Tworzenie dzieł sztuki ludowej. Sztuka ludowa

SZTUKA JEDZENIA

Oryginalny tekst rosyjski © L.A. Kuznetsova

LA. KUZNETSOVA, Kandydat Nauk Pedagogicznych, Docent w Katedrze Dekoracji sztuka użytkowa i grafiki technicznej Oryol State University

Tel. 89065717982

SZTUKA LUDOWA

Artykuł przybliża historię studiów nad ludową sztuką zdobniczą, jej rolę w kształtowaniu się i kształtowaniu artystycznych, estetycznych skłonności studentów. Artykuł dotyczy rzemiosła ludowego, ich roli w wychowaniu młodego pokolenia. Poruszona zostaje kwestia roli kolektywu w procesie tworzenia przedmiotów dekoracyjnych przez mistrzów ludowej sztuki użytkowej, ujawnia się rola dziedzictwa sztuki zdobniczej i użytkowej dla współczesnych artystów.

Słowa kluczowe: sztuka ludowa, rzemiosło artystyczne, rękodzieło artystyczne, mistrz ludowy, kultura ludowa.

„... Sztuka ludowa to przeszłość, życie w teraźniejszości, spojrzenie w przyszłość ze swoim marzeniem o tym, co bezprecedensowe. Tworzy własny świat piękna, żyje według swojego ideału Dobra i Sprawiedliwości i rozwija się zgodnie ze swoimi nieodłącznymi prawami. Na tym polega pamięć kulturowa ludzi, nieodłączna od najgłębszych aspiracji naszych czasów ”1.

Studium sztuki ludowej rozpoczęło się na przełomie XIX i XX wieku. Dzieła krytyków sztuki A.V. Bakushinsky, V.S. Voronova. Znaczący wkład wniosły prace A.B. Saltykov, V.M. Wasilenko (lata 50., 70. XX wieku). I JA. Boguslavskaya, T.M. Razin, A.K. Czechow w swoich pismach ujawnił różne aspekty sztuki ludowej. Badania przeprowadzone przez M.A. Nekrasovej w jej pracach na poziomie metodologicznym określa się rolę sztuki ludowej w kulturze, ujawnia się prawa jej rozwoju, ujawnia się system pojęć związanych ze specyfiką sztuki ludowej jako szczególnego rodzaju twórczości artystycznej.

Badania naukowe nad sztuką ludową stały się dziś częścią teorii sztuki. Formowała się nauka o sztuce ludowej, która stopniowo wyłaniała się z kontekstu problematyki kultury, etnografii, życia materialnego, historii sztuki. Praca, jaką wykonali i wykonują badacze sztuki ludowej, jest ważna nie tylko jako metoda rozwiązywania problemów naukowych. Studia nad kulturą ludową w XVIII wieku były ściśle związane z umacnianiem się państwa. Uzyskane w wyniku wypraw pod koniec XVIII wieku materiały etnograficzne stały się podstawą kolejnych metod poznawania sztuki ludowej. Początek XIX wieku upłynął pod znakiem konfrontacji „okcydentalistów” i „słowianofilów”, której dyskusja przyczyniła się do powstania wszechstronnych wyobrażeń o kulturze popularnej. W połowie XIX wieku etnografia powstała jako nauka. Otrzymuje oficjalne uznanie, a nowo utworzone Rosyjskie Towarzystwo Geograficzne (1845) po raz pierwszy jasno ogłasza swoje główne postanowienia. W przedreformatorskich latach pięćdziesiątych i po reformach 60-70 XIX wieku nastąpiły zmiany ustrojowe, które spowodowały wielkie zmiany w społeczeństwie rosyjskim. Zagadnienia dotyczące sztuki ludowej

towarzystwo Sztuki Starożytnej i Towarzystwo Archeologiczne w Moskwie i Petersburgu rozpoczynają studia. W tym okresie tacy naukowcy jak V.I. Dal, P.A. Bessonov, P.I. Yakushkin i inni.

