литературе, смыслом которой было непосредственное изображение самых типичных сторон русской жизни. Но Федотов не входил в круг писателей, связанных с идеологом натуральной школы – Белинским. Он шел своим путем сам. В 40-ые гг. Федотов начинает пробовать себя в масляной живописи. Он углубляется в суть жизни, все более трагичными становятся его работы.
Самые значительные полотна Федотов создал с 1846 по 1852 гг. Каждая из его картин была вехой на пути новой системы художественного осмысления действительности.
«Свежий кавалер» 1846 г
. Представлена обличительная идея.
«Сватовство майора» 1848 г.
Это вершина творчества Федотова. Суть знаменитого полотна – изображение мира обмана, лжи, брака, который, конечно, предстает как заурядная сделка. Все более страшным становится мир на полотнах художника. Искажаются предметы, появляется сильная экспрессия. Исчезает сатира в картине «Вдовушка»
, где на портрете умершего мужа женщины Федотов представил самого себя.
«Игроки» 1852 г
. Сцена почти нереальна, фантастична. Вскоре Федотов заболел душевной болезнью и закончил свои дни в доме для умалишенных Он похоронен на кладбище Александо-Невской Лавры в Петербурге. Сам Федотов, как писал критик Стасов, наверное, удивился бы, если бы узнал, что его поиски шли в том же русле, что поиски лучших французских художников 19 века, прокладывавших пути реалистическому направлению. За смелость, с которой он всмотрелся в николаевскую действительность, он заплатил высокую цену, но его достижения, серьезность которых не сразу поняли академики, готовили почву русским художникам реалистам – передвижникам.
Живопись первой половины XIX века:
Тенденция реалистической живописи 18-го века остаётся ведущей и в первой половине нового столетия, особенное внимание обращается в этот период на черты русской жизни, которые носят характер народный и национальный. Значительным достижением русской живописи первой трети 19-го века было развитие портретного жанра. Портреты этого времени освещает гуманизм пушкинской эпохи с её безграничным уважением к достоинству человека. Патриотический подъём, вызванный борьбой против французской интервенции 1812 года, ожидание торжества социальной справедливости придали мироощущению передового человека этой эпохи возвышенный характер, вместе с тем гражданское начало соединялось здесь с лирическим, интимным, что придавало духовному облику лучших людей того времени особенную полноту.
К числу крупнейших русских портретистов первой половины 19-го века принадлежит Василий Андреевич Тропинин (годы жизни 1776-1857),один из основоположников романтизма в живописи России. В своих портретах Тропинин раскрывал ценность человеческой личности во всей конкретности её внешнего облика и духовного мира. Портреты Тропинина легко узнать по благодушному выражению лица, свойственному его персонажам, он наделял своих персонажей собственным спокойствием и доброжелательностью. Помимо портретов Тропинин разрабатывал в своем творчестве и бытовую тематику, что делает его также одним из основоположников русской жанровой живописи.Шедевром раннего творчества Тропинина можно назвать "Портрет Арсения Тропинина". Детские образы были для художника особенно привлекательны. Большая часть детских портретов работы Тропинина имеет жанровую завязку, он изображает детей с животными, птицами, игрушками, музыкальными инструментами («Мальчик с жалейкой», «Мальчик со щеглом» и другие). "Портрет Арсения Тропинина" подкупает искренностью и чистотой эмоций, написан он легко и обобщённо. Изысканный колорит построен на сочетании золотисто-коричневатых тонов, сквозь красочный слой и лессировки просвечивает розоватый тон грунта и подмалёвка.|
В. А. Тропинин. Кружевница. 1823 г. |
Образ миловидной девушки, на мгновение оторвавшейся от своего занятия и взглянувшей на зрителя, наводит на мысль, что ей труд ничуть не в тяжесть, что это всего лишь игра. Тщательно и с любовью написан натюрморт - кружева, коклюшки, ящик для рукоделия. Ощущение покоя и уюта, созданное Тропининым в этой картине, убеждает в ценности каждого мгновения повседневного человеческого бытия.
К ранним формам русской жанровой живописи можно отнести и другие портреты крепостных рукодельниц кисти Тропинина - золотошвеек, вышивальщиц, прях. Их лица похожи, в них ясно просматриваются черты женского идеала художника - нежный овал, тёмные миндалевидные глаза, приветливая улыбка, кокетливый взгляд. Эти работы Тропинина отличают чёткие контуры и корпусное наложение красок, живописная фактура приобретает плотность. Мелкие, плотно положенные мазки делают картины похожими на миниатюры в технике эмали.|
В. А. Тропинин. Портрет А. С. Пушкина. 1827 г. |
Пушкин изображён сидящим в непринуждённой позе, правая рука положена на столик с раскрытой книгой. Фон и одежда объединены общим золотисто-коричневым тоном, на котором выделяется лицо поэта, – самое интенсивное красочное пятно и композиционный центр картины. В широко раскрытых голубых глазах поэта светится подлинное вдохновение. Все современники отмечали в этом портрете безукоризненное сходство с Пушкиным, где художник, добросовестно следуя натуре, сумел запечатлеть и высокую одухотворённость поэта.
На 1830-1840-е годы приходится наибольшее количество портретов, написанных Тропининым. Это портреты первых лиц в городской иерархии и лиц частных - дворян, купцов, а также духовно близких Тропинину актёров, писателей, художников.В эти годы под влиянием вернувшегося в Россию из Италии Карла Брюллова у Тропинина появляются произведения большого размера по типу парадного портрета. В портрете самого Брюллова артистическую незаурядность художника Тропинин подчеркивает пышным фоном с античными развалинами, увитыми виноградными лозами и дымящимся Везувием.
Поздние произведения Тропинина привлекают своей жанровой наблюдательностью, предвосхищающей интерес к бытописанию, свойственный русской живописи 1860-х годах.
Стоит отметить, что Тропинин большую часть жизни был крепостным и получил вольную только в 47 лет (а его семья, жена и сын, спустя ещё 5 лет), но, несмотря на это, всю жизнь художник сохранял доброжелательное отношение к людям, изображая их в портретах в добром расположении духа и с приятным выражением лица.
Василий Андреевич Тропинин за всю свою долгую творческую жизнь создал более трёх тысяч портретов, оказав огромное влияние на формирование московской школы живописии развитие реалистических тенденций в русском искусстве.
Одним из самых значительных русских живописцев первой половины 19-го века можно назвать Карла Павловича Брюллова (годы жизни 1799-1852). Брюллов в своём творчестве тяготеет к большим, историческим полотнам, общий замысел их зачастую романтичен, хотя в них и сохраняются черты классицизма, и реалистическая основа.Карл Брюллов родился в семье академика, резчика по дереву и живописца-декоратора. В 1809 г. Брюллов был принят в Академию художеств, с отличием её окончив, был отправлен в пенсионерскую поездку в Италию, где им был написан цикл картин на тему жизнеутверждающей красоты здорового человека, всем своим существом ощущающего радость бытия («Итальянское утро», «Итальянский полдень», «Вирсавия»).
Отчётливо звучит эта тема радостной красоты и гармонии в картине «Итальянский полдень». Мастерски передает Брюллов эффект солнечных лучей, пронизывающих листву и виноградную кисть, налитую соком, прослеживает игру света и смягчённой рефлексами тени на смуглой коже итальянки, сохраняя при этом чёткость пластических объемов её обнаженных плеч и полных рук.
Карла Брюллова можно назвать и мастером парадного портрета. Романтическая приподнятость образа, его декоративность, пластическая чёткость объёмной формы и изумительная материальность фактуры предметов отличают лучшие парадные портреты Брюллова, такие, как «Всадница» и два портрета графини Юлии Самойловой.Однако можно отметить, что парадные портреты Брюллова лишены той значительности, которая присуща репрезентативному изображению 18-го века. Многие парадные портреты Брюллова носят характер чисто внешний, предваряя салонный портрет второй половины 19-го века.
В отличие от заказных парадных портретов особая точность психологических характеристик моделей отличает портреты людей искусства работы Брюллова (поэта Кукольника, скульптора Витали, баснописца Крылова, писателя и критика Струговщикова).
В портрете Витали Брюллов изображает скульптора как увлечённого творца, блеск увлажнённых глаз выдает напряжённость творческого состояния, а простая одежда с небрежно откинутым воротником белой рубашки напоминает о рабочей обстановке скульптора. Брюллов ярким светом выделяет лицо и руку Витали, погружая всё остальное окружение в мягкую полутьму.
К. П. Брюллов. Последний день Помпеи. 1830-1833 гг.
Вершиной творческих достижений, яркого таланта и виртуозного мастерства Карла Брюллова можно назвать большую историческую картину «Последний день Помпеи», характеризующую романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом и повышенным интересом к пленэру.
На картине Брюллов изобразил момент извержения Везувия в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Трагически неотвратима гибель людей под действием слепых, стихийных сил, зарево вулкана и свет молний озаряют мечущуюся в ужасе толпу людей, ищущих спасения. Брюллов объединяет в образах персонажей этой картины традиционную для классицизма героическую идеализацию и присущую новому романтическому направлению склонность к изображению натур в исключительных ситуациях.
