Dom » Prawa » Czym jest sztuka. §3

Czym jest sztuka. §3

1. Prawdopodobna problematyczna dynamika lub okazja.

Nie ma jednak potrzeby dać się ponieść tylko jednemu stawaniu się i tylko jednemu działaniu, co odróżnia przedmiot sztuki od przedmiotu nauki. Trzeba cały czas pamiętać, że na polu sztuki mamy do czynienia nie tylko z działaniem jako organiczną strukturą stawania się, ale że sama formacja powstała tu u Arystotelesa w wyniku opozycji rozumowania kategorycznego (a także logicznej konieczności) do prawdopodobnej problemu. Dopiero korzystając z tej okazji na polu czystego rozumu w aspekcie organicznie wrodzonego stawania się i integralnej możliwości, po raz pierwszy uzyskujemy mniej lub bardziej kompletne wyobrażenie o przedmiocie sztuki.

Arystoteles pisze: „... Zadaniem poety nie jest mówienie o tym, co się stało (ta genomena), ale o tym, co mogło się wydarzyć, o możliwym przez prawdopodobieństwo lub konieczność” (Poeta. 9, 1451 a 36 - b 1 ). A więc Arystoteles raz na zawsze zerwał z przedmiotem sztuki, jak z rzeczywistością. Nagie fakty same w sobie nie interesują poety. Interesuje go to, co jest przedstawiane w tym, co jest postrzegane nie samo w sobie, ale jako źródło innych możliwych obiektów i przedstawień, lub, jak powiedzielibyśmy, temat obrazu artystycznego jest zawsze symboliczny, albo raczej wyraziste i symboliczne, zawsze wskazuje na coś innego i woła o coś innego.

Rozważania Arystotelesa w tym względzie brzmią dość kategorycznie:

„Historyk 158 i poeta różnią się nie tym, co się mówi w poezji, ale w prozie. Przecież dzieła Herodota można by umieścić w poezji, a przecież byłaby to ta sama historia w metrach, co bez metrów. , że jeden mówi o tym, co się stało (ta genomena), drugi o tym, co mogło się wydarzyć ”(b 1-6).

2. Uogólniony charakter tej możliwości.

Wreszcie, zgodnie z myślą Arystotelesa, nie jest w żaden sposób możliwe, aby obiekt artystyczny, który zadeklarował jako jedyną możliwość, dał się jakoś zredukować - zarówno pod względem ogólności, jak i przekonywalności obrazu. Można by pomyśleć, że gdyby artysta otrzymał polecenie przedstawienia nie tego, co jest, ale co może być, artysta zostałby rozwiązany w stosunku do obrazu czegokolwiek. Nie, to nie może być możliwe, ponieważ nie zapomnimy, że cała sfera możliwości pochodzi z tego samego rozumu teoretycznego, który zawsze funkcjonuje tylko w kategoriach ogólnych.

„Poezja zawiera bardziej filozoficzny i poważniejszy element niż historia: przedstawia bardziej ogólne, i historia - prywatny. Generał polega na przedstawieniu tego, co ma się do powiedzenia lub zrobienia w zależności od prawdopodobieństwa lub konieczności osoby, która ma określone cechy. Poezja dąży do tego, dając aktorzy nazwy. A szczegóły, takie jak to, co zrobił Alcybiades lub co się z nim stało ”(b 6-12).

3. Figuratywny charakter sztuki.

W tym miejscu należy zauważyć, że to, co możliwe, o czym sztuka interpretuje, zawsze charakteryzuje się niektórymi nazwy. Teraz powiedzielibyśmy inaczej. Wszakże do tej pory w zasadzie chodziło tylko o czysty, czyli teoretyczny rozum, który działa za pomocą ogólnych kategorii. Ale dzieło sztuki to nie tylko system logicznych kategorii. Jest to zawsze obraz pewności osoby z ich imionami i pewnymi działania, co przytrafiło się tym osobom. Arystoteles już mówił o działaniu, ale nie mówił jeszcze o bohaterach dzieła sztuki. I dopiero teraz to mówi dzieło fikcji zawsze działa z jednym lub drugim nazwy, to znaczy z niektórymi bohaterami noszącymi określone imiona. Jeśli w komedii sama fabuła jest głównie ważna, a nazwy mogą być dowolne, a jeśli w jambografii są nazwiska, ale działania nie są przedstawione (b 12-15), to sytuacja jest zupełnie inna w tragedii, gdzie pewien podana jest fabuła. mit, czyli określony zestaw działań i podane są „imiona”, czyli bohaterowie, którzy noszą określone imiona należące do nich, a ponieważ mitologia odnosi się do przeszłości, kwestia jej rzeczywistej rzeczywistości nie jest już podniesiony. Skoro coś było, to mogło być; a zatem tragedia w pełni spełnia artystyczną zasadę możliwości, nie mówiąc już o wynikającej z tego przekonywalności, a co za tym idzie, jej swoistym realizmie, nie tylko nie zaprzeczającym zasadzie możliwości, ale precyzyjnie realizującym ją w sposób najbardziej żywy.

Oto, co czytamy na ten temat u Arystotelesa:

„Tragedia przylega do nazw zaczerpniętych z przeszłości. Powodem tego jest to, że ewentualny [czyli w tym przypadku incydent] budzi zaufanie. Nie wierzymy w możliwość czegoś, co jeszcze się nie wydarzyło; ale co wydarzyło się jest być może oczywiste, ponieważ nie doszłoby do tego, gdyby nie było to możliwe. Jednak w niektórych tragediach można znaleźć tylko jedno lub dwa słynne nazwiska, podczas gdy inne są fikcyjne, jak na przykład w „Kwiacie” Agathona. praca, zarówno wydarzenia, jak i nazwy, ale nadal przyjemne ”(b 15-23).

Ważna jest tu nie tylko rozpiętość artystycznego horyzontu Arystotelesa, ale ważne jest też, że wśród tych sporów o integralność, wspólność, swoisty realizm mitologicznego obrazu, nie zapomina on także o przyjemności, jaką niesie tragedia (eyphraifiein, a raczej można by to przetłumaczyć jako „radość”).

Podsumowując, ponownie podkreśla Arystoteles niefaktologiczne dzieło sztuki, czyli jego wykonane, wytworzone, twórczo skonstruowane, jego wirtuozowskie wyobrażenie, które według Arystotelesa zawsze urzeczywistnia się poprzez jego efektywną kreację:

„Niekoniecznie trzeba stawiać sobie za zadanie trzymanie się utrwalonych przez tradycję mitów, na obszarze których toczy się tragedia. I to jest śmieszne, bo nawet to, co znane, jest znane niewielu, a jednak sprawia radość każdemu niż metry, bo jest twórcą o tyle, o ile reprodukuje i odtwarza działania, a nawet jeśli ma odwzorowywać rzeczywiste zdarzenia, to wciąż jest twórcą, bo nic nie stoi na przeszkodzie, aby niektóre zdarzenia realne miały charakter prawdopodobieństwa i możliwości. On jest ich stwórcą ”(b 23-33).

4. Ekspresja jako estetyczna ostrość przedmiotu artystycznego.

Teraz wreszcie dochodzimy do arystotelesowskiego rozumienia sztuki jako sfery ekspresji. Wszakże tutaj staje się jasne, że tego rodzaju teoria przedmiotu artystycznego, obliczona nie tylko na treść, ale na wirtuozowskie formułowanie dowolnej treści, co zresztą daje określoną przyjemność, jest właśnie spójną estetyką. wyrażenia, kiedy liczy się nie to, co obiektywnie istnieje, a nie to, co jest fikcjonalizowane w porządku subiektywnej arbitralności, ale wirtuozeria samego wyrażenia i specyficzna przyjemność z nim związana.

i) W ostatnim z poprzednich cytatów byliśmy przekonani, że chociaż Arystoteles bardzo lubi dobrze znane i zrozumiałe wątki mitologiczne, to jednak uważa, że \u200b\u200bkunszt dzieła w ogóle nie zależy od tych znanych i zrozumiałych wątków. Fabuły mogą być całkowicie nieznane publiczności i całkowicie niezrozumiałe w swojej nowości, niemniej jednak publiczność może czerpać z nich estetyczną przyjemność. I dlaczego? Ponieważ dla Arystotelesa w dziele fikcyjnym ważne jest nie „co”, ale „jak”, a raczej całkowite połączenie obu w jedną ekspresyjną, a tym samym przekonującą formalną i strukturalną wyobraźnię. Poniżej zobaczymy, jak Arystoteles i sam geneza sztuki determinuje naturalną ludzką skłonność do „naśladowania”, czyli twórczego odtwarzania wszystkiego wokół siebie i czerpania radości z tego naśladownictwa.

b) Teraz zacytujemy bardzo interesujący argument Arystotelesa w polityce:

„Należy uczyć dzieci przedmiotów ogólnych, przydatnych nie tylko ze względu na korzyści, jakie z tego wynikają, takie jak nauka czytania i pisania, ale także dlatego, że dzięki temu szkoleniu można przekazać im cały szereg innych informacji. Tak jest w przypadku rysunku: nie jest badany, aby nie popełnić błędu w swoich działaniach ani nie dać się zwieść kupując lub sprzedając przybory kuchenne, ale rysunek jest badany, ponieważ rozwija oko w określaniu piękna fizycznego. szukanie wszędzie tylko jednej korzyści najmniej przystoi ludziom o wysokich wartościach duchowych i urodzonym na wolności ”(VIII 3, 1388 a 37 - 1388 b 4).