Połowa XIX - początek XX wieku charakteryzuje się pojawieniem się idei dotyczących treści i wysokiej wartości kultury ludowej. Duże znaczenie ma ekonomiczne zainteresowanie rzemiosłem. Problem figuratywności pojawia się wraz ze zrozumieniem społecznej różnorodności sztuki rosyjskiej. Pierwsze doświadczenia z systematycznym badaniem rzemiosła chłopskiego sięgają wczesnych lat 50. XX wieku. Na zlecenie Ministerstwa Mienia Państwowego powołano specjalne komisje, którym powierzono najpełniejszy zbiór informacji o rzemiośle chłopskim i rzemieślniczym. W tym okresie V.S. Voronov, A.I. Niekrasow, A.V. Bakushinsky, N. Shcheko-towarzysz. Szczególne znaczenie dla zrozumienia specyfiki obrazu artystycznego w sztuce ludowej mają V.S. Gorodtsov (1926), które kontynuował L.A. Dinces (1951), V. Ya. Propp (1963). Badania tych uczonych ujawniły znaczenie semantyki dla historii sztuki. Gdy podstawa semantyczna, podstawa rytualna i rytmiczna, znaczenie ozdobnych kompozycji obrazu artystycznego są wyraźne, ujawnia się jaśniej i pełniej.

Sztuka ludowa jest interesująca nie tylko z artystycznego punktu widzenia, ale również z historycznego, etnograficznego, socjologicznego i naukowego punktu widzenia. Znajomość genezy sztuki ludowej, jej charakteru artystycznego i wartości duchowych powinna stać się integralną częścią kultury duchowej studenta studiującego na kierunku plastyka. Sztuka ludowa pozwala im kultywować w nich określoną kulturę postrzegania świata materialnego, rozwijać cechy twórcze człowieka, dbać o gotowość do dziedziczenia wartości duchowych sztuki ludowej, być gotowym do prowadzenia dialogu między kulturami różnych epok i narodami świata.

Sztuka ludowa, kultura, nieustanne tworzenie, dawanie doświadczenia, mądrości kulturze profesjonalnych artystów, pomaga im pokazać umiejętność uspokojenia się, odczuwania świata. Syntezę przyrody i folku można określić jako główne źródło doznań estetycznych w sztuce rosyjskiej. Świat sztuki ludowej to świat integralnej osoby. Rośnie, rozwija się w środowisku naturalnym. Człowiek, korzystając z dobrodziejstw natury, uzyskanych dzięki pracy

na ziemi czuje się jak w naturze. Tym samym twórca ludowy szczególnie czuje zaangażowanie w kulturę swojej ojczyzny, zachowując w swojej twórczości uniwersalną skalę. Artysta, który zwraca się ku sztuce ludowej, poznaje świat poprzez poznanie siebie. Zaangażowanie w całość tworzy w każdej kulturze własny narodowy obraz świata, własne obrazy, typy. Istotą popularnego ideału zawsze było przeciwstawienie dobra - zła, piękna i porządku - światowemu chaosowi, przemieniając siły twórczości - rozkład, śmierć, wieczność - skończenie, czasowość.

Folk to najczęściej jego forma dekoracyjna, graficzna i użytkowa, która kojarzy się z artykułami gospodarstwa domowego, architekturą ludową. Inne rodzaje sztuki ludowej mają swoje nazwy, na przykład: folklor, taniec ludowy, twórczość ustna, baśń i inna sztuka ludowa jako zjawisko społeczne sięga światopoglądu z przedchrześcijańskiego, a nawet przedpogańskiego okresu rozwoju społeczeństwa. Po przyjęciu chrześcijaństwa przez Rosję sztuka ludowa przejęła wiele z kultury grecko-bizantyjskiej.

