Jakie rodzaje malowania są. "Malowanie jako rodzaj sztuki" (rozwój metodycznych) dzieje się

Co malowanie?

Malowanie jest rodzajem sztuki wizualnej, której prace są tworzone za pomocą farb stosowanych do pewnej powierzchni.
"Malowanie nie jest tylko jakimś fantazją. Jest to praca, praca, która powinna być w dobrej wierze, aby zrobić, jak robi każdy sumienny pracownik" - powiedział Renoir.

Malowanie jest niesamowitym cudem, aby przekształcić wszystkie dostępne materiały artystyczne w szeroką gamę widocznych aktów rzeczywistej rzeczywistości. Aby posiadać sztukę malarstwa, ma być w stanie przedstawić prawdziwe przedmioty dowolnego kształtu, różnych kolorów i materiałów w dowolnej przestrzeni.
Malarstwo, jak wszystkie inne sztuki, ma specjalny język artystyczny, przez który artysta odzwierciedla świat. Ale wyrażając zrozumienie świata, artysta jednocześnie uosabia jego myśli i uczucia, aspiracje, ideały estetyczne, daje ocenę zjawisk życia, na swój sposób wyjaśniający ich istotę i znaczenie.
W dziełach różnych gatunków sztuk pięknych stworzonych przez malarzy, rysunek, kolor, oświetlenie, ekspresyjne rozmazy, tekstury i kompozycje są używane. Pozwala to odtworzyć kolorowe bogactwo świata w płaszczyźnie, objętości obiektów, ich wysokiej jakości oryginalność materialnej, głębokości przestrzennej i lekkiego środowiska.
Świat malarstwa jest bogaty i skomplikowany, jego skarby zostały nagromadzone przez ludzkość przez wiele tysiącleci. Najbardziej starożytne dzieła malarstwa odkryto przez naukowców na ścianach jaskinii, w których żyli prymitywni ludzie. Z uderzającą dokładnością i ostrością przedstawiono scenę pierwszych artystów łowiectwa i nawyków zwierząt. W ten sposób pojawił się obraz sztuki z farbami na ścianie, która miała charakterystyczne dla monumentalnego obrazu.
Istnieją dwie główne odmiany monumentalnego obrazu - fresku i mozaiki.
Fresco jest techniką malowania farbami, rozcieńczoną wodą czystą lub wapną, świeżym, surowym tynkiem.
Mozaika - obraz wykonany z jednorodnych lub różnych cząstek kamienia, smałków, płytek ceramicznych, które są ustalone w warstwie gleby - wapno lub cement.
Fresk i mozaika są głównymi typami sztuki monumentalnej, co ze względu na ich trwałość i opór kolorów są wykorzystywane do dekoracji woluminów i samolotów architektonicznych (malarstwo ścienne, pilifony, panele).
Stankal Malarstwo (malarstwo) jest niezależne i znaczenie. Szerokość i kompletność realistycznego pokrycia ma wpływ na różnorodność nieodłącznej maszyny malarstwa gatunków i gatunków: portret, krajobraz, martwa natura, gospodarstwo domowe, historyczne, gatunki bojowe.
W przeciwieństwie do monumentalnego, stalowego malarstwa nie jest związane z płaszczem ściany i może być swobodnie wystawiony.
Ideologiczne i artystyczne znaczenie dzieł sztuki maszynowej nie zmienia się w zależności od miejsca, w którym są, chociaż ich artystyczny dźwięk zależy od warunków ekspozycji.
Oprócz tych gatunków malarstwa są dekoracyjne - szkice scenerii teatralnej, scenerii i kostiumów do kina, a także miniatur i ikonografii.
Stworzyć miniaturowe dzieło sztuki lub monumentalne (na przykład, malowanie na ścianie), artysta powinien znać nie tylko projektowanie obiektów, ich objętości, istotności, ale także zasad i prawa malowniczego wizerunku natury, o Kolorowa harmonia, smak.

W malowniczym obrazie z naturą należy wziąć pod uwagę nie tylko różnorodność kolorów, ale także ich jedność, określona przez siłę i kolor źródła światła. Do obrazu nie należy wprowadzić kolorowej plamy, bez koordynowania go ze wspólnym stanem koloru. Kolor każdego tematu, zarówno w świetle, jak iw cieniu, powinno być powiązane kolorowe. Jeśli farby obrazu nie przekazują skutków koloru oświetlenia, nie będą one podporządkowane pojedynczy kolor gamma. W takim obrazie każdy kolor zostanie przydzielony jako coś outsuning i obcego do tego stanu oświetlenia; Wydaje się losowy i zniszczy integralność koloru obrazu.
Zatem naturalny kolor połączone farby w ogólnym kolorze oświetlenia jest podstawą tworzenia wzoru budynku harmonicznego koloru.
Kolor jest jednym z najbardziej wyrazistych środków stosowanych w malarstwie. Artysta przenosi kolorowe bogactwo widziane w samolocie, przy pomocy koloru, uczy się i odzwierciedla świat. W procesie obrazu charakter koloru rozwija uczucie koloru i jego liczne odcienie, co pozwala na wykorzystanie farb jako podstawowego ekspresyjnego środka malowania.
Postrzeganie koloru, a oko artysty jest w stanie odróżnić więcej niż 200 jego odcieni, może jedną z najszczęśliwszych cech, że natura dała osobie.
Znając prawa kontrastu, artysta koncentruje się na tych zmianach w kolorze na zdjęciu przyrody, co w niektórych przypadkach trudno być przechwytywane przez oko. Postrzeganie koloru zależy od środowiska, w którym znajduje się obiekt. Dlatego artysta, przechodzący kolor natury, porównuje kolory ze sobą, ma być postrzegane w związkach lub wzajemnych stosunkach.
"Weź czarno-biały związek" oznacza utrzymanie różnicy między kolorami w lekkości, nasyceniu i cieniu, odpowiednio, jak to ma miejsce w naturze.
Kontrast (zarówno w świetle, jak i kolorowym) jest szczególnie zauważalny na krawędziach kontaktowych kolorowych plam. Rozmywanie granic między kontrastowymi kolorami zwiększa efekt kontrastu kolorów, a przejrzystość granic plam zmniejsza go. Znajomość tych przepisów rozszerza możliwości techniczne w malarstwie, pozwala artystom z pomocą kontrastu zwiększyć intensywność koloru kolorów farb, wzmacniają ich nasycenie, zwiększenie lub obniżenie ich lekkości, co wzbogaca palety malarza. Tak więc, bez użycia mieszaniny, ale tylko kontrastowe kombinacje ciepłych i zimnych kolorów, można osiągnąć specjalną kolorową dźwięczność obrazowania obrazowego.