В построении композиции картины Брюллов использует основные правила классицизма: фронтальность и замкнутый характер композиции, её деление в глубину на три плана, распределение действующих лиц по группам, скомпонованным в виде академических треугольников. Такое построение композиции в стиле классицизма вступает в противоречие с общим романтическим характером замысла картины, внося в картину некоторую условность и холодность.
В отличие от современников, освещавших картины нейтральным рассеянным дневным светом, Брюллов смело и успешно берётся за передачу сложнейшего двойного освещения: горячего красного света от пламени вулкана в глубине и холодного, зеленовато-голубоватого света на переднем плане от вспышки молнии.
Картина "Последний день Помпеи" Карла Брюллова произвела сенсацию, как в России, так и за рубежом, знаменуя собой первый большой международный успех русской живописной школы.
Скульптура первой половины XIX века:
|
П.О. Росси. Портрет И. П. Мартоса |
Наиболее выдающимся представителем русского классицизма в скульптуре этого периода можно назвать Ивана Петровича Мартоса (годы жизни 1754-1835).
В творчестве Мартоса большое место занимает мемориальная скульптура. Мартоса можно назвать одним из создателей своеобразного типа русского надгробия эпохи классицизма. В числе первых дошедших до нас произведений Мартоса выделяется надгробие С. С. Волконской, представляющее собой мраморную плиту с барельефным изображением плачущей женщины рядом с урной. Стройная, величавая фигура целиком задрапирована в длинные одежды, лицо затенено наброшенным на голову покрывалом и почти не видно. Произведению Мартоса присуща большая мера сдержанности в передаче человеческой скорби; спокойное и ясное решение общей композиции надгробия.
Те же черты отличают и надгробие Е. С. Куракиной. Вместо сложной многофигурной композиции скульптор расположил на постаменте надгробия лишь одну полулежащую фигуру женщины; облокотившись на овальный медальон с портретом умершей, женщина в скорби закрывает лицо руками. На постаменте надгробия Мартос высек барельеф с изображением двух сыновей умершей на характерном для классицизма гладком нейтральном фоне.
Сила и драматизм глубоких человеческих чувств переданы в этом произведении Мартосом с художественным тактом и пластической выразительностью.
В мраморных надгробиях Мартоса с глубокой поэтичностью раскрывается тема скорби, в них ощущается большая искренность чувств, возвышенно-этическое понимание человеческого горя, в них отсутствует подавляющий человека ужас смерти.
|
И. П. Mapтос. Памятник Минину и Пожарскому в Москве. 1804- 1818 гг. |
Памятник Минину и Пожарскому представляет собой скульптурную группу на гранитном пьедестале строгой прямоугольной формы. Простирая руку в сторону Кремля и словно призывая к спасению отечества, Кузьма Минин вручает князю Пожарскому меч, Пожарский, принимая меч и придерживая левой рукой щит, поднимается со своего ложа, на котором он покоился после полученных ранений.
Доминантным образом в группе является фигура Кузьмы Минина; его могучая фигура явно главенствует и привлекает основное внимание широким свободным взмахом руки. В постамент с двух сторон врезаны горельефы, передний горельеф изображает граждан-патриотов, жертвующих свое имущество на благо Родины, задний - изображает князя Пожарского, гонящего поляков из Москвы.
Мартос лаконичными средствами сумел в полной мере выразить в монументе идею гражданского долга и подвига во имя родины, что полностью отвечало делам и чувствам русского народа после победы в войне с французами в 1812 году.
Памятная надпись на постаменте
Работы Мартоса позднего периода предвосхищают романтические тенденции скульптуры второй половины 19-го века. Мартос создаёт памятники, играющие большую роль в создании образного строя городов: герцогу Э. Ришелье в Одессе, Александру I в Таганроге, Г. А. Потемкину-Таврическому в Херсоне, М. В. Ломоносову в Архангельске.Среди поздних монументальных произведений Мартоса выделяется памятник Ришелье в Одессе, ставший символом этого города. Мартос изобразил Ришелье облачённым в древнеримскую тогу, его движения сдержанны и выразительны, что подчёркивает благородную простоту образа. Монумент композиционно связан с окружающим архитектурным ансамблем: со зданиями, расположенными по полукружию площади, со знаменитой одесской лестницей и приморским бульваром.
Иван Петрович Мартос сыграл определяющую роль в формировании творчества многих русских скульпторов 19-го столетия. Он более пятидесяти лет преподавал в Академии художеств, с 1814 г. был её ректором.
В творчестве многих скульпторов первой половины 19-го века можно увидеть усиливающийся интерес к передаче реальности и увлечение жанрово-бытовой тематикой, что будет определять черты искусства второй половины столетия. Расширение тематики скульптурных произведений и интерес к жанру более всего характерны для творчества П. К. Клодта.
Пётр Карлович Клодт (годы жизни 1805-1867) - русский скульптор из баронской семьи Клодт фон Юргенсбург балтийско-немецкого происхождения.
В юности барон Клодт по настоянию отца, начальника штаба Отдельного Сибирского корпуса, поступил в артиллерийское училище, но всё свободное время, он отдавал своему главному увлечению: при малейшей возможности Клодт брался за карандаш или перочинный ножик и рисовал или резал лошадей в малых размерах.
В 23 года Клодт ушёл с военной службы и посвятил свою дальнейшую жизнь исключительно скульптуре. В 1830-м году Клодт поступил вольнослушателем в Академию художеств, его учителями стали ректор Академии И. П. Мартос, а также известные мастера скульптуры С. И. Гальберг и Б. И. Орловский. В это же время большим успехом стали пользоваться статуэтки Клодта, изображающие лошадей.
Первым знаменитым монументальным произведением Клодта можно назвать скульптурную группу коней в оформлении Нарвских ворот в Санкт-Петербурге. Над этим большим правительственным заказом Клодт трудился совместно с такими опытными скульпторами как С. С. Пименов и В. И. Демут-Малиновский.
По модели Клодта на аттике арки ворот установили медную шестёрку коней, несущую колесницу богини славы. В отличие от классических изображений этого сюжета, кони в исполнении Клодта стремительно несутся вперёд и встают на дыбы, сообщая при этом всей скульптурной композиции впечатление порывистого движения.
С 1833-го по 1841-й годы Клодт работает над моделями четырёх групп «Укротителей коней», установленных на Аничковом мосту в Санкт-Петербурге.Романтически звучащая тема этих групп, выполненных в лучших традициях русского классицизма, может быть определена как борьба воли и разума человека с силами природы. Поверженный наземь при первой попытке обуздать животное, человек в итоге всё же становится победителем. Чётко переданные упругие объёмы характерны для всех четырех групп, ясны и выразительны их силуэты. Благодаря этим качествам скульптурные группы Клодта композиционно цельно входят в окружающий архитектурный городской ансамбль.
|
П. К. Клодт. Укротитель коня. 1833-1841 гг.
|
В первой группе обнажённый атлет сдерживает вздыбленного коня, животное и человек напряжены. Нарастание борьбы показано с помощью двух основных диагоналей: плавный силуэт шеи и спины лошади образует первую диагональ, которая пересекается с диагональю, образуемой фигурой атлета. Движения выделены ритмичными повторами. |
|
|
Во второй группе голова животного высоко вздёрнута, пасть оскалена, ноздри раздуты, конь бьёт передними копытами по воздуху, фигура человека развёрнута по спирали в попытке осадить коня. Основные диагонали композиции сближаются, силуэты коня и человека словно переплетаются между собой. |
|
|
В третьей группе человек повержен на землю, а конь пытается вырваться на волю, победно выгибая шею, его свободе препятствует только узда в левой руке человека. Основные диагонали композиции чётко читаются и выделяется их пересечение. Силуэты коня и человека образуют раскрытую композицию, в отличие от первых двух групп. |
|
|
В четвёртой группе человек укрощает разъярённое животное: опираясь на одно колено, он останавливает дикий бег коня, обеими руками сжимая узду. Силуэт коня образует пологую диагональ, силуэт человека прикрывается драпировкой, спадающей со спины коня. Общий силуэт монумента вновь становится замкнутым и уравновешенным. |
Клодт отказывается здесь от всех условных и идеализирующих приёмов скульптуры классицизма и передаёт свои живые впечатления и облик человека, которого хорошо знал и любил. Скульптор изображает поэта сидящим в простой, естественной позе, акцентируя внимание на лице Крылова, в котором раскрывается его личностная характеристика. Необычно решает Клодт постамент памятника, всю среднюю часть которого занимает сплошной, опоясывающий по периметру горельеф с изображениями разнообразных животных, персонажей басен Крылова. Несмотря на некоторую критику за чрезмерный реализм в изображении животных на постаменте, монумент был высоко оценен и занял достойное место в истории русской скульптуры.
В течение всей жизни много внимания Клодт уделял малой пластике - небольшим статуэткам, изображавшим лошадей ("Лошадь на водопое", "Покрытый попоной конь, вставший на дыбы", "Конь, скачущий галопом", "Жеребёнок" и др.). Скульптор в этих статуэтках мастерски передаёт индивидуальный характер каждого животного; это настоящие портреты, выполненные проникновенно, с чутким вниманием и неподдельным уважением к натуре.Интерес к изобразительному искусству охватывал все более широкие слои общества, что выразилось в создании различных художественных Обществ, росте популярности выставок в Академии художеств, основании художественных журналов, создании художественных музеев.