Sztuka ludowa jako historyczno-artystyczna forma przeżycia kończy się w latach 20. i 30. XX wieku. Teraz rosyjska sztuka ludowa pozostaje tylko źródłem naszych wyobrażeń o historii światopoglądu. Zmiana świadomości ludowej w pierwszej trzeciej XX wieku wiązała się z reorganizacją społeczną, kiedy to wartości chłopstwa i rzemiosła zostały zepchnięte na dalszy plan przez rozwój społeczeństwa przemysłowego. Ale sztuka ludowa do dziś ma ogromne znaczenie, wynika to z jej różnorodnych funkcji. Jednym z najważniejszych jest doświadczenie estetyczne, na które mimo nowych realiów wciąż istnieje zapotrzebowanie. Cechy są w nim ściśle ze sobą powiązane forma sztuki, pojęcie narodowej podstawy ideologicznej. Wszystko to jest wygodnym materiałem do programów edukacyjnych, w których figuratywny charakter wiedzy wiąże się z doświadczeniem technologicznym, technikami i metodami zmysłowego i wrażliwego doświadczenia tkwiącego w sztukach wizualnych i dekoracyjnych. W humanizacji edukacji zwrócenie się ku sztuce ludowej pozwoli ukształtować ogólną inteligencję kulturową jednostki, zbliżyć ją do natury jako początku duszy ludzkiej.

Sztuka ludowa wyrażała holistyczny światopogląd, światopogląd narodu rosyjskiego. Najważniejsze w tym nie było chwilowe, polegało na wiecznym, generale, który określał związek czasu

ja i na każdym jego etapie rozwoju tworzyłem coś własnego, nowego. Pomimo różnorodności przejawów rosyjska sztuka ludowa wyróżnia się wielką miłością do form naturalnych. Sztuka ludowa, jak każde rzemiosło ludowe, jest wynikiem twórczej pracy kolektywu, nieustannie doskonalącej i doskonalącej kulturę rzemiosła oraz język artystyczny. Opatrzność nie tylko jednoczy ludzi wspólną sprawą, ale także kieruje twórczą działalność różnych osób do jednego celu. Głęboka wspólnotowość życia na wsi wywarła ogromny wpływ na całą kulturę ludową. W sztuce ludowej nadaje obrazowi uniwersalną skalę i stanowi samą istotę twórczości, jej duchowe i moralne podstawy, zasady zbiorowości, na których rodzi się i kształtuje sztuka w rzemiośle ludowym.

Wartość pedagogiczna poznania sztuki ludowej oraz zdobniczej i użytkowej polega na tym, że dzieła tego rodzaju sztuki pozwalają przywołać pewną kulturę postrzegania świata materialnego, przyczyniają się do kształtowania estetycznego stosunku do rzeczywistości, pomagają lepiej zrozumieć artystyczne i ekspresyjne oblicza otoczenia. Na podstawie wiedzy o sztuce ludowej opracowywane są narodowe regionalne programy odrodzenia rzemiosła narodów Rosji. Programy edukacyjne, w których wprowadzono materiały sztuki ludowej, dano możliwość nawiązania do korzeni dziedzictwa historyczno-artystycznego, które wyznacza szeroki kontekst społeczny sztuki ludowej.

Obiektywny świat wokół nas zmienia się bardzo szybko. Konieczne jest praktycznie takie ukierunkowanie skłonności artystycznych studentów, aby pomagały im one w organizowaniu ich domów, doborze ubioru oraz ujawnianiu estetycznego znaczenia dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej dawnych i współczesnych. Zapoznanie studentów z malarstwem dekoracyjnym, zwłaszcza w twórczości artystów ludowych, przyczynia się do kształtowania ich estetycznego stosunku do rzeczywistości. Początki dekoracyjnej ekspresji, sztuki dekoracyjnej - w zdolności mistrzów do estetycznego pojmowania natury. Wartość dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej dla kształtowania artystycznego gustu wynika również z faktu, że wyraziste środki innych rodzajów sztuk pięknych są w nich specjalnie załamane.