Malowanie style - Temat jest bardzo rozległy, możesz powiedzieć wieczne. Ludzie często używają terminów, które nie są całkowicie zrozumiałe, ponieważ z tego są zamieszanie i zamieszanie. Dlatego chcę krótko i uzyskać dostęp do opowiedzenia wszystkich, wiem o kierunkach w malarstwie. Aby nie włączać artykułu do smutnej lekcji historii, porozmawiam dzisiaj o najbardziej poszukiwanych kierunkach. Malowanie stylów z ilustracjami - wygodny i szybki sposób na zapoznanie się z najważniejszymi trendami w sztukach wizualnych.

gotyk

"Rodzina ołtarza." Robert Campen. 1430.

gotyk - Jest to przebieg sztuki, który obejmował wszystkie kraje Europy Zachodniej i Środkowej. Potem gotycki był we wszystkim - w rzeźbie, malarstwie, witrażu itp. Było go wszędzie, gdzie było możliwe, wystąpił "wysięgnik kulturowy". Taka popularność wynika z ostatniego etapu ewolucji ze sztuki średniowiecznej. Centrum i główny personel stylu gotyckim był architektura - wysokie łuki, kolorowe witrażowe okna, wiele szczegółów. Romańska era nie mogła znieść taka ataku i pozostała po stronie historii.

Lata: 1150 - 1450.
Bartolo di Freda, Jotto, Jan Polick, Jan Van Eyka.

Renaissance (Revival)

"Chodząc Maria Magdalene". Tycjanowski. 1560..

renesans Pochodziło na podstawie upadku Imperium Bizantyjskiego i ograniczenia kultury, które miały miejsce w Europie. Bizantyna, którzy zostali zmuszeni do ucieczki, wraz z więzami kulturowymi, przyniosły dzieła sztuki i biblioteki w Europie. Tak więc był szczególny ożywienie starożytnego wyglądu, ale na nowoczesny sposób. Przez lata, wiele chwil zostało zmienionych i przesłuchanych. Ogólnie rzecz biorąc, świecki humanizm i pomysły panowania dobrobytu.

Lata: 1400 - 1600.
Jerome Bosch, Leonardo da Vinci, Titial.

Barokowy

"Judith i Oloferne". Karawaggio. 1599 rok.

Barokowy - Europejskie dziedzictwo kulturowe z Włoch. Charakteryzuje się ironiczną złośliwą pięknością, nienaturalną eliminacją i bezprzewodową. Charakterystyczne cechy takich obrazów są wysokie kontrast, napięcie działki, rozciągnięte do dynamiki znaków. Barok Kwinessenia jest uważany za kościół Santa Maria della-Vittoria, znajduje się w Rzymie.

Lata: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Klasycyzm

"Miłosierdzie z Afrykańskiego Scipion". Pompeo batoni. 1772 rok.

Klasycyzmgrał ogromną rolę w sztuce, jako podstawowy kurs w obrazie XVIII wieku. Z samego imienia wszystko staje się jasne (Lat. Classicus oznacza przykładowe, przybliżone).
Artyści wyznaczyli sobie cel, aby wprowadzić widza do wysokiego, a ich obrazy były gwiazdą przewodnika. Wysoka moralność, powściągliwy kultura i tradycyjne antyczne wartości stały się podstawą klasycyzmu. W epoce klasycyzmu w Europie wystąpiło wzrost kulturowy i ponowną ocenę wartości, sztuka osiągnęła zupełnie inny poziom.

Lata: 1700 - 1800.
Karl Bulllov, Jean-Baptiste Greem, Poussin Nikola.

Realizm

"Przegrzyj się akrobaty". Gustave Dore. 1874 rok.

Realizmpróbując z największą dokładnością do przeniesienia nastroju w tej chwili, moment rzeczywistości na płótnie. Ale z kolei nie ogranicza się do jasnych ramek, jedynymi zasadami są to, że nie powinno być żadnego miejsca na rzeczy na zdjęciu, który wyklucza realizm. Podczas eksperymentów na końcu XVIII wieku ten styl został podzielony na naturalizm i impresjonizm. Ale realizm udało się przetrwać i jest popularny nawet w nowoczesnym malarstwie.

Lata: 1800 - 1880.
William Bogro, Gustave Kourbe, młyn Jean-Francois.

Impresjonizm

"Wrażenie. Wschodzące słońce". Claude Monet. 1872 rok.

Impresjonizmargumentowane we Francji pojęcie ta wprowadziła Louis Lerew. Impresjonowaliści, którzy pracowali w tym stylu, chcieli złapać drugie wrażenie każdego tematu lub chwili, pomalowanej tutaj i teraz, pomimo formy i znaczenia. Obrazy wykazały wyłącznie pozytywne i jasne chwile i chwile. Ale później brakujące sporadycje rozpoczęły się wśród impresjonistów w tej glebie, z czasem pojawili się Mistrzowie, co może być pod wrażeniem problemów społecznych, głodu, chorób. Niemniej jednak impresjonizm jest miłym i pozytywnym stylem malowania, który pokazuje dobre i jasne chwile.

Lata: 1860 - 1920.
Claude Monet, Eduard Mana, Edgar Degas.

Postresjonizm.

"Autoportret w szarym kapeluszu filcu III". Vincent van Gogh. 1887 roku.

Postresjonizm.wyobrażałem sobie wiele różnych stylów i technik. Europejscy mistrzowie ze świeżymi widokami na malarstwo bombardowały nowe prądy i aktywnie próbowali następnie odejść od impresjonizmu i realizmu.

Lata: 1880 - 1920.
Vincent Van Gogh, Paul Gajan, Roderik O'konor.

Składnik

"Rio San Trovazo. Wenecja". Henri Edmond Cross. 1904 rok.