Портрет остался ведущим жанром в живописи, его развитие было связано с творчеством О.А. Кипренского и В.А. Тропинина. В работах этих художников просматривается стремление уловить неповторимость духовного и эмоционального мира современников, романтизм переплетается с чертами реализма. Пейзаж развивался наряду с портретом, связанный с именем С.Ф. Щедрина, для которого характерно поэтическое восприятие естественного облика природы. Бытовой жанр представлен творчеством А.Г. Венецианова, который сознательно избрал его как самостоятельный и полноправный вид живописи, и П.А. Федотова. Тематика их живописи национальна и демократична. Историческая живопись развивалась под влиянием войны 1812 г., роста патриотизма и национального самосознания. Это направление представляли А.А. Иванов, написавший знаменитую картину Явление Христа народу, А.Е. Егоров и др. Некоторые художники равноценно работали в различных жанрах. Таким были Ф. Бруни, К.П. Брюллов, крупнейший художник своего времени, в творчестве которого воплотились драматизм, человечность, блестящее мастерство.
Практически все развитие живописи в тот период проходило в рамках классицизма, в живописи получившего название академизма. Академизм был ориентирован на высочайшую изобразительную технику, мифологические и библейские сюжеты, декоративность композиции. В целом, для живописи ХIХ в. характерно расширение жанров, сюжетов, усовершенствование технических приемов и художественных аспектов. Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм.
Классицизм в архитектуре в начале ХIХ в. достиг наивысшего уровня развития, создав благодатную почву для выражения гражданского пафоса. Характерная черта - создание крупных ансамблей. Русскую архитектуру отличал высокий профессионализм, поиски новых путей.
Среди архитекторов того времени следует выделить О.И. Бове, который руководил работами по восстановлению Москвы после пожара 1812 г. Под его руководством были созданы уникальные городские ансамбли: Театральная, Воскресенская, Красная площади; Александровский сад; построены здания Большого театра, Манежа - сооружения, преобразившие облик города. В Петербурге классицизм сохранил свой официальный характер и отражал значение города как столицы империи. К числу выдающихся памятников принадлежит Казанский собор (1801-1811) архитектора А.Н. Воронихина; здание Биржи (1804-1811) архитектора Тома де Томон; городские ансамбли К.И. Росси, превратившие город в произведение искусства. По проекту АД. Захарова было воздвигнуто здание Адмиралтейства. От него разошлись лучи петербургских проспектов. По проекту А.А. Монферрана был создай Исаакиевский собор - самое высокое здание России того времени.
На смену классицизму, исчерпавшему свои возможности, пришедшему в противоречие с изменившимися эстетическими потребностями эпохи в 30-е гг. ХIХ в. пришла эклектика. Ее главный принцип - использование элементов различных архитектурных стилей прошлого в свободной форме. Архитектор К.А. Тон - один из самых ярких представителей данного направления. По его проекту был построен храм Христа Спасителя (1839-1883) в честь победы в Отечественной войне 1812 г.
Наиболее значимые успехи были достигнуты в это время в области монументальной скульптуры. Так же как в других направлениях художественной культуры, здесь сильно было влияние Отечественной войны 1812 г., популярными стали темы героизма, патриотизма и т.д. Скульптура развивалась в рамках стиля классицизм, но достаточно сильное влияние приобретают реалистические черты. Характерной особенностью развития русской скульптуры первой половины века, стал синтез скульптуры и архитектуры, что особенно ярко выразилось в создании городских ансамблей, решении других градостроительных задач.
Среди выдающихся скульпторов-монументалистов, особое место занимают В.И. Демут - Малиновский и С.С. Пименов. Вместе с архитектором Воронихиным, они создавали неповторимый декор Казанского собора, затем барельефы для Горного института. Несколько грандиозных статуй было ими высечено из камня для здания Адмиралтейства. Скульпторы работали также в сотрудничестве с архитектором Росси, вершиной их творчества считается скульптура арки Главного штаба.
К числу выдающихся памятников эпохи относится монумент Минину и Пожарскому на Красной площади, созданный скульптором И.П. Мартосом. В образах героев XVII в. воплощены черты патриотизма, национальной гордости. Большое значение имело творчество Б.И. Орловского, автора фигуры ангела, венчающего Александровскую колонну, памятников фельдмаршалу М.И. Кутузову и генералу Барклаю де Толли перед Казанским собором в Петербурге. Александровская колонна - менгир, один из известнейших памятников Петербурга. Воздвигнут в стиле ампир в 1834 году в центре Дворцовой площади архитектором Огюстом Монферраном по указу младшего брата императора Александра I Николая I в память о победе над Наполеоном. Колонна представляет собой монолитный обелиск, который стоит на украшенном барельефами пьедестале с посвятительной надписью "Александру I благодарная Россия". Наверху колонны - скульптура ангела работы Бориса Орловского. Лицу ангела приданы черты Александра I. В левой руке ангел держит четырёхконечный латинский крест, а правую возносит к небу. Голова ангела наклонена, его взгляд устремлён на землю. Колонна обращена фасадной стороной к Зимнему дворцу. Она является не только выдающимся архитектурным памятником, но и большим инженерным достижением своей эпохи. В первой половине XIX в. появилось самостоятельное русское музыкальное искусство, хотя еще сильно ощущалось влияние итальянской, немецкой, французской школ. Русская национальная музыкальная культура создавалась на основе народного творчества, о чем свидетельствует творчество А.А. Алябьева, создателя русской национальной оперы М.И. Глинки. Значительную лепту в развитие отечественного музыкального искусства внесли новаторские оперы А.С. Даргомыжского. Сочетание народных мотивов с романтизмом обусловило появление особого жанра - русского романса (А.А. Алябьев, А.Е. Варламов, АЛ. Гурилев). В тот период роль драматического театра в культурной жизни России серьезно возросла. В Москве центром этого вида искусства стал Малый театр, где весьма сильны были демократические тенденции; в Петербурге - Александринский, сохранивший значение официального. Театральное искусство этого времени развивалось в рамках стиля романтизм (особенно в творчестве П.С. Мочалова, игравшего в пьесах Шиллера, Шекспира; особый успех имела его роль Гамлета). Постепенно на русской сцене утверждалось реалистическое направление благодаря драматургии А.С. Грибоедова, Н.В. Гоголя, А.Н. Островского. Среди актеров, создавших славу русской сцены, следует выделить М.С. Щепкина, П.С. Мочалова, Е.С. Семенова, и др. Существовали различные виды театров. По-прежнему широко были распространены крепостные театры, принадлежавшие русским аристократическим фамилиям (Шереметевым, Апраксиным, Юсуповым и др.). Государственных театров было немного (Александрийский и Мариинский в Петербурге, Большой и Малый в Москве). Особое место в культурной жизни России занимало балетное театральное искусство. Оно развивалось в тесной связи и под влиянием отечественной литературы. Уходили в прошлое балеты "чистейшего классицизма". Им на смену приходили сентиментальные мелодрамы и романтические постановки. В репертуаре появились балеты, сюжет которых был подсказан отечественной литературой.
Русская художественная культура в первой половине XIX столетия достигла высоких успехов. Именно в это время творили Пушкин, Гоголь, Лермонтов, Грибоедов, Жуковский, Крылов. Этот бурный расцвет художественной культуры был связан с подъемом национального самосознания передовых кругов русского общества в период Отечественной войны 1812 года. Борьба за освобождение родины от иностранной интервенции, вызвавшая волну высоких патриотических чувств, не могла не сказаться и на явлениях русского искусства.
Передовая русская идеология этого времени складывалась под прямым воздействием Отечественной войны 1812 года и дворянского революционного движения, оформившегося в программе декабристов.
Отечественная война необычайно высоко подняла народное самосознание, чувство патриотизма и национальной гордости. Народный характер войны и патриотические подвиги простых русских людей надолго приковали к себе внимание передовой общественности России и вызвали своеобразную переоценку эстетических ценностей: народные образы и национальные сюжеты заняли в русском искусстве чрезвычайно значительное место, несоизмеримое с той эпизодической ролью, какую они играли в творчестве большинства мастеров XVIII века. Обращение к народу влило новые силы в русскую художественную культуру. Передовые творческие направления опирались на тот круг идей, который выдвинула дворянская революционная мысль.
Критика того времени указывала на «мощное направление современного гения к народности» во всех областях искусства. «Народность» стала центральной проблемой передовой русской культуры двадцатых и тридцатых годов прошлого века. Понятием народности пытались воспользоваться даже реакционные публицисты, включив его в официальную формулу правительственной политики («православие, самодержавие, народность»). В противовес официальному истолкованию народности в передовых художественных кругах складывалось совершенно иное ее понимание, сформулированное одним из прогрессивных теоретиков искусства в начале тридцатых годов: «Разумею под народностью то патриотическое одушевление изящных искусств, которое, питаясь родными впечатлениями и воспоминаниями, отражает в своих произведениях родное благодатное небо, родную святую землю, родные драгоценные предания, родные обычаи и нравы, родную жизнь, родную славу, родное величие».