sztuka - malarstwo, grafika, rzeźba, architektura. Na przykład w rosyjskich lakierach artystycznych zachowane są takie techniki malarskie, jak podmalowanie, szklenie, nadając kolorystyce wyjątkową dźwięczność i wyrazistość. W innych dziedzinach sztuki i rzemiosłach - ceramice, artystycznej obróbce drewna, kamienia, kości, rogu - dominują walory rzeźbiarskie. W twórczości twórców ludowych można dostrzec głębokie zrozumienie organicznego związku estetycznego postrzegania formy przedmiotu z jego funkcjonalnym przeznaczeniem. Proces uogólniania twórczości dekoracyjnej, tworzenie formy jest nierozerwalnie związane z identyfikacją właściwości materiału. Materiał dyktuje własne warunki. Rozważmy gwizdek ludowej zabawki. Zabawka oparta jest na dekoracyjnym wizerunku ptaka, ale jak inaczej jest interpretowana w glinie i drewnie. Robienie glinianych gwizdków zakłada miękkość, plastyczność gliny, zdolność do ujawniania na różne sposoby faktury, błyszczącą pod glazurą i matową, szorstką w prostym malowaniu. Kształt rzeźbionej drewnianej zabawki ma ścisłe linie, objętość zabawki jest tworzona na zasadzie obrotu z powierzchnią drzewa, gładka do połysku. Różne formy gwizdków nie tylko ze względu na odmienność materiału wykonania, wszystkie gliniane zabawki różnią się kształtem, charakterem i wyrazistością. Ten sam materiał zachowuje się inaczej w rękach różnych mistrzów zabawek Dymkovo, Filimonov, Kargopol, Pleshkovo. Na przykładzie starych mistrzów współcześni mistrzowie uczą się rozumieć dekoracyjny charakter materiału: teksturę, kolor, fakturę.

Trudno wyobrazić sobie przedmioty sztuki dekoracyjnej i użytkowej bez wzoru. Z biegiem czasu narodziła się niesamowita harmonia treści i formy, ornamentu i środków jej ucieleśnienia, która do dziś zachwyca każdym wytworem sztuki ludowej. Przykładowe kompozycje zdobnicze wykonane przez rzemieślników ludowych z różnych materiałów, z wykorzystaniem różnych technologii obróbki kształtu przedmiotu, pozwalają w prosty i zrozumiały sposób zapoznać uczniów z jednością estetyki i funkcjonalności w tworzeniu rzeczy artystycznej, uwydatnić techniki dekoracyjnego uogólnienia, pokazać, że wszystko jest stworzone dla człowieka i dla życia w bliskim związku z otaczającymi rzeczami.

Sztuka ludowa pokazuje nam przykład prawdziwej potęgi artystycznej, jaką tworzy kolektyw ludowy, jest genialna, wciąż żyje i się rozwija.

PEDAGOGIA I PSYCHOLOGIA

Lista bibliograficzna

1. Boguslavskaya I. Ya. Problemy tradycji w sztuce współczesnego rzemiosła artystycznego // Twórcze problemy współczesnego rzemiosła ludowego. - L., 1981.

2. Vasilenko V.M. Rosyjska sztuka użytkowa. - M., 1977.

3. Kaplan N., Mitlyavskaya T. Ludowe rzemiosło artystyczne. - M., 1980.

4. Koshaev VB Kwestie kształtowania się pojęć w nauce o sztuce ludowej. - Iżewsk, 1998.

5. Nekrasova M.A. Sztuka ludowa Rosji // Sztuka ludowa jako świat integralności. - M., 1983.

6. Popova O., Kaplan, N. Rosyjskie rzemiosło artystyczne. - M., 1984.

7. Rondeli L. Sztuka i rzemiosło ludowe. - M., 1984.

W artykule przedstawiono historię badań ludowej sztuki zdobniczej, jej rolę w rozwoju i kształtowaniu artystycznych i estetycznych skłonności studentów. W artykule omówiono rzemiosło ludowe i jego rolę w wychowaniu młodych pokoleń. Wspomina się o roli kolektywu w tworzeniu wyrobów dekoracyjnych przez mistrzów ludowej sztuki użytkowej. W artykule ujawniono rolę dziedzictwa rzemiosła artystycznego dla współczesnych artystów.