Składnik (Punkt - punkt) - kierunek stylistyczny w malarstwie, który jest taki sam impresjonizm, tylko w innej powłoce. Zamiast zgrywania rozmazów stosowano, punkt lub prostokątne kształty. Również artystów odmówił mieszania kolorów na palecie, zamiast tego czyste kolory zostały narzucone na płótnie i zmieszano bezpośrednio na samej płótnie bez dotykania się nawzajem.

Lata: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, George Syra, Paul Signc.

Modernizm

"Motyle w pobliżu". Odilon Redon. 1910.

Modernizm jest ogólną cechami wszystkich gatunków i stylów w malarstwie 1850 - 1950. Obejmuje takie kierunki malarstwa - impresjonizm, ekspresjonizm, nieoporsydowy, fusizm, kubizm, futuryzm, sztuki abstrakcyjnej, dadaizmu, surrealizmu i wielu innych. Istnienie tych stylów oznacza pełne odejście sztuki dziełowej z akademicdy. Po opuszczeniu akademicki stał się prawie niemożliwy do śledzenia wszystkich prądów i stylów, które zostały utworzone i formowane do tej pory.

Lata: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kazimierz Malewicz, Auguste Renoir i wielu innych.

Akademizm

Akademizm - Kierunek w sztuce, który następuje zgodnie z zasadami i zwyczajami starożytności i ery renesansu. Naukowość dąży do nałożenia jasnych krawędzi i krawędzi, obejmuje fantazję i twórczy lot. Zamiast tego koncentruje się na poprawie niedociągnięć, "szorstkością" natury - ukryć lub wyeliminować. Poprawa rzeczywistości wobec pięknej percepcji jest istotą akademicki. Działki są często pobierane z antycznej mitologii, również stosowane motywy biblijne i historyczne.

Lata: 1500 - Dzisiaj.
Karl Bulllov, William Bugro, Fedor Bruni.

Prymitywizm.

"W kuchni" epifanis drzeworytu. 1940 ~ rok.

Prymitywizm.- Umyślne uproszczenie obrazu w takim stopniu, tak aby wyglądało na to, że jest to praca dziecka. Różne rysunki ludowe i ilustracje można przypisać prymitywizmowi. Tylko na pierwszy rzut oka, obrazy wyglądają prosto i śmieszne. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, można zobaczyć prawidłowe proporcje i zgodność z zasadami horyzontu i kompozycji. Większość znanych mistrzów prymitywizji i sztuki naiwnej była dużymi fanami historii ich ludzi i jego kultury. Dlatego wszystkie ich zdjęcia są nasycone smakiem terenu, w którym żyli. Dziś ten gatunek został przekształcony w sztukę naiwną, często z domieszką symboliki. Wynika to z faktu, że nowoczesny przeglądarka nie jest gotowa postrzegać prymitywizm w jego czystej formie.

Lata: 1900 - Dzisiaj.
Epiphany Drovnyak, Henri Russo, Niko Pirosmanishvili.

Kubizm

"Siedząca kobieta w niebieskiej sukience". Pablo Picasso. 1939 rok.

Kubizmjest kierunkiem modernizmu, często stosowany w stosunku do malowania i sztuk wizualnych. Mistrzowie rozbili swoje działki na kształty geometryczne, dając każdy unikalny element - ich gęsty sektor.

Lata: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernan Leo, Robert Delone.

Surrealizm

"Trwałość pamięci". Salvador Dali. 1931 rok.

Surrealizm jest mieszanie snu z rzeczywistością. W tym stylu artystów uwolnili swoje marzenia, mieszając obrazy z prawdziwego życia ze sobą, łącząc niezgodną. Również osobiste sny zostały dotknięte - obawy, tajne pragnienia, nieświadome fantazje, kompleksy. Cały fakt, że osoba może zobaczyć w swoich snach. Dziś surrealistów skopiują zewnętrzną powłokę przy użyciu tylko pięknych form, bez zaszczepienia w nich znaczenie, które było charakterystyczne dla mistrzów przeszłości.

Lata: 1920 - Dzisiaj.
Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritt.

Abstrakcjonizm

"Żółty czerwony niebieski". Wasily Kandinsky. 1925 rok.

Abstrakcjonizm - Kierunek w sztuce, gdzie wystąpił odmowę wizerunku ważności i poprawności formularzy. Głównym celem jest przedstawienie różnych wielokolorowych form, które razem będzie w stanie opowiedzieć o działce obrazów. Abstrakcjonizm ojczyzny jest uważany za Rosję i Amerykę.

Lata: 1910 - Dzisiaj.
Wasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Pete Mondrian.

Ekspresjonizm

"Zatoczka". Edward Munch. 1893 rok.

Ekspresjonizm Umieszcza jedno zadanie, aby przekazać, co autor obrazu czuł się w czasie pisania. Artyści w tym stylu chcą wyrazić siebie i ich uczucia, dlatego ekspresjonizm jest antypodem impresjonizmu, w którym nacisk kładzie się na ekspresję czysto zewnętrznej skorupy. Kresystorystowie charakteryzują się tendencją do mistycyzmu, pesymizmu i przygnębienia.

Lata: 1890 - Dzisiaj.
Egon Shiple, Karl Oogen Kel, Jersey Hulevich.

Pop Art

"Zielone butelki Coca-Cola". Andy Walhole. 1962 rok.

Pop Art - Nowoczesny styl w sztuce za pomocą symboli kultury masowej i rozpowszechnionych produktów. Nowoczesne technologie pomogły manipulować i łączyć obiekty, z tego powodu, pop Art była często krytykowana przez uderzenie starej szkoły. Z czasem Pop Art połknął wiele wskazówek w malarstwie.

Lata: 1950 - 1980.
Andy Warhol, Hokney David, Robert Raushenberg.

Minimalizm.

"Gran Cairo". Frank Stella. 1962 rok.

Minimalizm.musi zminimalizować interwencję autora w środowisku. Minimalizm wskazuje tylko najważniejsze punkty. Źródła leży w konstruktywizmie, suprematyzmie, dadaizmu. Jest to bardzo kontrowersyjny genom obrazu, ze względu na zbyt minimalistyczny wygląd niektórych autorów tego stylu. Dziś minimalistyczne miejsca docelowe w malarstwie są przekształcane niezwykle szybko.