Первая половина 19 века - яркая страница в культуре России. Все направления - литература, архитектура, живопись этой эпохи отмечены целым созвездием имен, которые принесли русскому искусству мировую известность. В XVIII веке в русской живописи господствовал стиль классицизма. Значительную роль классицизм играл и в самом начале XIX века. Однако к 1830-м годам данное направление постепенно утрачивает свое общественное значение, и все больше превращается в систему формальных канонов и традиций. Такая традиционная живопись становится холодным, официальным искусством, поддерживаемым и контролируемым Петербургской Академией художеств. Впоследствии понятие «академизм» стали употреблять для обозначения косного, оторванного от жизни искусства.
Новизну воззрений привнес в русское искусство романтизм - европейское течение, сложившееся на рубеже XVIII - XIX веков. Один из основных постулатов романтизма, противоположный классицизму, - утверждение личности человека, его мыслей и мировосприятия в качестве главной ценности в искусстве. Закрепление за человеком права на личную независимость порождало особый интерес к его внутреннему миру, и в то же время предполагало свободу творчества художника. В России романтизм приобрел свою особенность: в начале века он имел героическую окраску , а в годы николаевской реакции - трагическую . В то же время романтизм в России всегда был формой художественного мышления, близкой по духу революционным и вольнолюбивым настроениям.
Имея своей особенностью познание конкретного человека, романтизм стал основой для последующего зарождения и становления реалистического направления , утвердившегося в искусстве во второй половине 19 века. Характерной особенностью реализма являлось обращение к теме современного народного быта, утверждение новой тематики в искусстве - жизни крестьян. Здесь прежде всего необходимо отметить имя художника А.Г. Венецианова. Наиболее же полно реалистические открытия первой половины 19 века отразились в 1840-е годы в творчестве П.А. Федотова.
В целом культурная жизнь данного периода была неоднозначной и многообразной : одни преобладающие тенденции в искусстве сменялись другими. Поэтому исследователи при более детальном рассмотрении искусства первой половины XIX века его обычно делят на два периода - первую и вторую четверти столетия. Однако стоит отметить, что данное разделение условно. Кроме того, говорить о классицизме, романтизме и реализме в чистом виде в этот период не приходится: их разграничение,как хронологически, так и по признакам не является абсолютным.
Живопись в первой половине XIX века приобрела гораздо большую значимость в жизни общества, чем это было в XVIII веке. Развитие национального самосознания, вызванное победой в Отечественной войне 1812 года, подняло интерес народа к национальной культуре и истории, к отечественным талантам . Вследствие чего в течение первой четверти столетия впервые возникли общественные организации, основной задачей которых ставилось развитие искусств. Среди этих организаций были такие, как Вольное общество любителей словесности, наук и художеств, Общество поощрения художников. Появились специальные журналы, предпринимались первые попытки коллекционирования и показа русского искусства. Так, в образованных кругах приобрел известность небольшой частный «Русский музеум» П. Свиньина, а при императорском Эрмитаже в 1825 году была создана Русская галерея. В практику Академии художеств с начала века вошли периодические выставки, которые привлекали немало посетителей. При этом большим достижением был допуск на эти выставки по определенным дням простого народа, что вызывало, тем не менее, возражения некоторых журнальных критиков.
Выдающимися достижениями в русском искусстве начала 19 века характеризуется портретная живопись. Русский портрет в течение всего столетия будет являться тем жанром живописи, который наиболее непосредственно связывал художников с обществом, с выдающимися современниками. Ведь, как известно, большое количество заказов от отдельных лиц художники получали именно на портреты.
ОРЕСТ КИПРЕНСКИЙ (1782-1836)
Орест Кипренский, один из крупнейших живописцев первой половины XIX века – Автопортрет (1). Искусство этого художника, как и любого большого мастера неоднородно. В своих творческих устремлениях Кипренский подвержен влиянию как романтизма, так и классицизма. Произведения художника даже одного периода часто несхожи. В лучших картинах Кипренского отмечается романтическое понимание человеческой личности. В своих произведениях художник наделяет человека духовными качествами - умом, благородством, характером, умением размышлять и чувствовать. Именно поэтому в своих портретах Кипренский преимущественно изображал или выдающихся современников – среди его работ портреты Пушкина, Батюшкова, Жуковского, героев Отечественной войны 1812 года, или своих близких знакомых . Галерея портретов, созданная им, является гордостью русского изобразительного искусства. Сразу же после окончания Академии художеств Кипренский целиком отдается портретной живописи . Одной из лучших работ тогда еще молодого художника явился портрет Давыдова (2). Кипренский создал характерный для эпохи образ русского офицера - участника борьбы за независимость родины. В эмоциональной приподнятости портрета и его цветовом богатстве проявилось высокое живописное мастерство Кипренского. В других портретных работах и в целой серии карандашных рисунков запечатлел художник образы участников войны, офицеров, ополченцев, с которыми лично был хорошо знаком. Во всем портретном творчестве Кипренского, наряду с чертами романтической приподнятости, явственно сказывается стремление к реалистическому раскрытию психологии человека. Исключительный интерес представляет портрет А. С. Пушкина (3), правдиво запечатлевший для будущих поколений образ великого поэта. Значение Кипренского, тонкого рисовальщика и колориста, в русском искусстве первой половины XIX века огромно.
Современники сравнивали его работы с жанрами лирической поэзии, стихотворным посвящением друзьям, что было хорошо распространено в Пушкинское время. Портреты Кипренского всегда наделены глубокой раздумчивостью, они как бы вглядываются в мир. Кипренский во многом раскрыл для себя новые возможности в живописи. Каждый его портрет отличается все новым живописным строем, грамотно подобранными светом и тенью, разнообразным контрастом – «Неаполитанская девочка с плодами» (4), «Цыганка с веткой мирта» (5), «Девочка в маковом венке с гвоздикой в руке (Мариучча)» (6), «Молодой садовник» (7), «Портрет Е.П. Ростопчиной» (8). Правдиво передавая индивидуальные черты моделей, К. сумел воплотить в своих лучших портретах большое общественное содержание, показать человеческое достоинство и глубину духовной культуры изображаемых людей: за их внешним спокойствием всегда ощущаются живые человеческие чувства.
Наступившая после разгрома декабристов николаевская реакция заставила художника вновь уехать в 1828 в Италию, где он умер.
ВАСИЛИЙ ТРОПИНИН (1776-1857) –(9)
Значительным явлением в истории русской живописи было творчество В. Тропинина, замечательного художника-реалиста , значительную часть своей жизни бывшего крепостным.
Василий Андреевич Тропинин был даже несколько старше Кипренского, но неблагоприятные обстоятельства надолго задержали развитие его таланта.
В те годы, когда Кипренский создал портрет Давыдова, отмечающий вершину русской романтической живописи, Тропинин был еще безвестным крепостным художником в украинском поместье графа Моркова и с занятиями живописью совмещал обязанности кондитера и старшего лакея. По прихоти помещика он не смог завершить своего образования в Академии художеств. Годы молодости Тропинина ушли на то, чтобы самоучкой, наперекор препятствиям овладеть техническим умением и добиться профессионального мастерства. В учении он выбрал тот путь, каким обычно шли художники-самоучки его времени: он упорно и помногу работал с натуры и копировал картины в частных художественных коллекциях, к которым имел доступ благодаря связям своего помещика. Технику живописи он изучал не в академической мастерской, а на собственном опыте и на произведениях старых мастеров, а жизнь на Украине, как впоследствии говорил сам художник, заменила ему поездку в Италию.
Эта система самообразования при всех своих недостатках могла все же иметь и некоторые положительные стороны для художника с большим и самобытным талантом. Свобода от рутинного академического преподавания отчасти помогла Тропинину сохранить в неприкосновенности чистоту и своеобразие своих художнических восприятий. Живое общение с природой и знание народного быта, подкрепляемое постоянной работой с натуры, содействовали развитию реалистических тенденций, присущих дарованию Тропинина. Но в молодые годы, насильственно оторванный от художественной среды, он еще не стоял на уровне передовых задач искусства своего времени. Творчество Тропинина даже в конце 1810-х годов сближается по стилю не с работами его сверстников, а с искусством XVIII века.
Долгожданная свобода от крепостничесива пришла только в 1823 году, когда Тропинину было уже сорок семь лет; к этой поре и относится расцвет его дарования. Именно в этот период возникла его собственная, самостоятельная художественная система, своеобразно переработавшая наследие классицизма и живописные приемы XVIII века, и окончательно оформился созданный Тропининым жанр интимного бытового портрета.
Специалисты называют портреты Тропинина «антиподом» портретам Кипренского, поскольку его картины показывают свободного, раскованного, «домашнего» человека.
«Портрет человека пишется для памяти ему близких людей, людей, его любящих», - говорил сам Тропинин; в этом несколько наивном утверждении заключена, в сущности, целая программа, характеризующая задачи Тропинина и его отношение к действительности. В тропининских портретах передан интимный, «домашний» облик людей его эпохи
; персонажи Тропинина не «позируют» перед художником и зрителем, а запечатлены такими, каковы они были в частной жизни, вокруг семейного очага.