Słowa kluczowe: sztuka ludowa, rzemiosło artystyczne, rzemiosło artystyczne, mistrz ludowy, kultura ludowa.

„Kultura-natura-człowieka”

„Poziom kultury epoki,

jak również osoba fizyczna,

zależy od postawy

do przeszłości. "

A. S. Puszkin

Sztuka ludowa to przeszłość w teraźniejszości. Żywa tradycja, która niezmiennie zachowuje ciąg ciągłości pokoleń, narodów, epok. Stulecie podboju kosmosu, postępu naukowego i technicznego oraz kryzysu ekologicznego zepchnęło sztukę ludową na nowy poziom współczesnych problemów.

Przez całą historię ludzkości sztuka ludowa była istotną częścią kultury narodowej i światowej. M. Gorky pisał: „Lud jest nie tylko siłą, która tworzy wszelkie wartości materialne, jest jedynym i niewyczerpanym źródłem wartości duchowych, pierwszym filozofem i poetą w czasie, pięknem i geniuszem twórczości, który stworzył wszystkie wielkie wiersze, wszystkie tragedie ziemi i największe z nich - historia kultury światowej ”1.

Profesjonalni artyści nieustannie zwracają się ku sztuce ludowej, czerpiąc z niej pomysły i inspiracje. Jednak o głębi świadomości tego wezwania decyduje historia, przemiany społeczne i potrzeby duchowe. Duch idei w sztuce ożywia w niej formy ludowe, poetykę ludową, ale za każdym razem w nowy sposób na poziomie ideologicznych i artystycznych aspiracji stulecia.

W związku z tym sama sztuka ludowa podlega innej postawie wobec siebie.

Epoka spadku zainteresowania nią społeczeństwa, kiedy często stawała się „godna pogardy”, zostaje zastąpiona epokami szczególnej uwagi, która zawsze miała swoje historyczne racje i która jest faktem nieustającej żywotności sztuki ludowej. Mając zaciekłych przeciwników, zawsze miał ognistych obrońców.

Stąd problem sztuki ludowej, jej prezentacja przedstawia własną historię. Ale w nim nie tyle naukowy rozwój pojęcia przedmiotu i pytania dotyczące jego teorii, że okazał się on decydujący, ale raczej spojrzenie na to jako część powszechny problem tradycja i innowacja. Utrudniało to ocenę sztuki ludowej z punktu widzenia jej własnych wartości. A jeśli ustny, muzyczny folklor był dziedziną nauk specjalnych folklor wizualnybędąc przedmiotem powszechnej historii sztuki, przez długi czas badano ją metodami wypracowanymi na gruncie sztuki zawodowej, pozostawał bez teorii.

Jej brak stał się dotkliwie odczuwalny przez ostatnie dwie dekady, kiedy nauka i opinia publiczna stanęły przed faktem odrodzenia sztuki ludowej - faktem nieoczekiwanym dla tych, którzy wierzyli, że sztuka ludowa to dawno zmieniona karta przeszłości. Życie pokazało, że sztuka ludowa nie tylko żyje i rozwija się, ale każdego roku potrzeba jej rośnie na całym świecie. Zainteresowanie sztuką ludową gwałtownie rośnie w związku z problemami wsi, obszarów wiejskich w dobie rozwiniętej urbanistyki, w aspekcie ogólnych zagadnień kultury duchowej we współczesnym świecie, ochrony przyrody i środowiska człowieka.

Decydującą linię w stosunku do sztuki ludowej w naszym kraju wytyczył dekret historyczny Komitetu Centralnego KPZR „O sztuce ludowej i rzemiośle” (1974) oraz Konstytucja (Ustawa Zasadnicza) Związku Socjalistycznych Republik Radzieckich (1977). Jednak problemy praktyki artystycznej i studiów naukowych nie doczekały się jeszcze właściwego rozwiązania, a przede wszystkim kwestii teorii.