Lata: 1960 - Dzisiaj.
Frank Stella, Carl Andre, Sol Le Witt.

Hiperalism

"Owoce". Jacques Boden. Rok 2016.

Hiperalismpojawił się w związku z popularyzacją fotografii, pracownicy artysty był zainteresowany przyjściem z fotografami. Hyperaliści tworzą alternatywną rzeczywistość, realistyczną iluzję.

Lata: 1970 - Dzisiaj.
Snols, Gerhard Richter, Dolk.

To wszystko wskazówki dotyczące malowania

To wszystko, co mogłem i chciałem powiedzieć na ten temat. W rzeczywistości wskazówki dotyczące malowania są znacznie więcej, a oni nieuzasadniczo rozwinęły się dosłownie każdego dnia. W tym artykule chciałem opowiedzieć najbardziej popularne i wpływowe. Jeśli podobał ci się materiał, podziel się nim w sieciach społecznościowych, rozwijmy się razem sztukę. Dziękuję wszystkim za wsparcie!

Świetny pracownik, naukowiec i artysta renaissance Leonardo da Vinci powiedział: "Malarstwo to poezja, którą widzą, a poezja jest obrazem, który słyszą". I niemożliwe jest się z nim nie zgodzić. Ta sztuka jest naprawdę postrzegana kompleksowo. Widzimy i kontemplujemy i słyszymy, a w duszy dzieła sztuki, którą lubiłeś. A arcydzieła światowe pozostają w naszej pamięci przez wiele lat.

Gatunki i malowanie

Rysowanie zdjęcia, Master wykonuje go w określonym stanie, specjalnym charakterze. Praca nie będzie działać w pełni flded, godnej miłości i uwagi, jeśli zostanie przedstawiona tylko forma i kolor. Artysta jest zobowiązany do udzielenia obiektów duszy, ludzi - Charisma, I iskry, może tajemnicę, charakterystyczne uczucia, a wydarzenia są prawdziwymi doświadczeniami. A w tym twórcy pomogą gatunkom i malowaniu. Pozwalają prawidłowo przekazać nastrój epoki, wydarzeń, faktem, lepiej złapać główną myśli, obraz, krajobraz.

Wśród głównych rzeczy można nazwać takimi jak:

• Historyczny - Obraz faktów, chwilami historii różnych krajów i epok.
• Bitwa - Wysyła scenę bojową.
• Krajowy - Działki codziennego życia.
• Sceneria - Są to obrazy dzikiej przyrody. Odróżnij morze, górzyste, fantastyczne, liryczne, wiejskie, miejskie, kosmiczne krajobrazy.
• Martwa natura - ilustruje nieożywione przedmioty: naczynia kuchenne, broń, warzywa, owoce, rośliny itp.
• Portret - To jest obraz osoby, grupy ludzi. Często artyści uwielbiają pisanie autoportretów lub płótno obrazem ich ukochanego.
• Animalistyczny - Zdjęcia zwierząt.

Oddzielnie możliwe jest odróżnienie gatunku tematycznego i przypisywania tutaj pracy, których przedmiotem jest mitami, legendami, epicką, a także obrazami zawartości gospodarstwa domowego.

Rodzaje malarstwa oznaczają również osoby fizyczne, pomagają artystom osiągnąć doskonałość podczas tworzenia płótna, skłonić go, w którym kierunku poruszania się i pracuje. Istnieją następujące opcje:

- Panorama - Obraz terenu w formacie na dużą skalę, widok ogólny.

- Diorama - Zakrzywiony półkola obraz bitwy, spektakularne wydarzenia.

- Miniaturowy - Rękopisy, portrety.

- Monumental-dekoracyjny obraz - malowanie na ścianach, panelach, plafonach itp.

- Ikonografia - Zdjęcia na temat religijnych.

- Malowanie dekoracji - Tworzenie dekoracji sztuki w kinie i teatrze.

- Stank malowanie - Innymi słowy, obrazy.

- Dekoracyjny obraz codziennych przedmiotów życia.

Z reguły każdy mistrz dzieł sztuki wybiera jeden z gatunku i rodzaju malarstwa, który jest najbliżej go w duchu, a głównie działa tylko w nim. Na przykład Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gaivazyan) pracował w stylu krajobrazu morskiego. Taki artyści nazywani są również marinistami (od "Marina", która przetłumaczona z Łacińska oznacza "Morski").

Techniki.

Malarstwo jest pewien sposobem wykonania fabuły, jego uczucia przez świat farb i rozmazów. I oczywiście takie odtwarzanie nie można przeprowadzić bez użycia niektórych technik, szablonów i zasad. Samo koncepcja "techniki" w sztukach wizualnych można zdefiniować jako zestaw technik, norm i wiedzy praktycznej, przy pomocy, której autor najbardziej przekazuje pomysł i działkę obrazów.

Z jakiego rodzaju materiałów, rodzaj płótna zostanie podjęta w celu utworzenia utworu, wybór technik piszki fotograficznej zależy. Czasami artysta może indywidualnie podchodzić do swojej pracy, skorzystać z mieszania różnych stylów i kierunków. Takie podejście do praw autorskich pozwala tworzyć prawdziwie wyjątkowe dzieła arcentrycznych arcydzieł.

Technicznie istnieje kilka opcji malarskich. Uważaj je bardziej szczegółowo.

Malowanie czasów starożytnych

Historia obrazu zaczyna się od stworzenia prymitywnego człowieka. W tym czasie obrazy nie wyróżniają żywotności działek, zamieszki z farbami, ale było w nich rodzaj emocji. A działki tych lat wyraźnie informują nas o istnieniu życia w odległej przeszłości. Linie są niezwykle proste, temat jest przewidywalny, kierunki są jednoznaczne.

W czasach starożytnych treść rysunków staje się bardziej zróżnicowany, częściej przedstawiają zwierzęta, różne rzeczy, sprawiają, że całe życie na całej ścianie, zwłaszcza jeśli zdjęcia są tworzone dla faraonów, w których również uwierzyli. W przybliżeniu po kolejnych dwóch tysięcy lat zaczyna nabywać farby.