Innymi słowy, obiekt sztuki, zdaniem Arystotelesa, jest równie żywy, neutralny i żywotny. Sztuka jest bardzo specyficzną sferą, w której ani „tak”, ani „nie” nie jest powiedziane, a mimo to zawsze jest sferą możliwych afirmacji i zaprzeczeń. To sfera ekspresyjnych stawań się i działań. Jest to szczególnie prawdziwe w przypadku muzyki (Polit. VIII 4-5), o czym przekonamy się później, rozważając istotę muzyki i edukacji muzycznej.

w) To, że piękno jest generalnie wyższe niż fizyczne, jest oczywiste z rozumowania Arystotelesa (Ethic. Nic. III 12), że wojownikowi na pięści przyjemnie jest otrzymać wieniec i honor, ale boli otrzymywanie ciosów podczas walki, i odważne działania podejmowane są ze względu na piękny cel i uniknięcie wstydu, chociaż rany i śmierć nie są bynajmniej piękne ani przyjemne. Arystoteles chce tutaj powiedzieć, że piękno jest skuteczne, ale nie w sensie czysto fizycznym.

„W dziełach sztuki tkwi w nich doskonałość (do oczu) i wystarczy, aby te dzieła powstały zgodnie z regułami samej sztuki” (II 3, 1105 a 27-28).

„Nie można więc krytykować sztuki za to, że przedstawia niepoprawne, niemożliwe lub niewiarygodne przedmioty. Oczywiście byłoby lepiej, gdyby wszystko przedstawione w sztuce było zarówno obiektywnie poprawne, jak i obiektywnie możliwe i obiektywnie prawdopodobne, ale gdyby np. przedstawia konia z wysuniętymi dwiema prawymi nogami, to krytyk malarza za to nie krytykuje wcale sztuki malarstwa, a jedynie niekonsekwencję jego rzeczywistości, temat artystycznego obrazu może być nawet obiektywnie całkowicie niemożliwy Jednak dla poezji to, co niemożliwe, ale prawdopodobne, jest lepsze, ale niewiarygodne ”(Poet. 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Arystoteles przyjmuje wirtuozowską strukturę dzieła sztuki nawet wtedy, gdy ceni sam związek wydarzeń tragedii, czyli to, co nazywa „mitem”, a nie same wydarzenia. Na przykład tragedia, zdaniem Arystotelesa, jest możliwa nawet bez przedstawiania postaci, ale w żaden sposób nie jest możliwa bez przyciętego i jasno wyrażonego związku wydarzeń. Dotyczy to również wszystkich innych sztuk.

„Bez działania tragedia jest niemożliwa, ale bez charakteru jest możliwa” (6, 1450 a 24-25). „To samo można zobaczyć wśród artystów, na przykład porównując Zeuxides z Polygnotem: Polygnot to dobry malarz charakterystyczny, a list Zeuxidesa nie ma nic charakterystycznego” (27-29). „Jeśli ktoś harmonijnie połączy charakterystyczne powiedzenia oraz piękne słowa i myśli, nie wykona zadania tragedii, ale tragedia osiągnie znacznie więcej, choć w mniejszym stopniu wykorzystała to wszystko, ale ma fabułę i odpowiednią kompozycję wydarzeń ”(a 29-33).

W konsekwencji artystyczny sens tragedii tkwi jedynie w kompozycji incydentów, to znaczy w samej jej strukturze, a nie w samych incydentach. To samo dzieje się w malarstwie.

„Jeśli ktoś rozmazuje w bałaganie najlepsze kolory, nie może sprawić nawet takiej przyjemności, jak szkicowanie kredą rysunku” (a 33-36).

5. Filozoficzne uzasadnienie strukturalnej samowystarczalności sztuki.

Niestety w chwili obecnej ze względu na brak miejsca nie możemy w pełni podać filozoficznego uzasadnienia strukturalnego charakteru artyzmu, jakim faktycznie dysponuje Arystoteles. Pierwszy traktat, który podąża za kategoriami w Organonie, zatytułowany jest O interpretacji. Faktem jest, że oprócz samego bycia traktowanym, dla osoby zawsze istnieje taka lub inna jego interpretacja, taka lub inna jej interpretacja. Ta interpretacja odnosi się oczywiście również do całego kosmosu jako całości. Ale taka interpretacja kosmosu, jak dobrze wiemy, jest dla Arystotelesa kosmicznym Umysłem. We wspomnianym traktacie Arystoteles chroni prawa ludzkiej interpretacji bytu wobec samego bycia. Interpretacja ma specyficzny charakter: nie wszystko, co jest prawdziwe w byciu samym w sobie, jest prawdą w myśleniu; a sama sprzeczność, której Arystoteles zabrania, by być sobą, jest całkiem możliwa w myśleniu. Zatem „być” i „nie być” jest niedopuszczalną sprzecznością. Jednak w myśleniu oprócz rzeczywistej i kategorycznej modalności istnieją również inne modalności, w odniesieniu do których nie ma sensu mówić o prawdzie lub fałszu. To jest cała sfera możliwego istnienia. Nie można o tym powiedzieć ani, że jest prawdą, skoro jeszcze nie istnieje, ani że jest fałszywa, skoro na etapie możliwości nie została jeszcze kategorycznie potwierdzona. Szczególnie uderzające jest w tym traktacie to, że Arystoteles odsyła nas właśnie do poetyki i retoryki, abyśmy rozważali ten rodzaj bytu, w stosunku do którego nic nie jest potwierdzane ani negowane.

Arystoteles pisze:

„Nie każda mowa zawiera [osąd], ale tylko to, co zawiera prawdę lub fałsz czegoś, więc na przykład„ pragnienie ”(eyche) jest mową, ale nie jest prawdą ani fałszem. Pozostałe rodzaje mowy są pomijane tutaj, ponieważ ich studium bardziej pasuje do retoryki lub poetyki, tylko osąd (logos apophanticos) ma znaczenie dla niniejszego rozważania ”(De interpret. 4, 17 a 2-7).

Tak więc niemożność stosowania pozytywnych lub negatywnych ocen sztuki została udowodniona przez Arystotelesa w jednym z najważniejszych traktatów jego filozofii teoretycznej. Istota artystyczna jest i nie jest. To tylko możliwość, tylko problematyczna, tylko dana i obciążona, ale nie system sądów o byciu, pozytywnym czy negatywnym. To tylko sama ekspresja i nic więcej.

Wszystkie powyższe sądy Arystotelesa i na temat Arystotelesa mogą w oczach innych sprowadzić całe nauczanie Arystotelesa o sztuce do pustego i pozbawionego znaczenia formalizmu. Oznaczałoby to w ogóle nie rozumieć estetyki Arystotelesa. Faktem jest, że cała ta artystyczna „możliwość”, „neutralność” i, ogólnie rzecz biorąc, specyficzna modalność nie są (o czym mówiliśmy wiele razy) nie są formą, w przeciwieństwie do treści, bo to prawda, nie jest treści bez formy, a mianowicie to, w jakiej formie i treści są identyfikowane, czym się od siebie nie różnią, w czym ich bycie i ich nieistnienie łączą się do tego stopnia, że \u200b\u200bsą całkowicie nierozróżnialne. Jak więc można powiedzieć, że Arystoteles interesuje się sztuką tylko w jednej z jej form i tylko w jednej z jej struktur?

Cały XVII rozdział „Poetyki” poświęcony jest właśnie zagadnieniom specyfiki sztuki.

„Tragedia”, mówi Arystoteles, „powinna być napisana tak, aby była jak najjaśniejsza, najbardziej przekonująca i aby jej sceny składowe były jak najbardziej zrozumiałe. Najbardziej fascynujący ze wszystkich są ci poeci, którzy doświadczają uczuć tej samej natury. i wywołuje złość, to ten, kto jest naprawdę zły. W rezultacie poezja jest losem albo osoby obdarzonej bogactwem z natury, albo osoby skłonnej do wściekłości. Pierwsi są w stanie reinkarnować, drudzy - wpadać w ekstazę ” (17, 1455 i 30-34).

Gdzie zatem jest formalizm Arystotelesa w przedstawianiu samej istoty dzieła sztuki?

Powyżej wystarczająco dużo powiedziano o takich „formalnych” kategoriach estetyki Arystotelesa, jak „początek”, „środek” i „koniec”. Już tam próbowaliśmy udowodnić, że Arystoteles nie ma tutaj formalizmu, a jedynie plastyczny, rzeźbiarski sposób postrzegania świata. Przyjrzyjmy się teraz, co mówi Arystoteles o pojęciu okresu i o przyjemności estetycznej, którą uzyskujemy właśnie z powodu jego strukturalnego porządku:

„Okres nazywam frazą, która sama w sobie ma początek, środek i koniec, a której wymiary są łatwe do zaobserwowania. Styl ten jest przyjemny i zrozumiały; przyjemny, ponieważ jest przeciwieństwem niedokończonej wypowiedzi, a słuchacz zawsze wydaje się, że coś chwyta. i że coś się dla niego skończyło, ale nie przewidywanie niczego i nie dochodzenie do niczego jest nieprzyjemne. ”Takie przemówienie jest zrozumiałe, ponieważ jest łatwe do zapamiętania, a wynika to z faktu, że okresowe mowa ma liczbę, ale liczba jest łatwiejsza do zapamiętania, dlatego poezja każdy pamięta lepiej niż prozę, ponieważ poezja ma liczbę, według której jest mierzona ”(Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Zapytajmy tutaj, na czym polega estetyczny formalizm Arystotelesa w ocenie dzieł sztuki?

Arystoteles jako moralista sprzeciwia się wszelkim skrajnościom i wszędzie głosi środek, umiar. Ale jeśli chodzi o dzieła sztuki, nie zna kompromisu ani umiaru.

„Umiar należy obserwować w niższych, cielesnych przyjemnościach, ale nie w przyjemnościach koloru obrazów, utwory muzyczne i od subtelnych, wdzięcznych zapachów. ”„ Nie nazywamy ani umiarkowanych, ani nietrzymających moczu tych, którzy lubią wzrok, na przykład kwiatów, form lub obrazów, chociaż być może dla takich ludzi istnieje normalna przyjemność, zarówno nadmierna, jak i niewystarczająca. To samo należy powiedzieć o przyjemnościach słuchania: nikt nie będzie nazywać osób, które lubią zbyt dużo melodii i przedstawień teatralnych, nietrzymaniem moczu, a tych, którzy lubią to z umiarem, nie nazwać umiarkowanymi. Nie wymienia też miłośników zapachów, cieszących się zapachem owoców, róż czy palących ziół ”(Ethic. Nic. III 13, 1118 a 1-9).