W uchwale Komitetu Centralnego KPZR czytamy: „Sztuka i rzemiosło ludowe, będące częścią radzieckiej kultury socjalistycznej… aktywnie wpływa na kształtowanie gustów artystycznych, wzbogaca sztukę zawodową i środki wyrazu estetyki przemysłowej”.

Postawiony w ten sposób problem wymaga od badacza połączenia artystycznych, kulturowych, historycznych aspektów studiów nad sztuką ludową, gdyż w kulturze potwierdza się to nie w treści jednostkowo-subiektywnej, ale w treści o wartości duchowej, ukształtowanej przez zasady zbiorowości, gdyż poznawczo w walorach historyczno-duchowych, moralnych i narodowych. -psychologiczny. Dlaczego nie można go ograniczyć tylko do sfery estetycznej, jak nie można go zrozumieć w analizie formalnej, która nie uwzględnia treści i dialektyki rozwoju.

Sztuka ludowa to ogromny świat doświadczenie duchowe ludzie, pomysły artystyczne, które nieustannie zasilają kulturę zawodową i artystyczną.

Jednak przez długi czas błędnie postrzegano ją jako krok na drodze rozwoju na wyższy poziom - sztukę indywidualnych artystów. Twórczość mistrza ludowego, oceniana z tych stanowisk, została sprowadzona do roli dodatku współczesnej sztuki zdobniczej i użytkowej. Sytuacja ta wprowadziła wiele negatywów do działalności rzemiosła ludowego, wytyczyła błędne kierunki rozwoju myśli i praktyki. U podstaw wszystkich błędów leży zastępowanie wartości, które do tej pory nie zostało wyeliminowane. To jest przyczyna wielu bolesnych zjawisk w uprawianiu sztuki ludowej do dziś.

Postrzeganie go jako reliktu przeszłości, podlegającej wszelkiego rodzaju modernizacjom i przeróbkom, utrwaliło się na tyle, że stało się to zwyczajowe nie tylko dla przyjeżdżających tam do pracy rzemieślników, artystów, ale także dla niektórych krytyków sztuki, którzy tę kreskę kreśli na kartach druku. Wyjaśnia to polemiczne intonacje w zestawieniu podstawowych przepisów, w teoretycznym formułowaniu pytań na stronach naszej książki. W toku licznych dyskusji, które do niedawna wypełniały strony pism historii sztuki, należało bronić tego, co w zaprzeczeniu było czasem odrąbane. Znamienne jest, że teraz w dyskusji o losach sztuki ludowej ostatnio dyskutowane pytanie „Czy sztuka ludowa jest możliwa w dobie rewolucji naukowo-technicznej?” zastąpione innym pytaniem: „Czym jest sztuka ludowa?” Teoria jej obumierania znalazła nowy wyraz w proklamowaniu sztuki ludowej na obecnym etapie jako samodzielnej twórczości indywidualnej. Generalnie orzeczenie to łączy sztukę ludową z przeszłością, sprowadza się do trzech poniższych zapisów. Pierwsza to połączenie sztuki ludowej z przemysłem artystycznym. Ze względu na inercję ta postawa jest nadal określana przez niektórych krytyków jako teoretyczna, podczas gdy sztuka ostatniego dziesięciolecia podniosła estetykę rzeczy stworzonych przez człowieka i ogólnie folkloru. Jednocześnie nabiera nowego znaczenia i zainteresowania duchową i wartościową treścią sztuki ludowej, jej tradycją.

Drugi przepis, powtarzany w poszczególnych artykułach, sprowadza się do utożsamiania twórczości w rzemiośle ludowym ze sztuką poszczególnych artystów, zaprzeczając jednocześnie lokalnym cechom tego pierwszego, jakim jest orientacja na tradycję. To nie tylko podważa ciągłość - główną siłę rozwoju, ale także zrywa zbiorowość twórczości, kulturę rzemiosła w rzemiośle.