Starożytny malarstwo, w szczególności stary rosyjski, jest dobrze przeniesiony i przechowywany w starych ikonach. Są to sanktuarium i najlepszy przykład, przekazując piękno sztuki z Boga. Są unikalne w nich, a miejsce przeznaczenia jest całkowicie. Taki obraz przesyła nierealność istoty, obrazów i ustaw myśl o boskiej zasadzie w człowieku, o istnieniu doskonałej sztuki, która ma być równa.

Rozwój malarstwa nie przechodzi bez śladu. Przez długi czas ludzkość udało się gromadzić prawdziwych relikwii i duchowego dziedzictwa wielu stuleci.

Akwarela

Malarstwo akwarela wyróżnia się jasnością farb, czystości kolorów i przezroczystości na papierze. Tak, jest na powierzchni papierowej, którą najlepiej pracować w tej technice sztuki. Rysunek szybko wysycha i skutkuje lżejszą i matową teksturą.

Akwarela nie pozwala na osiągnięcie ciekawych więzi podczas stosowania ciemnych, monofonicznych odcieni, ale doskonale modela kolor, jeśli warstwy są stosowane do drugiego. W takim przypadku okazuje się być całkowicie nowymi, niezwykłymi opcjami, które są trudne do uzyskania innych technik artystycznych.

Trudności do pracy z akwarelą

Złożoność pracy w takiej technice jako malarstwo akwarela jest to, że nie wybacza błędów, nie pozwala na improwizację z kardynalnymi zmianami. Jeśli nie lubisz zastosowanego tonu, albo nie masz całkowicie koloru, który chciałeś naprawić, jest mało prawdopodobne, aby odnieść sukces. Wszelkie próby (nawadnianie z wodą, skrobaniem, mieszania z innymi kolorami) może prowadzić zarówno ciekawszy cień, jak i całkowite zanieczyszczenie obrazu.

Zmiana lokalizacji figury, obiekt, wszystkie poprawę kompozycji w tej technice jest zasadniczo niemożliwe do zrobienia. Ale dzięki szybkim suszeniu farb na malarstwie jest idealne do szkicowania. A jeśli chodzi o wizerunek roślin, portrety, miejskich krajobrazów mogą konkurować z pracami przeprowadzonymi przez olej.

masło

Każdy z technicznych gatunków malarstwa charakteryzuje się swoimi swoistością. Dotyczy to zarówno sposobu wykonania, jak i artystycznego obrazu obrazu. Obraz olejny jest jednym z najbardziej ulubionych technik wielu artystów. Trudno jest w nim pracować, ponieważ wymaga pewnego poziomu wiedzy i doświadczenia: od przygotowania niezbędnych elementów, materiałów do końcowego etapu - pokrywający wynikowy obraz przez warstwę ochronną lakieru.

Cały proces liter z olejem jest dość pracocholny. Niezależnie od tego, którego fundament wybierzesz: płótno, karton lub zapalenie organiczne (płytki z drewna), najpierw musi być pokryty glebą. Pozwoli ci iść dobrze i utrzymywać farbę, nie wyróżniaj się z olejem. Daj też tła pożądaną teksturę i kolor. Gatunki i przepisy o różnych glebach są dużo. A każdy artysta preferuje jego określony, do którego użyłeś i który uważa optymalną opcję.

Jak wspomniano powyżej, praca odbywa się w kilku etapach, a pokrycie malarstwa z lakierami. Odbywa się to w celu ochrony tkaniny przed wilgocią, wygląd pęknięć (siatki) i innych uszkodzeń mechanicznych. Obraz olejny nie toleruje pracy na papierze, ale dzięki całej technologii stosowania farb, pozwala utrzymać bezpieczeństwo dzieła i utrzymanie przez wieki.

Sztuka w Chinach

Szczególną uwagę należy zwrócić na erę chińskiego malarstwa, ponieważ ma specjalną stronę w historii Wschodnie kierunki malarstwa rozwinięte przez ponad sześć tysięcy lat. Jego formacja była ściśle związana z innymi rzemiosłem, zmianami społecznymi i warunkami występującymi w życiu ludzi. Na przykład, po wprowadzeniu buddyzmu w Chinach, religijne freski zyskały dużą wagę. W czasach (960-112), obrazy historycznego charakteru są popularne, które są również zaangażowane w codzienne życie. Malarstwo krajobrazowe sprawdziło się jako niezależny kierunek już w IV wieku n. mi. Obrazy natury powstały w niebiesko-zielonych farbach i chińskim tuszem. W dziewiątym wieku artyści coraz częściej zaczęli pisać obrazy, na których kwiaty, ptaki, owoce, owady, ryby, ucieleśniające ich ideały i charakter epoki w nich.

Cechy chińskiego malowania

Tradycyjny chiński obraz wyróżnia się specjalnym stylem, a także używane materiały do \u200b\u200brysowania, co z kolei wpływa na metody i formy sztuki wschodniej. Po pierwsze, chińscy malarze używają specjalnego pędzla do tworzenia obrazów. Wygląda jak akwarela i ma szczególnie ostry końcówkę. Takie narzędzie umożliwia tworzenie wyrafinowanych prac, a jak wiesz, styl kaligrafii jest nadal szeroko stosowany w Chinach. Po drugie, atramenty są używane wszędzie w tuszu - chiński tusz do rzęs (zdarza się, że istnieje para z innymi kwiatami, ale również stosuje się również samoparunek). Dzieje się tak na dwa tysiące lat. Warto również zauważyć, że dopóki papier pojawił się w Chinach na jedwabiu. Dziś nowoczesni mistrzowie grafiki wykonują swoją pracę na zasadzie papieru, jak i na powierzchni jedwabiu.

Nie jest to wszystkie możliwości techniczne malarstwa. Oprócz powyższego istnieje wiele innych innych (gwasz, pastelowy, temperatury, fresk, akryl, wosk, malowanie na szkle, Chiny itp.), W tym sztuki artystyczne autora.