Takiego stosunku do sztuki nie można nazwać formalistycznym, gdy głosi się możliwość „nikogo, kto zna jakąkolwiek miarę zanurzenia się w kolorach i formach, w malarstwie, muzyce, a nawet w kadzidle. Tę samą bezgraniczność estetycznej przyjemności w sztuce znajdujemy w innym traktacie, a nawet w jeszcze bardziej szczegółowej formie (Ethic. Eud. III 2, 1230 b 31).

7. Niebezpieczeństwo unowocześnienia nauczania Arystotelesa o sztuce.

Przeglądając wszystkie dotychczasowe materiały o sztuce Arystotelesa i próbując je przeanalizować z punktu widzenia specyfiki artystycznej, natrafiamy naprawdę na szereg niespodzianek, których zwykle nie ma w prezentacji estetyki Arystotelesa. Sama różnica między bytem dynamicznym a bytem czystym może wywoływać zdumienie wielu. Wszak okazuje się nic więcej i nic mniej, jak to, że byt artystyczny nie jest ani pozytywny, ani negatywny, że nie mówi „tak” ani „nie”, jest neutralny w byciu i że ostatecznie ma swoje korzenie. w obszarze subiektywnym twórcy. Jednocześnie bardzo łatwo jest się pomylić i postawić estetykę Arystotelesa na tej samej płaszczyźnie z nowoczesnymi nihilistycznymi idealistycznymi formami myślenia, które znalazły wyrazisty wyraz nawet w epistemologii Macha i Avenariusa. Najwyraźniej autor, który tak wiele zrobił dla wyjaśnienia estetyki arystotelesowskiej i rozważenia jej na płaszczyźnie współczesnych teorii europejskich i amerykańskich, skłania się ku temu błędnemu stanowisku - V. Tatarkevich 159. Zauważył wiele u Arystotelesa, co daleko wykracza poza tradycyjne rozumienie i prezentację Arystotelesa; cytuje wiele takich tekstów Arystotelesa, które odgrywają ważną rolę w naszym kraju (ale tylko tych tekstów mamy wielokrotnie więcej). Główna teza W. Tatarkewicza sprowadza się właśnie do tego, że Arystoteles rzekomo nauczał o neutralnej sferze sztuki, jak on, zdaniem tego autora, ostro różni się od całej starożytnej filozofii (z wyłączeniem Cycerona) i jak z pewnością jest blisko naszych czasów. Przedstawiliśmy również rozwiniętą powyżej naukę o dynamicznie energetycznym charakterze umysłu w filozofii Arystotelesa, a także przytoczyliśmy teksty o prymacie podmiotowości nad bytem przedmiotowym w teorii sztuki Arystotelesa. Jednak cała ta strona estetyki Arystotelesa nie powinna w najmniejszym stopniu przesłaniać nas i wszystkiego innego, co w niej znajdujemy.

Gdyby Arystoteles rzeczywiście głosił taką teorię, to V. Tatarkevich miałby absolutną rację, że Arystoteles wcale nie jest starożytny, ale współczesny nam teoretyk sztuki. Jednak dokładne studium Arystotelesa pokazuje, że ten „machowski” element musi być w stanie precyzyjnie i bezwarunkowo łączyć się z ogólnym antycznym ontologizmem Arystotelesa i łączyć jego specyfikę dzieła sztuki z ogólnymi starożytnymi naukami o sztuce, naturze i istnieniu. Umysł, którego naucza Arystoteles, nie tylko nie zaprzecza tej koncepcji dynamiczno-energetycznej, ale, jak wielokrotnie udowodniliśmy, tutaj Arystoteles posiadał bezwarunkową jedność i jego ontologizm wcale na tym nie ucierpiał. Dla rzeczowego scharakteryzowania stanu rzeczy nie będziemy teraz wchodzić w rozumowanie teoretyczne, do którego mieliśmy już przypisanych wiele stron, ale poruszymy tylko dwa węższe pytania, w których po prostu łatwiej jest przyjrzeć się starożytności Arystotelesa do pewnego bierne rozumienie podmiotu ludzkiego, mimo że to, co zdaniem Arystotelesa, jest zakorzenione w ludzkim podmiocie, to co należy nazwać sztuką.

i) Gdybyśmy zapytali, jak taki pierwszorzędny filozof starożytności i wybitny encyklopedysta może wyczuć cały wewnętrzny element sztuki, bylibyśmy zdumieni letargiem i biernością odpowiednich postaw. U Arystotelesa, podobnie jak wszędzie w starożytności, pojawia się termin enthoysiasmos, „entuzjazm”, który jednak nie jest w naszym rozumieniu entuzjazmem, ale raczej namiętne podniecenie, afektywna inspiracja. Arystoteles definiuje to w ten sposób: „Entuzjazm jest wpływem porządku etycznego w naszej psychice” (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12), a etos, „etos” tutaj należy rozumieć nie w sensie etyki, ale w taki sam sposób jak francuski i angielski w nowych i nowoczesne czasy rozumieć termin „moralny”, czyli w szerokim sensie psychologicznym. Ten entuzjazm, o którym filozof dużo mówi w odniesieniu do muzyki, w istocie jest przez niego traktowany bardzo umiarkowanie i trzeźwo. Entuzjazm, ekstaza, oczywiście, są dobre. Arystoteles mówi o pomniejszym poecie Maraku z Syrakuz (probl. XXX 1, 954 a 38-39), że „byłby lepszym poetą, gdyby był w ekstazie”. Ale Arystoteles odrzuca wszelkie skrajne formy entuzjazmu, uważając to za chorobę. Takie ekstazy, jak Herkules, który zabił swoje dzieci, czy Ajax, który zabił owce zamiast Atridów, mają dla Arystotelesa wszelkie oznaki choroby. Podaje ten sam traktat (36-38) czysto fizjologiczne wyjaśnienie stanów ekstatycznych. Na przykład Sybilli i Bakidzi działają w oparciu o naturalne chorobliwe skłonności. Czarna żółć, niezdrowa dieta i tak dalej to przyczyny tego „entuzjazmu”. Wśród takich „melancholijnych” Arystotelesów jest wielu filozofów, w tym Empedokles, Sokrates i Platon (953 a 27-32). Zamiast tych nienaturalnych stanów Arystoteles daje pisarzom bardzo rozsądne rady, takie jak na przykład w rozdziale 17 Poetyki:

„Przy tworzeniu mitów i przetwarzaniu ich języka konieczne jest jak najdokładniejsze przedstawienie wydarzeń na naszych oczach. W tym stanie poeta widząc je dość wyraźnie i niejako będąc obecnym w trakcie ich rozwoju, może znaleźć odpowiednie i najlepiej zauważ sprzeczności ”(1455 a).

To bardzo spokojna i rozsądna rada, stawiająca pytania o inspirację na bardzo realistycznej i psychologicznej podstawie.

b) Pytanie o fantazja. Cechy bierności w tym sensie odnajdujemy również u Platona. Jest to tym bardziej charakterystyczne dla Arystotelesa, który próbuje tu dokonać trzeźwej analizy psychologicznej. Pod wpływem ekstazy ludzie często mylą obrazy własnej reprezentacji z rzeczywistością: „Mówią, że obrazy reprezentacji (fantasmata) były rzeczywiste i że je pamiętają” (De memor. 1, 450 b 10-11). Ogólnie fantazja jest znacznie słabsza niż prawdziwe doznania zmysłowe. W Rhet. I 11, 1370 a 28-29 Arystoteles bezpośrednio stwierdza: „Reprezentacja (fantazja) jest rodzajem słabej sensacji”. Ta bierność nie powinna jednak przesłonić innej, bardzo ważnej strony.

w) Faktem jest, że Arystoteles, sprzeciwiając się Platonowi w kwestii idei, jak już dobrze wiemy, w rzeczywistości nie zaprzecza istnieniu idei, a jedynie umieszcza je immanentnie w rzeczach, w rzeczywistości. Z drugiej strony tego immanentyzmu nie można pojąć z grubsza. To tylko prowadzi do tego, że pomysł wzięty razem z rzeczą ma więcej złożony rysunek semantyczny, staje się wyrazista forma, nie przestając być czystym znaczeniem. Oto klucz do arystotelesowskiej „chtoiness” lub „forma”, „eidos”. Tę samą symbolikę widzimy u Arystotelesa iw jego psychologii. Jego dusza jest uważana za czystą formę ciała, ale ona istnieje „nie bez ciała” (De an. II 2, 414 a 5-22), będąc zatem semantyczną ekspresją ciała (415 b 7-27). Percepcja sensoryczna ma czyste eidos, ale nie bez znaczenia (417 b 28 - 418 a 6). Wreszcie ta sama nauka jest względna myślący. Według Arystotelesa myślenie znajduje się w tych samych warunkach co percepcja zmysłowa, to znaczy jest stanem biernym pod wpływem tego, co można pomyśleć (III 4, 429 a 13-15). Ale sama myśl jest dokładnie taka, że \u200b\u200bnie wywołuje uczucia, a zatem sam umysł, ściśle mówiąc, znajduje się poza cierpieniem. Zawiera eidos i jest mocą wszystkiego, co można sobie wyobrazić. Jako wszechstronny myśliciel nie zawiera w sobie żadnej nieczystości. Jest tylko mocą kompletnej myśli. I nie ma absolutnie żadnej części ciała, ponieważ w przeciwnym razie byłby ciepły lub zimny i miałby jakiś organ. To - miejsce eidos, i ponad wszystko potencjał. Rozwinięte myślenie już tworzy entelechię myśli; tutaj - entelechy eidos (429 a 15 - b 10). Ale umysł jest nie tylko czysty i aktywny. Cierpi również, ponieważ nie zawsze myśli. Ponieważ umysł jest sam w sobie, myśli sam, będąc niezależnym od czegokolwiek rozsądnego - jest myślą o myśli, a zatem jest własną wyrażenie znajduje się w samoświadomość (w tym przypadku myślenie i myśl są identyczne, 430 a 3-5). O ile myśli inaczej, będąc niejako pod wpływem tego drugiego, znajduje wyraz w myślenie figuratywne, albo lepiej, w intuicyjnie realizowanym przez specjalnego mentalnego reprezentanta myślenia.