Тропинин обратился к жанровым мотивам, посвятив изображению простого трудящегося человека
ряд произведений. В своих работах он большое внимание уделяет изучению натуры - все его портреты правдиво воспроизводят окружающую художника жизнь, в них нет ничего нарочитого, надуманного – «Девочка с куклой» (10), «Старый ямщик, опирающийся на кнутовище» (11), «Кружевница» (12).
Его мягко прописанные портреты отличаются высокими живописными достоинствами и простотой восприятия, человеческие образы воспринимаются характерной правдивостью и спокойствием
без особого внутреннего волнения.
Некоторым из этих работ, несмотря на их вполне очевидный реалистический характер, присущи черты сентиментализма – «Девушка с горшком роз» (13), «Женщина в окне. (Казначейша)» (14).
В конце 1826 года С. А. Соболевский, близкий друг Пушкина, обратился к Тропинину с предложением написать портрет поэта. Атрибуты «домашности» - халат, расстегнутый воротник рубашки, растрепанные волосы, воспринимаются не как свидетельство интимной непринужденности позирующего, а, скорее, как признак того «поэтического беспорядка», с каким романтическое искусство так часто связывало представление о вдохновении «Портрет Пушкина» (15). По своему образному строю портрет Пушкина перекликается с произведениями современной Тропинину романтической живописи, но при этом Тропинин сумел создать романтический образ, не поступившись реалистической точностью и правдивостью изображения. Пушкин изображен сидящим, в естественной и непринужденной позе. Лицо, оттененное белизной отворота рубашки, - самое интенсивное красочное пятно в картине является одновременно и ее композиционным центром. Художник не стремился «приукрасить» лицо Пушкина и смягчить неправильность его черт; но, добросовестно следуя натуре, он сумел воссоздать и запечатлеть его высокую одухотворенность. Современники единодушно признали в тропининском портрете безукоризненное сходство с Пушкиным. В сравнении с известным портретом Пушкина работы Кипренского тропининский портрет кажется более скромным и, пожалуй, интимным, но не уступает ему ни по выразительности, ни по живописной силе.
В первой четверти XIX столетия важные процессы происходят и в области ПЕЙЗАЖНОЙ ЖИВОПИСИ. Если пейзажи художников предыдущего времени были в значительной степени условны и нарочито построены, причем, как правило, писались в мастерской, без натуры или очень мало были с ней связаны, то теперь пейзажисты вносят в свои работы гораздо больше жизненной правды , живой наблюдательности и эмоционального начала . Наиболее значительное место здесь принадлежит, безусловно, Сильвестру Щедрину.
СИЛЬВЕСТР ЩЕДРИН (1791- 1830)
Мастер русского пейзажного романтизма и лирического осмысления природы. Творчество Сильвестра Феодосиевича Щедрина явилось рубежом старого и нового в истории русского пейзажа. Художник довел до совершенства то, к чему стремились его предшественники, и положил начало новому реалистическому развитию русской пейзажной живописи. В его произведениях отчетливо сказывается упорная работа с натуры . Он первым из русских живописцев обратился к работе на плэнере. Все его пейзажи точно передают характер природы . Щедрин вводит в свои пейзажи и человека, однако уже не в виде безликих фигурок для масштаба, как это было прежде, а живых людей, реально связанных с природой. В своих лучших работах он успешно преодолевал условный, «музейный» колорит и правдиво передавал естественное состояние природы - нюансы солнечного света, легкую голубую дымку дали, нежные переливы голубого неба. Ему было свойственно тонкое лирическое чувство природы .
Закончив Академии художеств в Санкт Петербурге, в 1818 г. приехал в Италию и прожил более 10 лет. Заслужил невероятную по тем временам популярность у итальянцев желавших купить его картины, иногда приходилось писать много копий своих наиболее удачных работ, которые быстро раскупались. Знаменитые его работы – «Новый Рим "Замок святого ангела" (17), Набережная Мерджеллина в Неаполе (18), Большая гавань на острове Капри (19) и др. Преодолев традицию «героического пейзажа» и выработанное в Академии художеств понимание природы как повода для исторических воспоминаний, обратившись к живой, современной ему действительности и реальной природе, Щедрин вместе с тем преодолел и условную академическую схему художественного решения пейзажной темы.
Прожив недолгую но насыщенную творчеством жизнь, Щедрин так и не смог вернуться в Россию. Великолепные итальянские пейзажи отразили всю уникальную красоту природы этого края, представлявшаяся многим русским художникам райским местом - землей обетованной – «Грот во Флоренции» (20), «Итальянский пейзаж. Капри» (21), «Лунная ночь в Неаполе» (22), «Вид озера Неми в окрестностях Рима».
В этом маленьком полотне, принадлежащем к лучшим созданиям русской пейзажной живописи, с полной наглядностью выступают основные особенности новой художественной системы Щедрина. «Вид озера Неми» чужд тем нарочитым эффектам, которые составляют самое существо академического ландшафта. В щедринском пейзаже нет ни классических рощ, ни водопадов, ни величественных руин; идеализация сменяется живым и правдивым воссозданием образа природы. Основой нового метода становится не «сочинение» пейзажа, а непосредственное и точное наблюдение натуры
.
Узкая дорожка, обсаженная старыми деревьями, вьется вдоль берега и уводит взор зрителя в глубину картины. На первом плане несколько фигур: две крестьянки беседуют на берегу, идет монах, и мальчик-погонщик ведет за ним ослика. Дальше видны спокойные светлые воды озера; в глубине, закрывая горизонт, синеет высокая, поросшая лесом гора. Мягкий рассеянный свет заливает картину, сквозь ветви деревьев на песчаную дорожку падают солнечные блики, вода блестит серебром на солнце, и прозрачная воздушная пелена окутывает ближние и дальние предметы.
Реалистическое овладение пространством является одним из главных достижений Щедрина в этой картине. Здесь уже нет ни кулис, ни предметных вех, отмечающих глубину. Линейная перспектива сменилась воздушной. Правда, три традиционных плана еще сохраняются в картине, но уходящая вглубь дорога связывает их воедино и делает пространство непрерывным. Художник уже не удовлетворяется правдивым воспроизведнием отдельных деталей; он добивается целостности общего впечатления и органического единства всех элементов, составляющих пейзаж. Передача света и воздуха, единство освещения
, связывающего между собой предметы и пространственные планы, является основным средством, благодаря которому картина приобретает эту целостность.
Живописная система, разработанная Щедриным на основе изучения натуры на открытом воздухе (так называемая пленерная живопись), открывает новую страницу в истории пейзажа. Неудивительно, что новаторство русского мастера было оценено не сразу и вызывало протесты консервативной художественной критики. Идеологам академического искусства казалось, что Щедрин «придерживался рабского подражания природе, не допуская уклонений даже в пользу изящного». Действительно, художник сознательно отказался от условных и выдуманных эффектов, которые считались «изящными» в кругах, близких к Академии художеств. Но, конечно, он был очень далек от пассивного копирования натуры. В его картине не только запечатлен реальный облик берегов озера Неми, но и раскрыта с глубоким и подлинным проникновением поэзия итальянской природы, ее солнечное спокойствие и светлая, умиротворенная гармония.
Художник увлекся еще одним мотивом - увитой виноградом террасой с видом на море – «Веранда, обвитая виноградом» (24).
АЛЕКСЕЙ ВЕНЕЦИАНОВ (1780-1847) – (25)
Венецианова называют основоположником русской жанровой (бытовой) живописи . Это не совсем верно - у него были предшественники еще в XVIII веке. Но именно с Венецианова начинается подъем реалистических тенденций в русском искусстве, сопровождавшийся обращением к миру национальных и народных образов и повышением интереса к современной жизни.
Творчество Венецианова проникнуто патриотическим и подлинно демократическим мироощущением. Эпоха общественного подъема, связанного с Отечественной войной, раскрыла глаза художнику на глубокие моральные качества простого русского человека из народа, на его героизм и человеческое достоинство. В русском крепостном крестьянстве Венецианов - художник-гуманист - сумел разглядеть черты не рабского, а, напротив, высшего человеческого типа.
Замечательный русский художник-жанрист и портретист Алексей Гаврилович Венецианов впервые в русской живописи соединил образы крестьян и национальной природы. Венецианов - создатель целой галереи крестьянских портретов – «Спящий пастушок» (26).
Картина «Спящий пастушок» занимает выдающееся место в этом цикле. Она принадлежит к числу самых поэтических созданий Венецианова. Художник с особенной теплотой и лирической приподнятостью изображал крестьянских детей. Чистота и гармоническая ясность его художественного мышления как нельзя лучше отвечали задачам воссоздания детского мира. Ни один из русских мастеров его времени не достигал такой проникновенности, такой острой правдивости и вместе с тем такой силы поэтического чувства в изображении детских образов и детских переживаний. Этим, однако, не исчерпывается содержание «Спящего пастушка». Здесь отчетливо и наглядно выступают все основные особенности художественного языка Венецианова, весь строй его образного мышления, все прогрессивные стороны его искусства, но вместе с тем и исторически объяснимая органичённость его реализма. В «Спящем пастушке» нет никакого действия. Изображен крестьянский мальчик, уснувший в поле; он сидит на берегу узкой речки, прислонившись к стволу большой старой березы, а за ним на дальнем плане картины открывается типичный русский пейзаж с покосившейся избушкой, редкими елочками и бескрайними, до самого горизонта, полями. Но в этот несложный сюжет вложено глубокое эмоциональное содержание. Картина Венецианова проникнута чувством умиротворенности и покоя, лирической любовью к природе и человеку.