Malowanie epoki

Jak każdy rodzaj sztuki, malarstwo ma swoją historię stawania. A przede wszystkim charakteryzuje się różnymi etapami rozwoju, wieloaspektowych stylów, ciekawych wskazówek. Nie ostatnia rola jest rozgrywana przez erę malarstwa. Każdy z nich dotyczy nie tylko plasterka życia ludzi, a nie tylko czasem wydarzeń historycznych, ale na całe życie! Wśród najsłynniejszych okresów w dziedzinie malarstwa można przydzielić: epoki renesansu i oświecenia, dzieło artystów-impresyjskich, nowoczesnych, surrealizmu i wielu, wielu innych. Mówiąc inaczej, malarstwo jest wizualną ilustracją pewnej epoki, obrazu życia, oczu artysty, światowego malarza.

Koncepcja "malowania" dosłownie oznacza "życie pisania", przedstawiająca rzeczywistość jest żywa wirtusowo, przekonująca. Nie tylko każdy szczegół, wszelkie drobiazgi, chwilę, ale także nastrój, emocje, kolorowanie jednego lub innego czasu, styl i gatunek całej dzieła sztuki artystycznej, do przesyłania w Twojej sieci.

Rodzaje dzieł sztuki.

Obraz

Malowanie jest jednym z najstarszych typów sztuki związanych z transferem wizualnych obrazów, stosując farby do stałej lub elastycznej podstawy. Najczęstsze dzieła malarstwa, wykonane na płaskich lub prawie płaskich powierzchniach, takich jak płótno rozciągnięte na podramce, drzewie, karton, papierze, traktowane powierzchnie ścian itp. W wąskim znaczeniu, malarstwo terminowe jest sprzeczne z tworzoną pracą na papierze, dla którego dotyczy termin - grafika.

Irina Shakyko.
"Marzec, na brzegu zatoki"
płótno, olej.
33/58
2011.

Klasyfikacja.

Również malarstwo można podzielić na maszynę i monumentalną. Oto przybliżony podział do tych typów, choć niemal każdy materiał malowania maszynowego może być stosowany w monumentalnym. Malarstwo maszynowe obejmuje małe prace, które można umieścić na sztalugi lub kilku. MONUMENTALNE, MALOWANIE NAJNOWSZEJ NASTĘPUJĄCEJ NIE JEST TOLANY, ŚCIANA, Sufit itp.

Stankovaya:

Obraz olejny, technika, który wykorzystuje farby z olejem roślinnym jako główny spoiwo. Farby olejne składają się z suchych pigmentów i suszenia oleju.

Shantko Irina, "wściekłe łodzie", płótno / olej, 50/60, 2014

Malowanie temperaturowe, spoiwo jest żółtkiem z kurczaka.

Ten rodzaj malarstwa otrzymał nazwę od nazwy farby - temperatury. W sercu tego słowa stanie łacińskiego, co oznacza "mix". Technologia produkcji tej farby była w przybliżeniu w następujący sposób. Pigmenty roztarto z wodą i wysuszono. Następnie mieli mieszane z jajkiem, rozcieńczonym klejem, octem, winem lub piwem.

Technika rysunku w temperaturze konsekwentnie stosuje kilka warstw. Do przygotowanej powierzchni nakładano lekką warstwę farby. Po pierwsze, artyści przedstawiono kontury, przedstawili otaczające środowisko, przyrodę, ubrania. Obrazy osób narysowanych na końcowym etapie. W tym samym czasie, w malarstwie temperatu było bardzo ważne, że każda z warstw jest dobra do wyschnięcia, w przeciwnym razie kolejna może zostać złamana. Na szczęście struktura farby pozwalała im szybko wyschnąć. Dlatego praca artysty na obrazie była prawie ciągła.

Andrei Rublev, "Trinity", 1411 lub 1425-27, Drewno, Tempera, 142/114 cm, State Tretyakov Gallery, Moskwa.

_____________________________________________________________________________________________________

Malowanie kleju, na podstawie kleju zwierząt.

Farby w malarstwie kleju rozpadające się, nieprzezroczyste, malownicze matowe powierzchniowe. Z dużą zawartością kleju w farbie, powierzchnia nabywa brokat, a kolor jest zwiększona intensywność.

Maria ze snem Jezusem, 1455.

_____________________________________________________________________________________________________

Encacusky, malarstwo z farbami woskowymi.

Encacusky (od Dr Greek. Ἐγκαυστική - [Art] Spalanie) - technika malowania, w którym wiązanie farby jest wosk. Malowanie odbywa się przez farby w formularzu stopionym (stąd nazwa).

Apostoł Peter (n. VI wiek)

_____________________________________________________________________________________________________

Monumentalny:

Fresco, jeden z technika obrazu ściennego charakteryzuje się pisaniem na surowym tynku.

Fresco (z Ital. Fresk - Fresh), Affresco (Ital Affresco) - Malowanie na surowym tynku jest jednym z technika malowania ściany, przeciwieństwem "i punktu" (muffins suchego). Podczas suszenia wapno zawarte w tynku tworzy cienki przezroczysty film wapnia, który sprawia, że \u200b\u200bfresk trwałego.

Obecnie termin "fresk" można nazwać dowolnym obrazem ściennym, niezależnie od jego techniki (i SEK, temperatu, tłuste malowanie, farby akrylowe itp.). Czasami suche freski są napisane przez TETER.

Roman Fresco, 40-30 pne. mi.

_____________________________________________________________________________________________________

I punkt, w przeciwieństwie do fresków, malowanie na suchym tynku.

A punkt jest również nazywany kazeinem i obrazem krzemianowym (malowanie mineralne - techniczna różnorodność monumentalnego obrazu, na podstawie stosowania rozpuszczalnego szkła jako spoiwa.) Według włókna szklanego. Służy do wykonywania prac zarówno na wewnętrznych i zewnętrznych powierzchniach budynków. Technika umożliwia kolejne korekty do temperatury i płukanie czystą wodą.

Leonardo da Vinci. Ostatnia kolacja.1498.

_____________________________________________________________________________________________________

SGRAPITO, WALLOPING, z których istota jest szczególnie farbą wielopoziomową.

SGraffito (Ital. Sgraffito) lub graffito (Ital. Graffito) - technika tworzenia obrazów ściennych, których przewagą jest ich wielki odporność.