Tutaj ta sama mimowolna antynomia powtarza się u Arystotelesa, co możemy stwierdzić w innych problemach: dusza nie jest ciałem, ale nie jest bez ciała; doznanie nie jest ruchem, ale nie jest pozbawione ruchu. W odniesieniu do umysłu Arystoteles bezpośrednio mówi: „Dusza nigdy nie myśli bez obrazu” (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17), a obrazy wprowadzają tę samą „przemianę” w myśli lub, zgodnie z naszymi interpretacja, „wyrażenie”, jaki wpływ na kolor w ogóle ma odpowiednie środowisko świetlne.

„Zasada myślenia myśli eidos w obrazach” (413 b 2).

„Ponieważ, co prawda, nie ma ani jednej rzeczy, która istniałaby oddzielnie od (jej) zmysłowo odczuwanych ilości, to, co jest do pomyślenia podane jest w filcowych eidos, a zarówno tzw. postrzeganie zmysłowe nie może niczego rozpoznać ani zrozumieć, a gdy kontempluje w myślach, musi jednocześnie kontemplować pewien obraz wyobraźni (fantasma), ponieważ ten obraz istnieje jak obrazy percepcji (hösper aithёmata), z wyjątkiem [nieodłącznego od tych ostatnich] Ponieważ wyobraźnia różni się od afirmacji i zaprzeczenia, tak prawda lub fałsz jest tą lub inną kombinacją myśli. Ale w jaki sposób myśli podstawowe różnią się od obrazów zmysłowych? Oczywiście nie są [po prostu] innymi obrazami, ale są - nie bez obrazy ”(III 8, 432 a 3-14).

Umysł jest „czysty” (III 5, 430 a 18 itd.), „Eidos of eidos” (III 8, 432 a 1), nie jest czymś poruszającym (III 9, 432 b 26-27) i nie jest nawet dusza w ogóle (II 2, 414 a 4-14), az drugiej strony energetycznie jest to niemożliwe bez zmysłowości. Oto pełne powtórzenie problemów, które ogólnie stawiamy w Metafizyce: eidozy nie są faktami, ale mają realne znaczenie tylko w rzeczach, w których uzyskują ostateczny wyraz. A ponieważ istnieje energia - znacząca ekspresja symbolicznie dana w rzeczach, tak więc myślenie jest tu symbolicznie dane w zmysłowych obrazach, wszystkie te same znaczące ekspresje.

re) Nietrudno dostrzec cienki wydruk pasywność leży w całej tej symbolicznej, opisowej estetyce Arystotelesa. Dla niego fantazja jest bardzo wyważonym, uspokojonym połączeniem czystej myśli i zmysłowej wyobraźni, która zamienia czyste myślenie w obrazową figuratywność i ekspresję oraz sprawia, że \u200b\u200bzmysłowe obrazy niewidomych i głuchych stają się przejrzyste symboliczne i artystyczne. Ten związek jest oczywiście elementarny: każda estetyka postuluje go na pierwszej stronie swoich studiów nad psychologią sztuki. Sokrates zażądał tego samego, jak wiemy, od artystów; Platon celowo użył „zmysłowości” w konstruowaniu swojego „prawdopodobnego mitu” w Timajosie; Plotyn zapamięta również swój czysty Umysł poprzez znaki cielesne itp. itp. Ale cała starożytna estetyka rozumie ten fundamentalny związek wewnętrznie biernie, kontemplacyjny, „klasyczny”; Arystoteles, w przeciwieństwie do dialektycznych konstrukcji platonizmu w dziedzinie samoświadomości (forma dojrzała - w działce V 3) oraz w przeciwieństwie do naturalizmu stoicko-epikurejskiego („wypływy”, „atomy duszy” itp.) , daje ekspresyjno-semantyczny opis fantazji daje wyrazistą fenomenologię tej ogólnej antycznej bierno-plastycznej świadomości artysty.

Strona została wygenerowana w 0.04 sekundy!

Bóg żyje w szczegółach. Abi Warburg

Szczodre serce jest najlepszym inspiratorem umysłu. Alexander Bestuzhev

Sztuka, podobnie jak życie, to za dużo dla słabych. Alexander Blok

Bezpośrednim obowiązkiem artysty jest pokazywać, a nie udowadniać. Alexander Blok

Inspiracja to skłonność duszy do żywej akceptacji wrażeń, a zatem do szybkiego zrozumienia pojęć, co przyczynia się do ich wyjaśnienia. Aleksandra Puszkina

Sztuka jest możliwa tylko wtedy, gdy istnieje potrzeba samodzielnego budowania obrazu - poprzez rozwój słownictwa, form i elementów treści i dopiero wtedy zapewnia komunikację. Alexey Fedorovich Losev

Żaden kawałek geniuszu nigdy nie był oparty na nienawiści czy pogardzie. Albert Camus

Wyobraźnia jest ważniejsza od wiedzy. Albert Einstein

Sztuka jest wyrazem najgłębszych myśli w najprostszy sposób... Albert Einstein

Sztuka ma dwóch najbardziej niebezpiecznych wrogów: rzemieślnika, któremu brakuje talentu oraz talent, który nie posiada rzemiosła. Anatole de France

Sztuka to rzeczywistość na zamówienie artysty, nosząca piętno jego temperamentu, przejawiająca się stylowo. André Maurois

Dla mnie ekspresja nie polega na namiętności, która nagle rozjaśnia twarz lub przejawia się w burzliwym ruchu. Jest w całej strukturze mojego obrazu; miejsce zajmowane przez przedmioty, odstępy między nimi, ich relacje - to się liczy. Kompozycja to umiejętność dekoracyjnego rozmieszczenia różnych elementów obrazu w celu wyrażenia swoich uczuć. Henri Matisse

Miarą znaczenia artysty jest liczba nowych znaków, które wprowadzi do plastycznego języka. Henri Matisse

Każda część obrazu odgrywa swoją rolę, większą lub mniejszą. Wszystko, co nie jest potrzebne na zdjęciu, szkodzi mu. Praca powinna mieć harmonię wszystkich części; zbędne szczegóły mogą zastąpić coś ważnego w umyśle widza. Henri Matisse

Głównym celem koloru jest wyrazistość. Henri Matisse

Najważniejszy jest dla mnie plan. Od samego początku musisz mieć jasne zrozumienie całości. Henri Matisse

Dokładność nie jest jeszcze prawdą (o malowaniu). Henri Matisse

Doświadczenie to wiedza o jednostce, a sztuka to wiedza ogólna. Arystoteles

Każdy musi stać przed obrazem jak przed królem, czekając, aż ona mu coś powie i co powie, a zarówno z królem, jak iz obrazem nie odważy się przemówić pierwszy, inaczej usłyszy tylko siebie . Arthur Schopenhauer

Sztuka wymaga wiedzy. Berthold Brecht

Niewątpliwym znakiem, że coś nie jest sztuką lub ktoś jej nie rozumie, jest nuda. Bertolt Brecht

W malarstwie ten, kto narysował twarz, dodaje coś innego, robi obraz, a nie portret. Blaise Pascal

Przez piękno - do człowieka. Wasilij Aleksandrowicz Suchomliński

Stworzeniem dzieła jest wszechświat. Wassily Kandinsky

Prostota, prawda i naturalność - to trzy główne oznaki wielkości. Wiktor Hugo

Sztuka bez myśli, że człowiek bez duszy to trup. Vissarion Grigorievich Belinsky

Wady są zawsze tam, gdzie kończy się kreatywność, a zaczyna praca. Vissarion Grigorievich Belinsky

Jeśli nauka jest pamięcią umysłu, sztuka jest pamięcią uczuć. Vladimir Alekseevich Soloukhin

Portretując coś, bierzemy na siebie ogromną odpowiedzialność - zrozumieć naturę i jak najpełniej ją zobrazować. Vladimir Andreevich Favorsky

Portrecista, który nie chce już wyrażać charakteru, historii osobowości w portrecie - co to za portrecista, jakim jest artystą, do czego pasuje? Vladimir Vasilievich Stasov

To tylko sztuka, która reaguje na prawdziwe uczucia i myśli, a nie służy jako słodki deser, bez którego można się obejść. Vladimir Vasilievich Stasov

W sztuce forma jest wszystkim, materiał jest bezwartościowy. Heinrich Heine

Sztuka ma za zadanie ujawnić prawdę w zmysłowej formie. Georg Wilhelm Friedrich Hegel

Sztuka wygrywa, odwracając się od wulgarności. Georgy Plechanov

Malowanie to namiętna cisza. Gustave Moreau

Niebo przez gałęzie, to perły i kamienie szlachetne. Gustave Moreau

Kolor powinien być przemyślany, zainspirowany, wymyślony. Gustave Moreau

Krajobraz artystów to zwykle danie ze szpinakiem. Gustave Flaubert

Artysta musi być obecny w swojej twórczości, tak jak Bóg jest we wszechświecie: być wszechobecnym i niewidzialnym. Gustave Flaubert

Ani sztuka, ani mądrość nie mogą zostać osiągnięte, jeśli się ich nie naucza. Demokryt

W momencie, gdy artysta myśli o pieniądzach, traci poczucie piękna. Denis Diderot

Sztuka polega na znajdowaniu niezwykłości w zwyczajności i zwyczajności w niezwykłości. Denis Diderot