Главной темой картины является гармоничное слияние человека с природой, и Венецианов, несомненно, перекликается здесь с сентиментализмом к онца XVIII столетия. В «Пастушке» нет и следов нарочитого позирования, напротив, весь облик спящего мальчика отмечен чертами живой и непринужденной естественности. Венецианов с особенной тщательностью подчеркивает в нем национальный русский тип и придает его лицу выражение неподдельной трогательной душевной чистоты. Критика иногда упрекала Венецианова за несколько манерную позу пастушка, но этот упрек несправедлив - именно поза спящего мальчика с ее своеобразной оцепенелостью, хорошо передающей состояние сна, свидетельствует о меткой наблюдательности художника и о близости его образов к живой натуре. Особенно значительную роль в картине играет пейзаж. Он становится уже не «фоном» для изображения человека, а самостоятельным и существеннейшим средством в передаче чувств и в построении образа. Венецианов именно в пейзаже выступил как основоположник нового направления, впоследствии широко развитого русским искусством XIX века. Венецианов обратился к простой, «неукрашенной» природе родной страны и воссоздал ее не только с внимательной точностью, но и с глубоким лирическим чувством.
Образ природы, так же как и образ человека, в искусстве Венецианова становится носителем идиллического мироощущения.
«Гадание на картах» (27), «Жнецы» (28), «Крестьянка с косой и граблями (Пелагея» (29), «Купальщицы» (30), «На пашне. Весна» (31) . В своих художественных произведениях живописец выражает свою идейно-эстетическую позицию. Венецианов показывал душевную привлекательность крестьян , утверждал в нем личность, отстаивая тем самым его человеческие права. В своих произведениях, изображающих крестьян, художник стремился раскрыть духовную и физическую красоту простого русского человека . Живописец глубоко сочувствовал крестьянской доле, много сил прилагал к облегчению положения крепостных художников, но в то же время он был далек от социальной критики . На творчество Венецианова оказало большое влияние классическое наследие: он не боялся использовать в своих произведениях средства старой живописи. В то же время, являясь реалистом по устремлениям, ему наряду с возвышенной гармонией классицистов было близко уважение к личности, свойственное романтизму. Широкое обращение «отца русского жанра» к крестьянской теме явилось для того времени подлинным художественным откровением и было тепло встречено передовой частью русского общества.
Новаторство Венецианова проявилось не только в том, что он обратился к кругу образов, новых в русской живописи, но и в том, что для их воплощения он выработал новые реалистические изобразительные средства. Венецианов открыто порывал со старым условным искусством Академии и призывал учиться у жизни, у натуры, изучать ее и ей подражать .
Велико значение Венецианова как педагога . В своем имении Сафонкове он создал художественную школу, в которой получила образование целая плеяда живописцев, так называемых венецианцев. Эти художники, следуя заветам своего учителя, работали преимущественно в области жанра, изображая домашний быт, уличные сцены, труд крестьян и ремесленников, деревенский пейзаж.
Непомерные расходы, связанные с необходимостью содержать школу и обеспечивать своих воспитанников, легли тяжелым бременем на имение. В конце концов, он был вынужден заложить имение в Опекунский совет. Пытаясь хоть как-то выправить материальное положение, Венецианов брался за заказные работы. По большей части, это были портреты и иконы для церквей. 4 декабря 1847 года, окончив эскизы икон для одной из тверских церквей, он захотел самолично отвезти их в Тверь. На спуске с крутой горы лошади понесли, Венецианова выбросило из саней, и он запутался в вожжах. В село Поддубье тройка притащила уже бездыханное тело.
КАРЛ БРЮЛЛОВ (1799-1852) - (32)
Карл Петрович Брюллов - выдающийся русский исторический живописец, портретист, пейзажист, автор монументальных росписей; обладатель почетных наград: больших золотых медалей за картины «Явление Аврааму трех Ангелов у дуба Мамврийского» (1821 г.) и «Последний день Помпеи» (1834 г.), oрдена Анны III степени; Член Миланской и Пармской академий, Академии Святого Луки в Риме, профессор Петербургской и Флорентийской академий художеств, почетный вольный сообщник Парижской академии искусств.
В семье академика орнаментальной скульптуры П.И.Брюлло все семеро детей обладали художественными талантами. Пятеро сыновей: Федор, Александр, Карл, Павел и Иван стали художниками. Но слава, выпавшая на долю Карла, затмила успехи других братьев. Между тем он рос слабым и тщедушным ребенком, семь лет практически не вставал с постели и был истощен золотухой настолько, что «стал предметом отвращения для своих родителей».
Карл Павлович Брюллов был одним из самых ярких , и в то же время противоречивым художником в русской живописи XIX века. Брюллов обладал ярким талантом и независимым образом мыслей. Несмотря на веяния времени (влияние романтизма), художник не смог полностью избавиться от классицистических канонов. Возможно поэтому его творчество высоко ценилось далеко не передовой Петербургской Академией художеств: в молодости он был ее учеником, а в последствии стал заслуженным профессором. Однако, за исключением Федотова, у художника не было значительных по таланту учеников. Его последователи по большей части стали поверхностными салонными живописцами, усвоив лишь некоторые внешние приемы Брюллова. Тем не менее при жизни Брюллова, или «великого Карла», как его прозвала элита, почитали не только в России, но и многие выдающиеся люди Европы. Во второй же половине XIX века, в период расцвета реализма, художники и критики видели в Брюллове лишь представителя неприемлемого для них «академического» направления. Прошло немало лет, прежде чем художник занял по праву принадлежащее ему место в истории русского искусства.
Брюллов был человеком огромного таланта, проявленного им в самых разнообразных жанрах искусства. Развитие русской исторической живописи, портрета, рисунка, декорационной живописи
многим обязано его творчеству. В каждом из этих жанров виртуозное мастерство замечательного художника оставило глубокий след.
Получив первоначальное образование у своего отца, профессора Академии художеств, а впоследствии и в самой Академии, Брюллов с юношеских лет обнаружил выдающиеся художественные способности.
Будучи пенсионером в Риме и изучив классическое наследие, он выступил с произведениями, в которых сразу же проявились не только зрелость его дарования, но и плодотворность его поисков реалистической выразительности художественного образа. Такие картины Брюллова, как «Итальянское утро» (33), «Полдень» и некоторые другие, посвященные жизни итальянского народа, вызвали в Петербурге со стороны защитников классицизма упрек в чрезмерной приверженности молодого художника к реальной жизни. Это отнюдь не смутило Брюллова, и он с большим подъемом продолжал работать над своим крупнейшим полотном «Последний день Помпеи» (34), принесшим ему славу лучшего живописца эпохи. Проделав огромную предварительную работу, он создал подлинно драматическую эпопею, романтическая приподнятость образов которой произвела колоссальное впечатление на современников. Картина эта явилась триумфом русского изобразительного искусства, убедительным свидетельством его зрелости.
Понимание исторической темы, выраженное в «Последнем дне Помпеи», непосредственно перекликается с кругом исторических представлений, разработанных передовой русской литературой и общественной мыслью 1820-1830-х годов.
В отличие от прежней исторической живописи с ее культом героев и подчеркнутым вниманием к отдельной личности, противопоставленной безличной толпе, Брюллов задумал «Последний день Помпеи», как массовую сцену, в которой единственным и подлинным героем был бы народ.
Все основные действующие лица в картине являются почти равноценными выразителями ее темы; смысл картины воплощается не в изображении единичного героического акта, а во внимательной и точной передаче психологии массы. Работа над «Последним днем Помпеи» затянулась почти на шесть лет.
Тема картины взята из древнеримской истории.
Помпея (вернее Помпеи)-старинный римский город, расположенный у подножия Везувия, - 24 августа 79 года нашей эры в результате сильнейшего вулканического извержения был залит лавой и засыпан камнями и пеплом. Две тысячи жителей (которых всего было около 30 000) погибли на улицах города во время панического бегства.
Более полутора тысяч лет город оставался погребенным под землей и забытым. Лишь в конце XVI века при производстве земляных работ было случайно обнаружено место, где некогда находилось погибшее римское поселение. С 1748 года начались археологические раскопки, особенно оживившиеся в первых десятилетиях XIX века.
В центре картины находится распростертая фигура молодой женщины, разбившейся при падении из колесницы. Можно предполагать, что в этой фигуре Брюллов хотел символизировать весь гибнущий античный мир; намек на такое толкование встречается и в отзывах современников Не случайно рядом с центральной фигурой убитой женщины художник изобразил прекрасного младенца, как символ неиссякающей силы жизни. В картине есть и языческий жрец и христианский священник, как бы олицетворяющие уходящий античный мир и зарождающуюся на его обломках христианскую цивилизацию.