Trzecia pozycja, o której już wspominaliśmy, utożsamia sztukę ludową z twórczością artystów amatorów. I to w istocie jest również jego zaprzeczeniem.

Niektóre negatywne wskazówki w praktyce odpowiadają trzem wskazanym punktom. Zniwelowanie cech lokalnych doprowadziło do masowej bezimienności twórczej wytworów tworzonych w rzemiośle, zerwania ciągłości kulturowej, do zniszczenia ozdobnego systemu sztuki ludowej. Wymaga to dokładnych badań, choćby po to, by nie powtórzyć błędów z przeszłości.

W rzeczywistości najczęściej dzieje się odwrotnie. W pogoni za wyimaginowanymi nowościami i za aprobatą tych tez władze szukają wzmocnienia w wypowiedziach W.S Woronowa, A.V. Bakuszyńskiego sprzed pięćdziesięciu lat i dawno przestarzałych, często podyktowanych sytuacją w tamtym czasie i niezwiązanych z koncepcją naukową naukowców w ogóle. Bez próby krytycznej refleksji te często przypadkowe stwierdzenia są powtarzane jako początkowe, próbują uchodzić za kontekst teoretyczny, który wcale nie promuje myśli i nie pomaga w praktyce. Dość silne zakorzenienie błędnych opinii można wytłumaczyć faktem, że do lat 60. XX wieku radziecka sztuka zdobnicza była najczęściej reprezentowana przez dzieła rzemiosła ludowego, z którego wywodzi się przemysł artystyczny. To wszystko nauczyło patrzeć na sztukę ludową jako na niezależną formę twórczości, nie dawało możliwości dostrzeżenia jej prawdziwej wartości. Został sztucznie dostosowany do metod indywidualnej twórczości, które były obce jego systemowi.

Oczywiście wszystkie te okoliczności nie dają prawa wierzyć teraz, że sztuka ludowa nie ma miejsca we współczesnej kulturze. Tymczasem taki właśnie wniosek, niekompetentny naukowo, był powszechny od dawna. Nieuzasadniona teoretycznie, dała początek wielu negatywnym tendencjom w sztuce rękodzieła, począwszy od malarstwa sztalugowego w latach 40-50, a skończywszy na zaprzeczeniu zdobnictwa i dekoracyjności w pierwszej połowie lat 60., o czym konkretnie będziemy mówić.

Teraz wszystko zaczyna być przypisywane sztuce ludowej: od szkła i ceramiki przez profesjonalnych artystów po wyroby fabryczne - tkaniny i porcelanę. Pojęcie „sztuki ludowej” nadal pozostaje nie tylko niejasne, ale wręcz nie istnieje w praktyce historii sztuki jako kategoria estetyczna. Jest utożsamiany z pojęciem „własności narodowej” w najszerszym znaczeniu. Często można usłyszeć: „Czy rękodzieło jest sztuką ludową?”, „Czy sztuka ludowa jest potrzebna w dobie postępu technicznego?”, „Czy to nie przeszłość?” I te pytania są omawiane na łamach czasopism, przedstawiane są wszelkiego rodzaju fałszywe teorie, z reguły naukowo nieuzasadnione. Jednak sam fakt, że pojawiają się takie pytania, tłumaczy się tym, że mimo poważnych prac nadal brakuje stanowiska teoretycznego w formułowaniu i rozwiązywaniu problemów współczesnej sztuki ludowej. Wiele z tego, co pisze się o sztuce ludowej, nie ma odpowiedniego poziomu naukowego i często jest determinowane względami oportunistycznymi. W przeciwnym razie nie da się wyjaśnić uderzającej przepaści między wypowiedziami w drukach a rzeczywistością samej praktyki3, między trudnościami, jakie przeżywa sztuka ludowa z jednej strony, az drugiej rosnącym na co dzień zapotrzebowaniem na jej dzieła.