Kraj, w którym uczą się rysować w taki sam sposób, w jaki uczą się czytać i pisać, wkrótce przewyższy wszystkie inne kraje we wszystkich sztukach, naukach i umiejętnościach Denisa Diderota

Sztuka znajduje się na swoim miejscu tylko wtedy, gdy jest podporządkowana użyteczności. Jego zadaniem jest nauczanie z miłością; i jest haniebne, kiedy tylko ludziom się to podoba, a nie pomaga im odkryć prawdy. John Ruskin

Kiedy połączą się miłość i umiejętności, można spodziewać się arcydzieła. John Ruskin

Do malowania potrzebujesz pędzla, dłoni i palety, ale obraz nie jest przez nich tworzony. Jean Chardin

Używają farb, ale piszą z uczuciami. Jean Chardin

Nie ma znaczenia, gdzie go zabierzesz - ważne jest, gdzie (jeśli chodzi o kreatywność). Jean-Luc Godard

Ten, kto ma wyobraźnię, ale nie ma wiedzy, ma skrzydła, ale nie ma nóg. Joseph Joubert

Nauka uspokaja, ale sztuka istnieje po to, by się nie wyciszyć. Georges Braque

Sztuka poważna, jak każda poważna sprawa, wymaga życia. Iwana Aleksandrowicza Gonczarowa

W każdym dziele sztuki, dużym lub małym, aż po najmniejsze, wszystko sprowadza się do koncepcji. Johann Wolfgang Goethe

Sztuka jest lustrem, w którym każdy widzi siebie. Johann Wolfgang Goethe

Sztuka jest pośrednikiem tego, czego nie można wyrazić. Johann Wolfgang Goethe

Każdy artysta ma odwagę, bez której talent jest nie do pomyślenia. Johann Wolfgang Goethe

Poeta jest mistrzem inspiracji. Musi im dowodzić. Johann Wolfgang Goethe

Technika połączona z wulgarnością to największy wróg sztuki. Johann Wolfgang Goethe

Właśnie dlatego, że prawdziwa sztuka dąży do czegoś rzeczywistego i obiektywnego, nie może zadowolić się tylko pozorem prawdy. Johann Friedrich Schiller

Złe obrazy są przeważnie złe nie dlatego, że są źle napisane, ale źle napisane, ponieważ są źle pomyślane. Johannes Robert Becher

Prawa i teorie sprawdzają się w sytuacjach niepewności. W chwilach inspiracji zadania są rozwiązywane intuicyjnie, same. Johannes Itten

Nie musisz kopiować natury, ale musisz poczuć jej istotę i uwolnić ją od wypadków. Izaak Lewitan

Nigdy nie spieszy mi się, aby przejść do szczegółów. Camille Corot

Jeśli chcesz cieszyć się sztuką, musisz być osobą wykształconą artystycznie. Karol Marks

Obraz to wiersz bez słów. Quintus Horace Flaccus

Zadaniem sztuki jest poruszenie serc. Claude Adrian Helvetius

Zadaniem artysty jest rodzić radość. Konstantin Georgievich Paustovsky

Nie ma sztuki bez doświadczenia. Konstantin Sergeevich Stanislavsky

Prostota, prawda i naturalność to trzy wielkie zasady piękna we wszystkich dziełach sztuki. Christoph Gluck

Tam, gdzie myśl nie działa razem z ręką, nie ma artysty. Tam, gdzie duch nie prowadzi ręki artysty, nie ma sztuki. Leonardo da Vinci

Malarz szkicujący bez sensu, kierując się wprawą i osądem oka, jest jak lustro, w którym odbijają się wszystkie przedmioty mu przeciwne, nie mając o nich wiedzy. Leonardo da Vinci

Malarstwo to poezja, którą się widzi, a poezja to malarstwo, które się słyszy. Leonardo da Vinci

Są trzy rodzaje ludzi: ci, którzy widzą; ci, którzy widzą, kiedy są pokazani; i ci, którzy nie widzą. Leonardo da Vinci

Prawdziwy artysta jest pozbawiony próżności; zbyt dobrze rozumie, że sztuka jest nieograniczona. Ludwig van Beethoven

Za koncepcją kryje się talent, wykonanie - sztuka. Maria Ebner-Eschenbach

Wszystkie sztuki dotyczą badania prawdy. Mark Thulius Cicero

Malowanie jest zazdrosne i wymaga, aby osoba należała w całości do niej. Michelangelo Buonarroti

Artysta bez poczucia nowoczesności pozostanie nierozpoznany. Michaił Michajłowicz Priszwin

Bóg Stwórca stworzył człowieka na swój obraz i podobieństwo, to znaczy Stwórcę, i powołał go do swobodnej twórczości, a nie do formalnego posłuszeństwa jego mocy. Wolna kreatywność jest odpowiedzią stworzenia na wielkie wezwanie Stwórcy. A twórczym wyczynem człowieka jest spełnienie najskrytszej woli Stwórcy, która wymaga swobodnego twórczego aktu. Nikolay Berdyaev

Sztuka z pewnością dąży do dobra, pozytywnie lub negatywnie: czy ukazuje nam piękno wszystkiego, co w człowieku najlepsze, czy też śmieje się z brzydoty wszystkiego, co w człowieku najgorsze. Jeśli zdemaskujesz wszystkie śmieci, które są w człowieku, i wystawisz je w taki sposób, że każdy widz dozna za to całkowitego odrazy, pytam: czy to już nie jest pochwała za wszystko, co dobre? Pytam: czy to nie pochwała na dobre? Nikolay Gogol

Sztuka łagodzi moralność. Owidiusz

W istocie nie ma pięknego stylu, pięknej linii, pięknego koloru, jedyne piękno jest prawdą,
który staje się widoczny. Auguste Rodin

Zadaniem sztuki nie jest kopiowanie natury, ale jej wyrażanie. Musimy uchwycić umysł, znaczenie, wygląd rzeczy i istot. Honore de Balzac

Sztuka jest odzieniem narodu. Honore de Balzac

Prawda natury nie może być i nigdy nie będzie prawdą sztuki. Honore de Balzac

Sztuka nie odzwierciedla życia, ale widza. Oscar Wilde

Sztuka nie pokazuje tego, co widoczne, ale czyni to widocznym. Paul Klee

Aby być naprawdę miłym, człowiek musi mieć żywą wyobraźnię, musi umieć wyobrazić sobie siebie w miejscu innego. Wyobraźnia jest najlepszym narzędziem moralnego doskonalenia. Percy Shelley

Uczeń kopiuje nie z imitacji, ale z chęci przyłączenia się do tajemnicy Obrazu. Petr Miturich

Inspiracja to gość, który nie lubi odwiedzać leniwych. Piotr Czajkowski

Twórczość rozsądnych zostanie przyćmiona przez kreacje brutalnych. Platon

Nawet najbardziej znany oku przedmiot zmienia się całkowicie, kiedy próbujemy go narysować: zauważamy, że go nie znaliśmy, że tak naprawdę nigdy go nie widzieliśmy. Paul Valerie

Malowanie pozwala zobaczyć rzeczy takimi, jakimi były kiedyś, kiedy patrzyli na nie z miłością. Paul Valerie

W artyście są dwie rzeczy: oko i mózg, które muszą sobie nawzajem pomagać, trzeba pracować nad ich rozwojem: oko - ze swoją wizją natury, mózg - z logiką zorganizowanych wrażeń, które dostarczają środków ekspresji. Paul Cezanne

Sztuka to zakątek natury, widoczny poprzez pewien temperament. Paul Cezanne

Nie możesz oddzielić wzoru od koloru; kiedy piszesz, malujesz, im bardziej harmonijny staje się kolor, tym bardziej konkretny staje się rysunek. Kiedy kolor jest oddany w bogactwie barw, wówczas forma przejawia się w całej swej pełni.

Sekretem rysowania i modelowania są kontrasty i tonacje. Paul Cezanne

Nie ma sztuki bez ćwiczeń i ćwiczeń bez sztuki. Protagoras

W sztuce nie powstaje nic prawdziwego bez entuzjazmu. Robert Schumann

Celem artysty jest wysłanie światła w głąb ludzkiego serca. Robert Schumann

Najwyższym celem, któremu może służyć sztuka, jest umiejętność głębszego zrozumienia życia i pokochania go. Rockwell Kent

Biada artyście, który stara się pokazać swój talent, a nie malarstwo. Romain Rolland

Sztuka zasługuje na szacunek i miłość tylko wtedy, gdy jest prawdziwie ludzka i przemawia do wszystkich zdecydowanych ludzi, a nie do jednej garstki pedantów. Romain Rolland

Artysta myśli rysując. Salvador Dali

Sztuki są przydatne tylko wtedy, gdy rozwijają umysł, a nie rozpraszają go. Seneca Lucius Anney (młodszy)

W niektórych źródłach inspiracji muzy myją stopy. Stanislav Jerzy Lec

W sztuce nie ma nowych trendów, jest jeden - od osoby do osoby. Stanislav Jerzy Lec

Nasza wyobraźnia nie przenosi się z przyjemności na przyjemność, ale z nadziei na nadzieję. Samuel Johnson

To nie kolory sprawiają, że kształty są piękne, ale dobry rysunek. Titian Vecellio

Inspiracja nadaje obrazowi, ale go nie ubiera. Federico Garcia Lorca

Wyobraźnia jest synonimem umiejętności odkrywania. Federico Garcia Lorca

Bez fantazji nie ma sztuki, tak jak nie ma nauki. Franz Liszt

We wszystkich formach sztuki konieczne jest doświadczenie uczuć, które chcesz wywołać w innych. Frederic de Stendhal

Nigdy nie oddzielałem artysty od myśliciela, bo nie potrafię oddzielić forma sztuki od myśl artystyczna... Frederic de Stendhal

Architektura to zamrożona muzyka. Friedrich Schelling

Obraz tych, którzy ze mną studiują, żyje, a ci, którzy mnie naśladują, są martwi, martwi. Qi Bai-shek