Будучи живописцем большого таланта, Брюллов своими произведениями разрушал узкие рамки академических канонов. Его работы неизменно отличались широтой замысла.
В своем творчестве художник основное внимание уделял человеку, раскрытию силы его разума и утверждению благородства его стремлений
. В каждом произведении Брюллова, в любом его холсте и в любом его рисунке неизменно воплощены любовь и уважение к человеку – «Гений Искусства» (35), «Нарцисс, смотрящий в воду» (36), «Спящая Юнона» (37).
Не случайны достижения художника и в области портрета. Брюллов напечатлел целую серию образов своих современников. Наряду с официальными заказными портретами, он оставил нам ряд глубоких реалистических изображений деятелей искусства, людей своего круга - писателей, художников, актеров – «Всадница» (38), «Гадающая Светлана» (39), «Портрет княгини Волконской» (40), «Турчанка» (41), «Сон монашенки» (42), «Профиль головы Глинки» (43).
АЛЕКСАНДР ИВАНОВ (1806-1858)
Новой и еще более значительной страницей в истории русской живописи явилось творчество Александра Иванова. Получив художественное образование в Петербурге, Иванов в качестве пенсионера Общества поощрения художеств был направлен в Италию для совершенствования и изучения классического искусства.
Воспитанный своим отцом, профессором исторической живописи Академии художеств, в традициях русского классицизма, Иванов остро ощущал упадок этого стиля в новых исторических условиях и крушение еще недавно господствовавших эстетических идеалов и представлений. Задачей всей своей жизни он поставил возвращение искусству его общественной значимости. Творческие достижения великих художников-классиков, по его мысли, следовало связать с новыми передовыми идеями русского общества.
«Соединить технику Рафаэля,- писал он,- с идеями новой цивилизации - вот задача искусства в настоящее время».
“Явление Христа Марии Магдалине” (44), - принадлежит раннему периоду творчества Иванова и обладает всеми присущими классицизму чертами: уравновешенной композицией, распределением фигур и предметов по планам, плавным рисунком и локальным цветом, эмоциональной выразительностью в трактовке традиционных мифологических и евангельских тем.
Ведущее значение для Иванова имеют образы искусства итальянского Возрождения. Завершает ранний период творчества художника картина “Апполон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением” (44а), созданная Ивановым уже в Риме, которая отличается необыкновенно тонкой композиционно-колористической гармонией и поэтической возвышенностью трактовки образов античного мифа. Это античность, воспринятая через Возрождение. Художник как бы открывает потаенный божественный смысл природы.
Великий русский художник Александр Андреевич Иванов обогатил российскую и европейскую живопись XIX века глубиной философской мысли. В своем творчестве Иванов поднимал многие проблемы современной ему жизни: художник первым в русской живописи поднял вопрос о социальном неравенстве людей . Его мировоззрение формировалось под влиянием Н. В. Гоголя, с которым художник дружил в эти годы. Гоголь во многом повлиял на представления Иванова о просветительских задачах искусства. Иванов осознал просветительскую и пророческую роль художника , он уверовал в то, что искусство должно служить преобразованию и нравственному усовершенствованию человечества. Художник стремился осмыс
Живопись первой половины XIX века Первая половина XIX века яркая страница в культуре России. Все направления – живопись, литература, архитектура, скульптура, театр этой эпохи отмечены целым созвездием имен, которые принесли русскому искусству мировую известность.
Живопись в первой половине XIX века имела большую значимость в жизни общества. Развитие национального самосознания, вызванное победой в Отечественной войне 1812 года, подняло интерес народа к национальной культуре и истории, к отечественным талантам. Вследствие чего в течение первой четверти столетия впервые возникли общественные организации, основной задачей которых ставилось развитие искусств: Вольное общество любителей словесности, наук и художеств, Общество поощрения художников. Появились специальные журналы, предпринимались первые попытки коллекционирования и показа русского искусства. Приобрел известность небольшой частный «Русский музеум» П. Свиньина, а при императорском Эрмитаже в 1825 году была создана Русская галерея. В практику Академии художеств с начала века вошли периодические выставки, которые привлекали немало посетителей. При этом большим достижением был допуск на эти выставки по определенным дням простого народа.
В самом начале XIX века в живописи значительную роль играл классицизм. Однако к 1830-м годам данное направление постепенно утрачивает свое общественное значение, и все больше превращается в систему формальных канонов и традиций. Новизну воззрений привнес в русское искусство романтизм - европейское течение, сложившееся на рубеже XVIII XIX веков. Один из основных постулатов романтизма, противоположный классицизму, утверждение личности человека, его мыслей и мировосприятия в качестве главной ценности в искусстве. Закрепление за человеком права на личную независимость порождало особый интерес к его внутреннему миру, и в то же время предполагало свободу творчества художника. В России романтизм приобрел свою особенность: в начале века он имел героическую окраску, а в годы николаевской реакции - трагическую. Имея своей особенностью познание конкретного человека, романтизм стал основой для последующего зарождения и становления реалистического направления, утвердившегося в искусстве во второй половине XIX века. Характерной особенностью реализма являлось обращение к теме современного народного быта, утверждение новой тематики в искусстве жизни крестьян. Здесь прежде всего необходимо отметить имя художника А.Г. Венецианова. Наиболее же полно реалистические открытия первой половины 19 века отразились в е годы в творчестве П.А. Федотова.
Выдающимися достижениями в русском искусстве первой половины XIX века характеризуется портретная живопись. Русский портрет – тот жанр живописи, который наиболее непосредственно связывал художников с обществом, с выдающимися современниками. Расцвет портретной живописи связан с поиском новых принципов художественного творчества и распространением в России романтизма. Романтизм присущ портретам художников О.А.Кипренского, В.А.Тропинина, К.П.Брюллова. Самые известные портретисты этого времени – Кипренский О.А. и Тропинин В.А. Кипренский О.А. «Автопортрет» Тропинин В.А. «Автопортрет», 1846 год
Кипренский О.А. (). Особая страница в русской живописи – женские портреты художника. Каждый из его портретов захватывает проникновением в душевные глубины образа, неповторимым своеобразием облика, великолепным исполнительским мастерством. Наибольшую известность получили портреты Е.С. Авдулиной (1822 г.), Е.А. Телешовой (1828 г.), Д.Н. Хвостовой (1814 г.). Одна из вершин творчества Ореста Адамовича портрет Е.П. Ростопчиной (1809 г.). Портрет Е.С.Авдулиной Портрет Е.А.Телешовой Портрет Д.Н.Хвостовой Портрет Е.П.Ростопчиной
Знаменитый портрет поэта А.С. Пушкина (один из лучших прижизненных) кисти Кипренского. Сам поэт об этой картине писал: «Себя, как в зеркале, я вижу. Но это зеркало мне льстит». Портрет лейб-гусарского полковника Е.В.Давыдова(1809 г.). Образ Давыдова, созданный Кипренским, предстает перед зрителем символом эпохи войн с Наполеоном, в преддверии Отечественной войны 1812 года.
Тропинин Василий Андреевич (). Сын крепостного, сам крепостной до 1823 года. Способности к рисованию проявились еще в детстве, обучался в Академии художеств в Петербурге, показывал блестящие успехи в учебе, получил серебряную и золотую медали. Но барин отправил его в украинское имение, где художник прожил около 20 лет, занимался живописью, строил и расписывал церковь. Тропинин В.А. написал огромное количество портретов, причём не только известных и знаменитых людей, но и представителей из народа. Особое внимание обращают прижизненные портреты великого поэта А.С.Пушкина и героя Отечественной войны 1812 года И.П.Багратиона. «Портрет Багратиона П.И.» «Портрет А.С.Пушкина», 1827 год
В портретах современников, людей из народа, художник показывает внутреннюю красоту человека. Так, в картине «Кружевница» Тропинину В.А. удалось найти редкую гармонию физической и нравственной красоты, социальной определенности типа девушки из народа и поэтичности образа. «Кружевница» характерна для русской живописи предпередвижнической поры: традиции XVIII века переплетаются здесь с приметами новой эпохи. «Девушка с горшком роз», 1820 год «Гитарист», 1823 год «Кружевница», 1823 год «Золотошвейка», 1826 год
Карл Павлович Брюллов() был одним из самых ярких, и в то же время противоречивым художником в русской живописи XIX века. Брюллов обладал ярким талантом и независимым образом мыслей. Воспитывался в семье художника, с детства был увлечён живописью, в 10 лет поступил учиться в Академию художеств. В 1822 году Карл Брюллов отправился в Рим для изучения искусства мастеров Эпохи Возрождения. «Автопортрет», 1834 «Автопортрет», 1848 г. «Портрет графини Ю. П. Самойловой с приёмной дочерью Амацилией Пачини" «Портрет Алексея Толстого»», 1832
В итальянский период творчества Брюллов значительное место уделял портретной живописи, написал знаменитую картину-портрет «Всадница». В картине «Итальянское утро» он обратился не к историко-мифологическим сюжетам, а к будничной сцене сбора винограда. В 1836 году Карл Павлович Брюллов становится профессором Петербургской Академии художеств, преподаёт в Академии, в этот период также пишет около 80 портретов. «Гадающая Светлана», 1836 год «Всадница», 1832 год «Итальянский полдень», 1832 год «Портрет сестёр Шишмарёвых, 1839 год
Самым высоким в Академии считался исторический жанр. Лучшими произведениями этого жанра стали работы К.П.Брюллова, в том числе «Последний день Помпеи». Эта картина является ярким образцом академического искусства, но уже просматриваются элементы романтизма.