Najprostszym przypadkiem dwukolorowego SGRAFTHITO - zastosowanie na ścianie jednej warstwy tynku, różniących się kolorem z podstawy. Jeśli w niektórych miejscach można kopać warstwę, otrzyma dolny, inny kolor i dwukolorowy wzór. Aby uzyskać multicolor Campfooto na ścianie, kilka różnych warstw tynku (sztukaterie są pomalowane z różnymi pigmentami); Następnie tynk jest zeskrobany na różne głębokości, aby odsłonić warstwę o pożądanym kolorze.

Takie obrazy są bardzo pracochłonne, są trudne do skorygowania, dlatego do wykonywania malowania w tej techniki często używają szablonów, aby uniknąć błędów.

Dwukolorowy Sgrafito, Březnice, Republika Czeska

_____________________________________________________________________________________________________

Akrylowe, farby wodne.

Farby akrylowe podczas suszenia stają się ciemniejsze. Mogą być również stosowane jako alternatywa dla farby olejowej z odpowiednimi znanowalnymi technikami. Suche bardzo szybko - w tym przewagę nad innymi farbami. Można zastosować zarówno w bardzo ciekłym, rozcieńczonym stanie (rozcieńczonym wodą), jak iw państwie pastowatym, skondensowany ze specjalnymi zagęszczeniami stosowanymi przez artystów, podczas gdy akryl nie tworzy pęknięć, w przeciwieństwie do farb olejnych. Farba jest umieszczana z gładkim folią, lekko brokatem, nie wymaga mocowania z mocatorami i lakierami, ma właściwość utworzenia folii przemywa się po wysuszeniu tylko ze specjalnymi rozpuszczalnikami.

Farby akrylowe i lakiery można stosować na dowolnej podstawie niskiej zawartości tłuszczu.

Świeża farba akrylowa jest łatwo usunięta z elementów wodą, ale podczas suszenia wymaga specjalnych rozpuszczalników.

_____________________________________________________________________________________________________

). Jednak w ramach tego artykułu rozważymy tylko obiekty.

Historycznie wszystkie gatunki zostały podzielone na wysokie i niskie. DO wysokie gatunki Lub historyczny obraz przypisywał dzieła monumentalnego przyrody, niosąc jakąkolwiek moralność, znaczący pomysł wykazujący historyczne wydarzenia wojskowe związane z religią, mitologią lub artystyczną fikcją.

DO niski gatunek Podobne wszystko związane z powszechnym miejscem. Jest to martwa natura, portrety, malarstwo domowe, krajobrazy, zwierzęce, wizerunek nagich ludzi i tak dalej.

Animalizm (Lat. Zwierząt - zwierzę)

Gatunek zwierząt powstał w starożytności, gdy pierwsi ludzie namalowali na skałach drapieżnych zwierząt. Stopniowo, ten kierunek wzrósł do niezależnego gatunku, co oznacza wyrazisty obraz wszelkich zwierząt. Animalists zwykle wykazują duże zainteresowanie światem zwierząt, na przykład, mogą być doskonałymi jeźdźcami, trzymaj zwierzęta lub po prostu studiować swoje nawyki przez długi czas. W rezultacie konstrukcja zwierząt malarza może być realistyczna lub w formie obrazów artystycznych.

Wśród rosyjskich artystów wiele doskonale rozumianych koni, na przykład i. Tak więc, na słynnym obrazie Vasnetsov "Bogatyri", konie Bogatyr są przedstawione z największą umiejętnością: starannie przemyślane, zachowanie zwierząt, uzdrówków i ich związku z jeźdźcami. Serow nie podobało ludzi i wierzyli na konia w wielu zmysłach lepiej niż osoba, z powodu tego, co często przedstawił go w różnych scenach. Chociaż pomalowane zwierzęta, zwierzę nie uważało się za siebie, więc niedźwiedzie na jego słynnym obrazie "rano w lesie sosnowym" stworzyły zwierzę K. Savitsky.

W Królewskim czasie, portrety ze zwierzętami, którzy byli drogi do człowieka, były szczególnie popularne. Na przykład na zdjęciu Empress Catherine II pojawił się z jego ukochanym psem. Zwierzęta uczestniczyli także portrety i innych rosyjskich artystów.

Przykłady zdjęć słynnych rosyjskich artystów w gatunku gospodarstwa domowego

Malowanie historyczne.

Gatunek ten oznacza monumentalne zdjęcia, które są wywoływane, aby przenieść wielką intencję, jakąkolwiek prawdę, moralność lub wykazują znaczące wydarzenia. Obejmuje prace nad historycznymi, mitologicznych, religijnych tematów, folklorystycznych, a także scenach wojskowych.

W starożytnych państwach mity i legendy przez długi czas były uważane za wydarzenia z przeszłości, więc były często przedstawiane na freskach lub wazach. Później artyści zaczęli oddzielać zdarzenia, które wystąpiły z fikcji, która została wyrażona głównie na obrazach scen bojowych. W starożytnym Rzymie, Egipt i Grecja na tarczy zwycięskich wojowników często przedstawiali sceny heroicznych bitwy w celu wykazania ich uroczystości nad wrogiem.

W epokach przeważały tematy religijne, w epoce renesansowej, spółka zwróciła się do przeszłości w celu uwielbienia swoich stanów i władców, a z XVIII wieku do tego gatunku często stosowana w celu kształcenia młodzi ludzie. W Rosji gatunek dostał dystrybucję masową w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali przeanalizować życie rosyjskiego społeczeństwa.

W dziełach rosyjskich artystów bitwa o malarstwa została przedstawiona na przykład i. Mytologiczne i religijne wykresy w ich obrazach dotkniętych. Malarstwo historyczne przeważało U, Folklore - Y.

Przykłady zdjęć słynnych rosyjskich artystów w gatunku obrazu historycznego

Martwa natura (fr. Natura - Natura i Morte - Dead)

Ten gatunek malowania jest związany z obrazem obiektów nieożywionych. Mogą być kwiatami, owocami, naczyniami, grą, przyborami kuchennymi i innymi przedmiotami, z których artysta jest często kompozycją zgodnie z jego planem.