Jeśli spojrzymy na otaczające nas środowisko, czy to krajobraz, czy wnętrze, zauważymy, że między rzeczami, które wydają się naszym oczom, istnieje rodzaj połączenia, jakie tworzy otaczająca je atmosfera i różne odbicia światła, które, by tak rzec, wprowadzają każdy przedmiot w pewną wspólną harmonię. Eugene Delacroix

Malarstwo jest sztuką dyskretną i to jest moim zdaniem znaczna zaleta. Eugene Delacroix

Największą przeszkodą w rozwoju naszych możliwości jest oczywiście lenistwo. Eugene Delacroix

Największym triumfem artysty jest stworzenie tych, którzy są zdolni do myślenia i czucia. Eugene Delacroix

Najbardziej uparty realista jest jednak zmuszony, aby oddać naturę, uciekać się do pewnych konwencji kompozycyjnych lub manier. Jeśli mówimy o kompozycji, to nie może po prostu wziąć jednego utworu, a nawet kilku kawałków i zrobić z tego zdjęcie. Konieczne jest wprowadzenie w to pomysłu, aby pokazać widzowi coś więcej niż przypadkowe połączenie niepowiązanych ze sobą części, bez tego nie byłoby sztuki. Eugene Delacroix

Talent to nic innego jak dar generalizacji i wyboru. Eugene Delacroix

Umiejętność przekazania całości to główny znak prawdziwego artysty. Eugene Delacroix

Nawyk dokładnego rysowania tego, co widzimy, daje odpowiednią możliwość dokładnego narysowania tego, co zamierzamy ... Joshua Reynolds

Sztuka istnieje znacznie dłużej niż ludzka cywilizacja, być może tak długo, jak istniał Homo sapiens. Ale jest mało prawdopodobne, aby nasi starożytni przodkowie, przedstawiając coś na ścianach jaskiń, myśleli, że pewnego dnia pojawią się bardzo dziwne formy ekspresji artystycznej.

10. Anamorfoza

Anamorfozy to sposób na przekazywanie obrazów, które na ogół są postrzegane tylko z pewnej odległości lub pod określonym kątem. W niektórych przypadkach napis można odczytać tylko w odbiciu lustrzanym. Pierwsze próby zastosowania anamorfozy podjął Leonardo da Vinci w XV wieku. Kilka prób sięga czasów renesansu, w tym „Ambasadorzy” Hansa Holbeina Jr. i wspaniałe freski Andrei Pozzo na sklepieniu św. Ignacego w Rzymie.

Na przestrzeni wieków techniki ewoluowały od 3D na papierze do sztuki ulicznej, która symuluje dziury lub pęknięcia w ziemi. Najbardziej udaną techniką było zastosowanie anamorfozy w przemyśle poligraficznym. Uderzającym przykładem jest udana próba udekorowania ścian korytarza kolegium przez studentów Josepha Egana i Huntera Thompsona zniekształconymi tekstami, które można odczytać tylko stojąc po prawej stronie. Projektant z Chicago, Thomas Quinn, inspirował uczniów swoją pracą, a oni próbowali ożywić ich.

9. Fotorealizm

We wczesnych latach sześćdziesiątych fotorealiści starali się tworzyć obrazy, które wyglądałyby jak prawdziwe fotografie. Aparat potrafi uchwycić nawet najdrobniejsze szczegóły, a artysta-fotorealista jest w stanie stworzyć „obraz życia”. Ten ruch, który obejmuje również rzeźbę, jest znany jako „superrealizm” lub „hiperrealizm”. Skupiał się na energii codziennego życia, przekazując ją jak najdokładniej.

Fotorealiści tacy jak Richard Estes, Audrey Flack, Robert Bechtle, Chuck Close i rzeźbiarz Dwayne Hanson stworzyli wysoce realistyczne prace, które sprawiły, że widz pomyślał, że prawdziwe obiekty mogą być fałszywe. Krytycy nie są zainteresowani tym ruchem, ponieważ uważają go za dziedzinę technologii, a nie sztukę.

8. Sztuka na brudnym samochodzie

Mało prawdopodobne jest, aby napis np. „Umyj mnie” na karoserii brudnego samochodu można było uznać za wielką sztukę. Ale 52-letni amerykański grafik Scott Wade zasłynął z zadziwiających projektów na zakurzonych szybach samochodowych. Tworzył swoje kreskówki palcem lub różdżką. Dziś artysta za pomocą farby i pędzla tworzy bardziej złożone tematy.

Prace Wade'a są prezentowane na wystawach, a firmy reklamowe korzystają z jego usług. Ponieważ autor pracuje na szklanych powierzchniach, na których trzeba mieć kilka warstw zabrudzenia, w swojej pracy wykorzystuje olej i suszarkę do włosów, aby zapewnić sobie siłę. Wkrótce nikt nie będzie mył samochodów.

7. Wykorzystanie odpadów ludzkich w art

Wielu artystów używa płynów wytwarzanych przez ludzkie ciało do tworzenia swoich prac. Na przykład australijski artysta Hermann Nitsch używa zwierzęcego moczu i krwi. Fabuły jego twórczości, inspirowane wydarzeniami drugiej wojny światowej z dzieciństwa, budzą wiele kontrowersji i sporów.

Brazylijski artysta Vinicius Cuyesada znany jest ze swojego „krwawego” serialu „Blood Piss Blues”. Artysta używa tylko własnej krwi, odmawiając dawcy i krwi zwierzęcej. Jego prace są przesycone żółcią, czerwienią i zielenią, aby stworzyć surową surrealistyczną atmosferę. Na jednym z najbardziej znanych dzieł „Mr. Małpa ”przedstawia małpę w okularach wykonanych z konsoli do gier Nintendo, palącą cygaro.

6. Obrazy malowane różnymi częściami ciała

Do malowania obrazów artyści używają bardzo nietypowych materiałów, ale na tym nie poprzestają i przechodzą do techniki malowania obrazów różnymi częściami ciała. 65-letni australijski artysta Tim Patch „Prikasso”, który malował obrazy swoją męskością, ale najciekawsze jest to, że ostatnio rośnie popularność artysty.

Nie mniej szokująca artystka Kira Ain Warszegi malowała portrety swoją klatką piersiową jako pędzlem. Ta metoda była krytykowana. Potrafi jednak rysować na wysokim poziomie w tradycyjny sposób. Ani K malował obrazy językiem, a nauczyciel Stephen Mermer malował obrazy swoimi pośladkami, za co został wyrzucony ze szkoły.

5. Odwrócony obraz 3D

Podczas gdy specjaliści od anamorfozy starają się uzyskać postrzeganie dwuwymiarowych obrazów jako trójwymiarowych, pojawił się odwrotny przepływ, gdy chcą przedstawić obraz 3D jako dwuwymiarowy. W tej dziedzinie artystka Alexa Mead stała się szczególnie znana. Aby przedmioty na obrazie wyglądały jak nieożywione, artysta używa farb akrylowych. Pracuje nad tą techniką od 2008 roku. Pierwsze prace zostały zaprezentowane publiczności w 2009 roku. Większość obrazów Meada przedstawia mężczyznę siedzącego na krześle przy niepomalowanej ścianie. Tworzenie obrazu zajęło kilka godzin.

Innym znanym ekspertem w tej dziedzinie jest Cynthia Greig, artystka i fotografka mieszkająca w Detroit. W swoich obrazach przedstawia zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego, maluje je białą farbą i węglem, by stworzyć iluzję płaskości.

Cień jest zjawiskiem naturalnym i trudno powiedzieć, kiedy ludzie decydowali się na jego wykorzystanie do tworzenia dzieł sztuki, ale współcześni specjaliści wiele osiągnęli w tej dziedzinie. Ustawiali obiekty w taki sposób, aby cień tworzył obrazy ludzi, różne miejsca i słowa. Znani profesjonaliści to Kumi Yamashita i Fred Eerdekens. Cienie często kojarzą się z czymś złowieszczym, a wielu artystów, w tym Tim Noble i Sue Webster, wykorzystuje je do stworzenia iluzji strachu w swoich pracach. Wśród ich prac jest instalacja „Brudny biały śmieć”, w której za pomocą stosu śmieci stworzyli cienie osoby palącej i pijącej. W innej instalacji cień tworzy obraz kruka, który „je obiad” z głowami noszonymi na colach. Rashad Alakbarov używa jasnego, kolorowego szkła i tworzy absolutnie niemroczne cienie na pustych ścianach.

Technika odwróconego graffiti jest dokładnie odwrotnością do malowania na brudach na samochodach - w tym przypadku brud trzeba usunąć podczas tworzenia obrazu. Artyści używają myjni samochodowych do zmywania płytki spalin ze ścian, tworząc piękne obrazy lub wzory. Założycielem tego nurtu jest Paul Curtis „Elk”. Podobny pomysł przyszedł mu do głowy, gdy pracował w restauracji jako zmywarka i widział ściany zadymione dymem papierosowym.

Ben Log, brytyjski artysta, który opowiada się za mniej technologicznym podejściem do odwracania graffiti niż Curtis. Tymczasowe obrazy tworzone przez Longa tylko palcem na szybie samochodu są dość trwałe i mogą trwać do 6 miesięcy, jeśli nie zostaną zmyte przez deszcz lub nie interweniuje nieszczęśliwy. O dziwo, stosunek do nowego rodzaju graffiti jest inny. Policja kilkakrotnie zatrzymywała Paula Curtisa za „pisanie kijem w piasku”, jak mówi sam artysta.

2. Iluzje sztuki ciała

Nie zaskoczysz nikogo rysunkami na ciele dzisiaj, a także w przeszłości, ponieważ plemiona Majów, Egipcjanie itp. Byli pierwszymi w tej sztuce. Dziś przeżywa nową rundę rozwoju. Iluzja sztuki ciała polega na trójwymiarowym obrazie 3D, który wygląda dość realistycznie - od ludzi namalowanych jak zwierzęta po realistyczne dziury w ramionach.
Hikaru Cho, znany japoński artysta body art, specjalizuje się w kreskówkach. Artyści Johannes Stötter i Trine Merry specjalizują się w kamuflażu.