История создания картины «Последний день Помпеи». В 1827 году на одном из приемов художник знакомится с графиней Юлией Павловной Самойловой, ставшей для него художественным идеалом, ближайшим другом и любовью. Вместе с ней Карл отправляется в Италию осматривать развалины античных городов Помпеи и Геркуланума, погибшие в результате извержения вулкана в 79 году н. э. Впечатлившись описанием очевидца трагедии римского писателя Плиния Младшего, Брюллов понял, что нашел тему для своего следующего произведения. Три года художник собирал материал в археологических музеях и на раскопках, чтобы каждый написанный на полотне предмет соответствовал эпохе. Вся работа над картиной продолжалась шесть лет. В процессе работы над картиной было сделано множество эскизов, набросков, этюдов, а сама композиция несколько раз перестраивалась. Когда в середине 1833 года произведение было представлено широкой публике, то оно вызвало взрыв восторга и преклонения перед художником. Ранее ни одной картине русской школы живописи не выпадала такая европейская слава. В 1834 году на выставках в Милане и Париже успех картины был потрясающим. В Италии Брюллова избирают почетным членом нескольких академий искусств, а в Париже ему была присуждена Золотая медаль. Успех картины предопределил не только удачно найденный сюжет, отвечающий романтическому сознанию эпохи, но также и то, как Брюллов делит толпу гибнущих людей на локальные группы, каждая из которых иллюстрирует тот или иной аффект - любви, самопожертвования, отчаяния, алчности. Показанная на картине губящая все вокруг сила, вторгшаяся в гармонию человеческого бытия, вызывала у современников мысли о кризисе иллюзий, о неосуществившихся надеждах. Это полотно принесло художнику всемирную славу. Заказчик картины - Анатолий Демидов – подарил ее царю Николаю I.
Иванов Александр Андреевич (гг.) Особое место в историческом жанре занимает монументальное полотно А.А.Иванова «Явление Христа народу», над которым он трудился 20 лет. Исполненное с соблюдением основных норм классической живописи, оно совмещает идеалы романтизма и реализма. Основная идея картины – уверенность в необходимости нравственного обновления людей.
История создания картины «Явление Христа народу». В 1833 году (с 1830 по 1858 год художник проживал в Италии) у Александра Андреевича возник замысел новой монументальной картины. Эта всемирно известная картина стала апогеем его творчества, в ней раскрылся в полной мере могучий талант художника. Работа над картиной занимала все мысли и время художника; было выполнено более трехсот подготовительных этюдов с натуры и альбомных зарисовок, многие из которых стали самостоятельными произведениями. За время работы над картиной Иванов перечитывал литературу по истории, философии, религиозным учениям, несколько раз переосмысливал замысел и сюжет. В Италии художник оказался в тяжелом материальном положении. Иванов жил на пособия, которые ему удавалось выхлопотать у разных учреждений или меценатов. Он экономил на каждой мелочи. Почти все деньги, которые ему удавалось достать, Александр Андреевич тратил на содержание громадной мастерской, покупку художественных материалов и оплату натурщиков. После нескольких перерывов в работе над картиной художник всё-таки закончил её к 1857 году. Но картина «Явление Христа народу», показанная художником после возвращения в 1857 году в Россию сначала в Зимнем дворце, потом в Академии художеств, была встречена довольно сдержанно.
О портретном мастерстве художника Иванова А.А. свидетельствуют написанный в 1841 году портрет Н.В.Гоголя, с которым живописца связывала тесная дружба. Картина «итальянского» периода творчества живописца «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения», над которой он работал с 1834 по 1836 год. Это полотно было отослано в Петербург, где получила положительные отзывы. Картина была помещена в картинную галерею Эрмитажа. Совет Академии оценил творчество художника, которое строго соответствовало классическим канонам, и присвоил ему звание академика.
Автопортрет, 1848 год Федотов Павел Андреевич (). Основоположник критического реализма в русской живописи. В своих жанровых картинах выразил крупные социальные проблемы. В годах учился в Первом московском кадетском корпусе. Благодаря своей феноменальной памяти Павел учился хорошо, науки давались ему легко. Уже тогда, в первые годы учебы у Федотова проявилась тяга к живописи. Со временем рисование переросло в страстное увлечение. Первые работы Федотова были связаны с военной темой. Он поступает в Академию художеств. Он не принимал целиком на веру всего, что преподавалось в Академии, что обусловило формирование его собственного взгляда на живопись, отличного от застывших канонов академизма. Выйдя в отставку, художник создал талантливые произведения социального направления, показывающие критическую позицию автора по отношению к действительности.
«Свежий кавалер», 1846 год «Разборчивая невеста», 1847 год Первое произведение художника Федотова П.А., написанное маслом - «Свежий кавалер» - относится к 1846 году. Эта жанровая картина понравилась и академическим профессорам, и демократическому зрителю. Через год Федотов написал еще одну картину «Разборчивая невеста». При непосредственном участии Брюллова эти две картины были приняты на академическую выставку 1847 года.
«Сватовство майора», 1851 За написанную позднее картину «Сватовство майора» совет Академии присудил Павлу Андреевичу звание Академика. Важное место в творчестве Федотова занимали портреты, из которых выделяется «Портрет Н. Жданович», написанный в 1849 году. «Портрет Н. Жданович за фортепьяно»,1849 год
Венецианов Алексей Гаврилович (), родоначальник отечественного бытового жанра (жанровой живописи). Его картины поэтизировали жизнь простого русского народа, посвящались повседневному труду и быту крестьян. «Автопортрет», 1811 год Родился в Москве, в семье купца. Учился в частном пансионате, служил в Департаменте почты, с детства увлекался живописью. Был учеником известного художника В.Л. Боровиковского. В 1811 А.Г.Венецианов был избран академиком Петербургской Академии художеств.
В 1818 году Венецианов оставляет государственную службу, женится и уезжает с семьей в имение Сафонково, принадлежавшее его новой жене. Именно здесь, вдали от городской суеты Алексей Гаврилович находит главную тему своего творчества. Венецианову открывается неиссякаемый источник вдохновения, разнообразие сюжетов и образов. Огромным вкладом Алексея Гавриловича Венецианова в развитие русской живописи является создание им своей школы, своего метода. От частных портретов крестьян художник приходит к великолепным художественным композициям, в которых народная жизнь, ее аура, находит многокрасочное выражение для неё. В 1822 году впервые работа художника А.Г.Венецианова была представлена императору. За нее живописец получил тысячу рублей, а само произведение было помещено в Бриллиантовую комнату Зимнего дворца. Называлась картина «Очищение свеклы». Это полотно стало своеобразной «поворотной точкой» в русской живописи, зарождением нового направления в русском искусстве бытового жанра. Именно Венецианов добился популярности этого направления живописи в народе.
В 1820-х годах Алексей Гаврилович написал несколько небольших картин, так называемых «крестьянских портретов», изображающих то девушек с крынкой молока, то с косой, со свеклой, с васильками, то мальчика с топором или заснувшего под деревом, то старика или старуху. «Девушка в платке», 1810 год «Захарка» «Девушка с крынкой молока», 1824 год Крестьянка с васильками.
«На пашне. Весна.» 1820 год На жатве. Лето. Следует отметить особенность образов крестьянок, свойственную многим картинам художника: их величавость, спокойное достоинство, деловитое выражение лиц. Прообразом крестьянки для картины «На пашне. Весна» послужила жена художника. Она - молодая, стройная женщина в длинном сарафане, ведущая по полю двух коней. Не менее известна картина «На жатве. Лето». Это произведение отличаются гармонией художественных образов: любовь Венецианова к трудовому крестьянскому народу позволила изобразить в нем подлинную красоту.
Проверим знания: 1. Какие художественные направления сосуществовали в живописи в первой половине XIX века: А) классицизм, сентиментализм, реализм Б) реализм, абстракционизм, сентиментализм В) классицизм, романтизм, реализм 2. Кто из художников написал портрет А.С.Пушкина, о котором поэт сказал:«Себя, как в зеркале, я вижу. Но это зеркало мне льстит»: А) Кипренский Б) Тропинин Г) Венецианов 3. Кто из художников первой половины XIX века является родоначальником отечественного бытового жанра в живописи: А) Брюллов Б) Венецианов Г) Федотов 4. Кто из художников первой половины XIX века является основоположником критического реализма в русской живописи: А) Тропинин Б) Федотов В) Иванов А.А.
Ответы: 1.В) классицизм, романтизм, реализм 2.А) Кипренский 3.Б) Венецианов 4.Б) Федотов 5.К.П. Брюллов «Последний день Помпеи» 6.А.Г.Венецианов «На пашне. Весна» 7.П.А. Федотов «Свежий кавалер» 8.А.А. Иванов «Явление Христа народу» 9.В.А. Тропинин «Кружевница» 10. О.А. Кипренский «Портрет А.С. Пушкина»