Pierwsze martwe życie pojawiły się w starożytnych krajach. W starożytnym Egipcie był zwyczajny, aby przedstawić bogów w postaci różnych ewaków. Jednocześnie w pierwszej kolejności było uznanie tematu, więc starożytni artyści nie dbali o czarnych lub teksturę przedmiotów ucznia. W starożytnej Grecji i Rzymie, kwiaty i owoce spotkały się w obrazach iw domach do dekoracji wnętrza, więc byli przedstawieni bardziej niezawodnie i malowniczo. Formacja i kwitnąca tego gatunku znajduje się w XVI i XVII wieku, kiedy nadal zaczęły zawierać ukryte religijne i inne znaczenia. Jednocześnie ich wiele odmian pojawiło się w zależności od obrazu obrazu (kwiatowy, owoce, naukowiec itp.).

W Rosji kwitnący kwitnący spadnie tylko na XX wiek, ponieważ był używany głównie do celów szkoleniowych. Ale rozwój był szybki i wychwycony, w tym abstrakcja ze wszystkimi wskazówkami. Na przykład utworzono piękne kompozycje kolorów, preferowane, pracowane w ramach i często "ożywił" jego martwa, tworząc wrażenie od widza, że \u200b\u200bnaczynia mają zamiar spaść ze stołu lub wszystkie przedmioty zaczną się obracać.

Obiekty przedstawione przez artystów na pewno wpłynęły na ich teoretyczne widoki lub światopogląd, stan psychiczny. Tak więc miało przedmioty przedstawione zgodnie z zasadą kulistej perspektywy, a ekspresjonista wciąż życie uderzyły ich dramat.

Wielu rosyjskich artystów użył wciąż życia głównie do celów szkoleniowych. Tak więc nie tylko szlifowana grafika, ale prowadził również wiele eksperymentów, składane obiekty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. Eksperymentowany w kształcie i kolorze linii, a następnie pozostawiając realizm do czystego prymitywizmu, a następnie mieszanie obu stylów.

Inni artyści dołączyli do nieruchomych licznych, które zostały przedstawione wcześniej i ich ulubione rzeczy. Na przykład na zdjęciach możesz spotkać swój ulubiony wazon, notatki i portret swojej żony, i przedstawiłem tkaniny z dzieciństwa.

W tym samym gatunku wielu innych rosyjskich artystów pracował na przykład i innych.

Przykłady zdjęć słynnych rosyjskich artystów w gatunku martwa

Nu (fr. Nudite - orzech, skrócony NU)

Ten gatunek jest nazywany, aby przedstawić piękno nagiego ciała i pojawił się przed naszą erą. W starożytnym świecie, duża uwaga została wpłacona na rozwój fizyczny, ponieważ zależy od przetrwania całej rasy ludzkiej. Tak więc, w starożytnej Grecji, sportowcy tradycji przybyli nago, więc chłopcy i chłopcy stanąliby przed doskonale rozwiniętymi organami i starali się tej samej doskonałości fizycznej. O stuleciach VII-VI. pne mi. Wydawały się statuy męskie nago, personifikowała fizyczną moc człowieka. Figury kobiet, wręcz przeciwnie, zawsze pojawiły się przed publicznością w szatach, ponieważ nie został zaakceptowany do nagich kobiecego ciała.

W kolejnej ery zmieniło się stosunek do nagiego organów. Tak więc w czasach hellenizmu (od końca VI Century BC), wytrzymałość przeniósł się do tła, ustawiając miejsce na miłość męskiej postaci. Jednocześnie pojawiają się pierwsze kobiece figury nago. W epoce barokowej kobiety ze wspaniałymi formami były idealne, podczas gdy priorytet ROCOCO stał się zmysłowością, a w XIX-XX stuleci, obrazy lub rzeźby z nagimi organami (zwłaszcza mężczyzn) były często zabronione.

Rosyjscy artyści wielokrotnie stosowali w swoich pracach do gatunku nago. Ma więc tancerz z atrybutami teatralnymi, są to pozytywne dziewczyny lub kobiety w centrum monumentalnych działek. Ma to wiele zmysłowych kobiet, w tym w parach, jest to cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety na różnych klasach, a y - dziewczyny, ukończona niewinność. Niektórzy, na przykład, przedstawili całkowicie nagich mężczyzn, chociaż takie zdjęcia nie były przyjęte przez społeczeństwo ich czasu.

Przykłady zdjęć słynnych rosyjskich artystów w gatunku nago

Krajobraz (ks. Pakiety, z opłat - obszar)

W tym gatunku priorytet jest obraz stworzonego środowiska naturalnego lub ludzkiego: narożniki naturalne, gatunki miast, wiosek, zabytki itp. W zależności od wybranego obiektu, naturalne, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne krajobrazy są podświetlone.

Pierwsze krajobrazy starożytnych artystów odkryto w obrazie rockowym w erze neolitycznej i byli obrazami drzew, rzek lub jezior. Później, naturalny motyw był używany podczas dekoracji domu. W epokach średniowiecza krajobraz prawie całkowicie przesiedliły motywy religijne, aw epoce renesansu, wręcz przeciwnie, harmonijne stosunki człowieka i natury pojawiły się na przedniej.

W Rosji malarstwo krajobrazowe rozwinęło się z XVIII wieku i było pierwotnie ograniczone (w tym stylu, krajobrazy stworzone na przykład i), ale później cała pleiada utalentowanych rosyjskich artystów wzbogacił ten gatunek z różnych stylów i trendów. Stworzył tzw. Krajobraz nonsensowy, czyli zamiast pościgu na spektakularne gatunki, przedstawił najbardziej intymne chwile w rosyjskim naturze. I przyszli do lirycznego krajobrazu, uderzając publicznie z drobno przesłanym nastrojem.

I jest to epicki krajobraz, gdy widz demonstruje cały wielkość świata wokół. Niekończący się stosowane do Starin, E. Volkov wiedział, jak zmienić dowolny krajobraz o niskiej prędkości w poetycki obraz, walczył widza ze swoim cudownym światłem w krajobrazach, i może bez końca podziwiać rogi leśne, parki, zachody słońca i przekazywać tę miłość do widza .

Każdy z graczy krajobrazowych skoncentrowali się na takim krajobrazie, który zafascynował go szczególnie silnie. Wielu artystów nie mógł przejść przez budynki na dużą skalę i malowały wiele krajobrazów przemysłowych i miejskich. Wśród nich pracuje i innych artystów. Zafascynowane zabytki i