W 1935 roku metoda ta przeniosła się do świata sztuki dzięki artyście Maine Rayowi, który filmował za pomocą kamery swój ruch w otoczeniu świateł. Na początku nikt nie przywiązywał dużej wagi do loków światła na zdjęciach, ale w 2009 roku okazało się, że jest to lustrzane odbicie podpisu artysty. Zwolennicy Maine, artyści Gyon Mil Henri Matisse, Barbara Morgan, Jack Delano, a nawet Pablo Picasso próbowali swoich sił w fotografii w swoich czasach. Współcześni artyści Michael Bosanco, Trevor Williams i Iana Leonardo również zafascynowali się czymś ściśle związanym z nauką.

Z Masterweb

11.06.2018 20:00

Mówiąc najprościej, sztuka to zdolność człowieka do wcielenia czegoś pięknego w rzeczywistość i czerpania estetycznej przyjemności z takich przedmiotów. Może to być również jeden ze sposobów poznania, zwany mistrzostwem, ale jedno jest pewne: bez sztuki nasz świat byłby mdły, nudny i mało ekscytujący.

Przystanek terminologiczny

Sztuka w najszerszym znaczeniu to rzemiosło, którego wyroby dostarczają estetycznej przyjemności. Według zapisów w Encyklopedii Britannica głównym kryterium sztuki jest umiejętność rezonowania z innymi. Z kolei Wielka Encyklopedia Radziecka mówi, że sztuka jest jedną z form świadomości społecznej, która jest głównym składnikiem kultury ludzkiej.

Kto mówi cokolwiek, ale debata wokół pojęcia „sztuka” toczy się bardzo długo. Na przykład w epoce romantyzmu sztukę uważano za cechę ludzkiego umysłu. Oznacza to, że rozumieli ten termin w taki sam sposób, jak religia i nauka.

Specjalne rzemiosło

W pierwszym i najbardziej rozpowszechnionym znaczeniu pojęcie sztuki zostało rozszyfrowane jako „rzemiosło” lub „komponowanie” (jest to również tworzenie). Mówiąc najprościej, wszystko, co zostało stworzone przez człowieka w procesie wymyślania i rozumienia określonej kompozycji, można nazwać sztuką.

Aż do XIX wieku sztuka była zdolnością artysty lub piosenkarza do wyrażania swojego talentu, porywania publiczności i sprawiania, by czuli.

Pojęcie „sztuki” może znaleźć zastosowanie w różnych sferach działalności człowieka:

proces wyrażania talentu wokalnego, choreograficznego lub aktorskiego;
dzieła, przedmioty fizyczne stworzone przez mistrzów ich rzemiosła;
proces konsumpcji dzieł sztuki przez odbiorców.

Podsumowując, można powiedzieć: sztuka jest rodzajem podsystemu duchowej sfery życia, która jest twórczym odtwarzaniem rzeczywistości w obrazy artystyczne... To wyjątkowa umiejętność, którą publiczność może podziwiać.

Trochę historii

W kulturze światowej ludzie zaczęli mówić o sztuce w czasach starożytnych. Sztuka prymitywna (czyli sztuka piękna, to też malarstwo naskalne) pojawiła się wraz z człowiekiem w epoce środkowego paleolitu. Pierwsze obiekty, które można utożsamiać ze sztuką jako taką, pojawiły się w okresie górnego paleolitu. Najstarsze dzieła sztuki, takie jak naszyjniki z muszelek, pochodzą z 75 000 pne.

W epoce kamiennej prymitywne rytuały, muzyka, tańce, ozdoby nazywano sztuką. Ogólnie sztuka współczesna wywodzi się ze starożytnych rytuałów, tradycji, gier, które były uwarunkowane mitologicznymi i magicznymi ideami i wierzeniami.

Od człowieka pierwotnego

W sztuce światowej zwyczajowo wyróżnia się kilka epok jej rozwoju. Każdy z nich pożyczył coś od swoich przodków, dodał coś własnego i zostawił potomkom. Od stulecia sztuka nabierała coraz bardziej złożonej formy.

Sztuka prymitywnego społeczeństwa składała się z muzyki, pieśni, rytuałów, tańców i obrazów, które były stosowane na skórach zwierząt, ziemi i innych przedmiotach naturalnych. W starożytności sztuka przybrała bardziej złożoną formę. Rozwinęła się w cywilizacji egipskiej, mezopotamskiej, perskiej, indyjskiej, chińskiej i innych. Każde z tych ośrodków ma swój niepowtarzalny styl artystyczny, który przetrwał ponad tysiąclecie i do dziś ma wpływ na kulturę. Nawiasem mówiąc, starożytni greccy artyści byli uważani za najlepszych (nawet lepszych od współczesnych mistrzów) w przedstawianiu ludzkiego ciała. Tylko im udało się w niesamowity sposób dokładnie zobrazować mięśnie, postawę, dobrać odpowiednie proporcje i przekazać naturalne piękno natury.

Średniowiecze

W średniowieczu religie miały znaczący wpływ na rozwój sztuki. Dotyczy to zwłaszcza Europy. Sztuka gotycka i bizantyjska opierała się na prawdach duchowych i przedmiotach biblijnych. W tym czasie na Wschodzie iw krajach islamu wierzono, że rysowanie osoby to nic innego jak stworzenie bożka, co było zabronione. Dlatego była architektura, ozdoby w sztukach wizualnych, ale nie było człowieka. Rozwijała się kaligrafia i biżuteria. W Indiach i Tybecie taniec religijny był główną sztuką, a następnie rzeźba.

W Chinach kwitła różnorodna sztuka, która nie ulegała wpływom ani presji żadnej religii. Każda epoka miała swoich mistrzów, każdy z nich miał swój własny styl, który doskonalili. Dlatego każde dzieło nosi nazwę epoki, w której zostało stworzone. Na przykład wazon Ming lub obraz Tang. Sytuacja w Japonii jest taka sama jak w Chinach. Rozwój kultury i sztuki w tych krajach był dość charakterystyczny.

renesans

W okresie renesansu sztuka ponownie powraca do wartości materialnych i humanizmu. Postacie ludzkie nabierają utraconej cielesności, w przestrzeni pojawia się perspektywa, a artyści starają się oddać fizyczną i racjonalną pewność.

W epoce romantyzmu emocje pojawiają się w sztuce. Mistrzowie starają się pokazać indywidualność człowieka i głębię doświadczenia. Zaczęło się pojawiać wiele stylów artystycznych, takich jak akademizm, symbolizm, fowizm itp. To prawda, że \u200b\u200bich wiek był krótki, a dawne kierunki, pobudzone grozą przeżywanych wojen, można powiedzieć, ożyły z popiołów.

Ku nowoczesności

W XX wieku mistrzowie poszukiwali nowych możliwości wizualnych i standardów piękna. W związku z postępującą globalizacją kultury zaczęły się przenikać i wzajemnie na siebie wpływać. Na przykład impresjoniści inspirowali się japońskimi rycinami, a sztuki piękne Indii wywarły ogromny wpływ na twórczość Picassa. W drugiej połowie XX wieku na rozwój różnych dziedzin sztuki wpłynął modernizm, z jego nieugiętym idealistycznym poszukiwaniem prawdy i sztywnymi normami. Kropka sztuka współczesna przyszedł, gdy zdecydowano, że wartości są względne.

Funkcje i właściwości

Przez cały czas teoretycy historii sztuki i kulturoznawstwa mówili to o sztuce, jak o każdej innej zjawisko społecznecharakterystyczne są różne funkcje i właściwości. Wszystkie funkcje sztuki są umownie podzielone na motywowane i niemotywowane.

Funkcje niemotywowane to właściwości, które są integralną częścią ludzkiej natury. Mówiąc najprościej, sztuka jest czymś, do czego człowiek kieruje się instynktem, a to wykracza poza to, co praktyczne i użyteczne. Te funkcje obejmują:

Podstawowy instynkt harmonii, rytmu i równowagi. Tutaj sztuka przejawia się nie w materialnej formie, ale w zmysłowym, wewnętrznym dążeniu do harmonii i piękna.
Poczucie tajemnicy. Uważa się, że sztuka jest jednym ze sposobów odczuwania związku ze wszechświatem. To uczucie pojawia się nieoczekiwanie podczas kontemplacji obrazów, słuchania muzyki itp.
Wyobraźnia. Dzięki sztuce człowiek może bez ograniczeń zastosować wyobraźnię.
Adresowanie wielu. Sztuka pozwala twórcy przemówić do całego świata.
Rytuały i symbole. Niektóre współczesne kultury mają żywe rytuały, tańce i przedstawienia. To swego rodzaju symbole, a czasem tylko sposoby na urozmaicenie wydarzenia. Same w sobie nie dążą do żadnego celu, ale antropolodzy widzą w każdym ruchu sens tkwiący w rozwoju kultury narodowej.

Zmotywowane funkcje

Zmotywowane funkcje sztuki to cele, które twórca świadomie stawia sobie, przystępując do tworzenia dzieła sztuki.

W tym przypadku sztuką może być:

Środek komunikacji. W swojej najprostszej formie sztuka jest sposobem komunikacji między ludźmi, za pośrednictwem którego można przekazywać informacje.
Zabawa. Sztuka potrafi stworzyć odpowiedni nastrój, pomaga się zrelaksować i odwrócić od problemów.
Ze względu na zmianę. Na początku XX wieku powstało wiele dzieł, które zapoczątkowały zmiany polityczne.
Do psychoterapii. Psychologowie często wykorzystują sztukę do celów leczniczych. Technika oparta na analizie wzorca pozwala na dokładniejszą diagnozę.
Ze względu na protest. Sztuka była często używana do protestowania przeciwko czemuś lub komuś.
Propaganda. Sztuka może być również sposobem szerzenia propagandy, dzięki której można subtelnie wpływać na kształtowanie nowych gustów i nastrojów w odbiorcach.

Jak widać z funkcji, sztuka odgrywa ważną rolę w życiu społeczeństwa, wpływając na wszystkie sfery życia ludzkiego.

Rodzaje i formy

Początkowo sztukę uważano za niepodzielną, to znaczy za ogólny kompleks twórczości. Dla człowieka prymitywnego nie było osobnych przykładów sztuki, takich jak teatr, muzyka czy literatura. Wszystko zostało połączone w jedno. Dopiero po pewnym czasie zaczęły pojawiać się różne rodzaje sztuki. To nazwa historycznie utrwalonych form artystycznego odzwierciedlenia świata, które służą do tworzenia różnych środków.

W zależności od zastosowanych środków wyróżnia się takie formy sztuki:

Literatura. Używa pisma werbalnego do tworzenia sztuki. Wyróżnia się tu trzy główne typy - dramat, epos i teksty.
Muzyka. Dzieli się na wokalną i instrumentalną, do tworzenia przykładów sztuki wykorzystuje się środki dźwiękowe.
Taniec. Plastikowe ruchy służą do tworzenia nowych wzorów. Istnieje balet, rytuał, sala balowa, taniec współczesny i ludowy.
Obraz. Za pomocą koloru rzeczywistość jest pokazana na płaszczyźnie.
Architektura. Sztuka przejawia się w przekształcaniu środowiska przestrzennego za pomocą struktur i budynków.
Rzeźba. Reprezentuje dzieła sztuki, które mają objętość i trójwymiarowy kształt.
Sztuka użytkowa i użytkowa. Ta forma jest bezpośrednio związana z potrzebami użytkowymi, są to przedmioty artystyczne, które można wykorzystać w życiu codziennym. Na przykład malowane naczynia, meble itp.
Teatr. Za pomocą aktorstwa na scenie rozgrywa się akcja sceniczna o określonej tematyce i postaci.
Cyrk. Rodzaj spektakularnej i zabawnej akcji z zabawnymi, niezwykłymi i ryzykownymi liczbami.
Film. Można powiedzieć, że to ewolucja akcji teatralnej, kiedy wciąż używane są nowoczesne środki audiowizualne.
Zdjęcie. Polega na utrwalaniu obrazów wizualnych środkami technicznymi.

Do wymienionych form można również dodać takie gatunki sztuki jak pop-art, grafika, radio itp.

Rola sztuki w życiu człowieka

Dziwne, ale z jakiegoś powodu uważa się, że sztuka jest przeznaczona tylko dla wyższych warstw ludności, tak zwanej elity. Taka koncepcja jest podobno obca innym ludziom.

Sztuka jest zwykle utożsamiana z bogactwem, wpływami i władzą. Przecież właśnie takich ludzi stać na zakup rzeczy pięknych, nieprzyzwoicie drogich i absurdalnie bezużytecznych. Weźmy na przykład Ermitaż lub Pałac Wersalski, w których zachowały się bogate zbiory monarchów z przeszłości. Dziś rządy, niektóre organizacje prywatne i bardzo zamożni ludzie mogą sobie pozwolić na takie zbiory.

Czasami można odnieść wrażenie, że główną rolą sztuki w życiu człowieka jest pokazanie innym swojego statusu społecznego. W wielu kulturach drogie i eleganckie rzeczy pokazują pozycję danej osoby w społeczeństwie. Z drugiej strony dwa wieki temu próbowano uczynić sztukę wysoką bardziej dostępną dla szerokiej publiczności. Na przykład w 1793 roku Luwr został otwarty dla wszystkich (do tego czasu był własnością królów francuskich). Z biegiem czasu pomysł ten został podjęty w Rosji (Galeria Trietiakowska), USA (Muzeum Metropolitan) i innych krajach europejskich. Mimo to ludzie, którzy mają własną kolekcję dzieł sztuki, zawsze będą uważani za bardziej wpływowych.

Syntetyczne lub prawdziwe

We współczesnym świecie istnieje wiele różnorodnych dzieł sztuki. Przyjmują różne typy, formy, sposoby tworzenia. Jedyne, co pozostało niezmienione, to sztuka ludowa w jej pierwotnej formie.

Dziś nawet prosty pomysł jest uważany za sztukę. To dzięki pomysłom, opinii publicznej i krytycznym recenzjom takie prace jak Black Square, serwis do herbaty obszyty naturalnym futrem czy fotografia Renu, która została sprzedana za 4 miliony dolarów, odnoszą sukcesy. Trudno nazwać te i podobne przedmioty prawdziwą sztuką.

Więc czym jest prawdziwa sztuka? Ogólnie rzecz biorąc, są to prace, które skłaniają do myślenia, zadawania pytań, szukania odpowiedzi. Prawdziwa sztuka przyciąga, chcę zdobyć ten przedmiot za wszelką cenę. Nawet w literaturze rosyjscy klasycy pisali o tej atrakcyjnej sile. Tak więc w opowiadaniu Gogola „Portret” bohatera ostatnie oszczędności wydaje na zakup portretu.

Prawdziwa sztuka zawsze czyni człowieka milszym, silniejszym i mądrzejszym. Posiadając bezcenną wiedzę i doświadczenie gromadzone przez wiele pokoleń, a teraz dostępne w akceptowalnej formie do postrzegania, człowiek ma możliwość rozwoju i doskonalenia się.

Prawdziwa sztuka jest zawsze wykonywana z serca. Nieważne, co to będzie - książka, obraz, muzyka, przedstawienie. Widz poczuje. Na pewno poczuje to, co chciał przekazać twórca. Poczuj jego emocje, zrozum jego myśli, idź z nim w poszukiwaniu odpowiedzi. Prawdziwa sztuka to niesłyszalna rozmowa autora z osobą, po której słuchacz / czytelnik / widz już nie będzie taki sam. Tym jest prawdziwa sztuka. Prawdziwie skoncentrowany pakiet uczuć. Jak napisał Puszkin, powinien palić serca ludzi i bez względu na wszystko - czasownik, pędzel lub instrument muzyczny... Taka sztuka powinna służyć ludziom i inspirować do zmian, bawić w smutku, budzić nadzieję, zwłaszcza gdy wydaje się, że nie ma wyjścia. Tylko tak nie może być inaczej.

Dziś istnieje wiele dziwnych, czasem wręcz absurdalnych przedmiotów, które nazywane są dziełami sztuki. Ale jeśli nie potrafią „złapać żywych”, to nie mogą a priori odnieść się do sztuki.

Ulica Kijowska, 16 0016 Armenia, Erywań +374 11 233255

Oparty na twórczej reprodukcji otaczającego świata na artystycznych obrazach. Ponadto sztuka w szerokim znaczeniu może oznaczać najwyższy poziom umiejętności w dowolnej dziedzinie działalności, nawet niezwiązanej bezpośrednio z kreatywnością (np. W gotowaniu, budownictwie, sztukach walki, sporcie itp.).

Obiekt (lub przedmiot) sztuka jest światem w ogóle, a człowiekiem w szczególności, a forma egzystencji jest dziełem sztuki w wyniku twórczości. Dzieło sztuki - najwyższa forma będąca wynikiem kreatywności.

Cele sztuki:

dystrybucja korzyści duchowych;
autoekspresja autora.

Funkcje sztuki.

Poznawczy... Sztuka jest źródłem informacji o świecie lub człowieku.
Edukacyjny ... Sztuka wpływa na moralny i ideologiczny rozwój jednostki.
Estetyczny... Odzwierciedla duchową potrzebę harmonii i piękna. Tworzy pojęcie piękna.
Hedonistyczny... Bliski funkcji estetycznej, ale nie tworzy pojęcia estetyki, ale daje możliwość przyjemności estetycznej.
Proroczy... Funkcja przewidywania przyszłości.
Wyrównawczy... Służy do przywrócenia równowagi psychicznej; często używany przez psychologów i psychoterapeutów (fani spektaklu „Dom-2” oglądając go rekompensują brak własnego życia osobistego i emocji, choć nie przypisywałbym tego pokazu sztuce).
Społeczny... Może po prostu zapewnić komunikację między ludźmi (komunikatywna) lub może coś wzywać (propaganda).
Zabawny (na przykład kultura popularna).

Rodzaje sztuki.

Rodzaje sztukiróżne - wszystko zależy od kryterium ich klasyfikacji. Ogólnie przyjęta klasyfikacja uwzględnia trzy rodzaje sztuki.

sztuka:
- statyczne (rzeźba, malarstwo, fotografia, dekoracje itp.);
- dynamiczne (na przykład nieme filmy, pantomima).

Ekspresyjna sztuka (lub bez ilustracji):
- statyczne (architektura i literatura);
- dynamiczny (muzyka, taniec, choreografia).
Spektakularna sztuka (teatr, kino, opera, cyrk).

W zależności od stopnia zastosowania w życiu codziennym sztuka może być:

stosowane (sztuka i rzemiosło);
wdzięczny (muzyka).

Do czasu stworzenia:

tradycyjny (rzeźba, literatura);
nowy (kino, telewizja, fotografia).

Stosunek czasowo-przestrzenny:

przestrzenne (architektura);
tymczasowy (muzyka);
czasoprzestrzenne (kino, teatr).

Według liczby użytych komponentów:

proste (muzyka, rzeźba);
złożony (jest też syntetyczny: kino, teatr).

Klasyfikacji jest wiele, a definicja i rola sztuki to wciąż powód do nieustannych sporów i dyskusji. Najważniejsze jest inne. Sztuka może zniszczyć ludzką psychikę lub uzdrowić, zbezcześcić lub wychować, uciskać lub nadać impuls rozwojowi. Zadaniem społeczności ludzkiej jest rozwijanie i wspieranie właśnie „lekkich” form sztuki.

Wyświetlenia