Należy zauważyć, że błędne stanowisko wobec sztuki ludowej utrudnia jej badanie, prowadzi w pracach naukowych do bezproduktywnych arbitralnych wniosków. Wiele pytań jest podnoszonych i rozstrzyganych, jak poprzednio, przez analogię ze sztuką zawodową.

W rzeczywistości sztuka ludowa, w którą nasz kraj jest tak bogaty, jest przedstawiana jako anachronizm i nadal nie jest rozumiana w całości i jako konieczność jako część kultury duchowej. Nierzadko słyszy się lub czyta, że \u200b\u200botoczenie człowieka w świecie technicznym na swój własny sposób nadaje sztuce technikę. Jednocześnie sama osoba nie jest w ogóle brana pod uwagę. Tymczasem standard myślenia w dobie technikizmu, wydawanie „gotowych klocków”, sprowadza je nie tylko na widza wystaw, ale także na człowieka w jego codziennym otoczeniu. A za tym kryje się niebezpieczeństwo technikalizacji samej percepcji, całej struktury uczucia, wizji, która nieuchronnie pożera żywą tkankę sztuki, tłumi jej duchowe lękanie i ostatecznie niszczy człowieczeństwo samego środowiska. A potem nie ma ani naszych, ani cudzych, osobistych ani wspólnych, na cześć których składa się tyle pustych deklaracji.

Na pierwszym miejscu w rozumieniu sztuki nie chodzi o to, co jest przez nią wyrażane, ale o to, jak się to robi; jest to często przedstawiane jako cel sam w sobie. Ale czy warto udowodnić, że nasza epoka, podobnie jak w swoim czasie, wprowadziła do sztuki nowe rytmy, nowe formy, nowe środki, a nawet nowy świat twórczości - estetykę techniczną. To oczywiste i logiczne. Nie determinuje to jednak wewnętrznego celu sztuki, kultury duchowej jako całości. Na głównej drodze ich rozwoju nie może zniknąć zrozumienie prawdy, prawdy, piękna. Czy artysta, jeśli jest artystą, może dostrzec wizualną sekwencję swojego otoczenia, nie martwiąc się o ruch idei, który ekscytuje społeczeństwo? Świadomie lub podświadomie, w taki czy inny sposób odzwierciedla istniejące trendy w światopoglądzie epoki.

Jeśli do niedawna artyści i poeci dążyli do wprowadzenia świata techniki w świat człowieka, a nawet do technice jego obrazu, to dziś, co znamienne, pojawia się inne pragnienie - znaleźć człowieka w samym człowieku i przez to wpłynąć na świat techniczny. To stawia pytanie o wartości i integralność sztuki, a także samej kultury w zupełnie inny sposób. Skłania nas do bliższego i głębszego przyjrzenia się sztuce ludowej, w jej związku z przyrodą i historią, nie tylko w ramach etnosu, ale także w skali planetarnej.

Problem „człowieka i świata”, bez względu na to, w jakim aspekcie można go przyjąć w sztuce, nie może być naturalnie rozwiązany w oderwaniu od ludzkiej istoty, ostatecznie od tego „wyższego celu”, który, zdaniem Kanta, ma w sobie istnienie człowieka. W przeciwnym razie oznaczałoby to zajęcie stanowiska zachodnich pisarzy science fiction, którzy prorokują o przyszłej „planecie małp”.

Jak wiecie, jednym z ostrych problemów współczesnego Zachodu jest alienacja człowieka, utożsamianie go z czymś. Ale bez względu na to, jak ludzkie życie jest przykute do nienaturalnej, sztucznej natury, ostatecznie wciąż dyktuje swoje prawa naturalne, prawa samego życia. Ludzkie połączenie z ziemią nie może zniknąć!

Na ogromach naszego rozległego kraju sztuka ludowa żyje i rozwija się w niezwykle różnorodnych ogólnopolskich, regionalnych, regionalnych i regionalnych szkołach sztuki ludowej, w ciągłości tradycji. I każda próba dostrzeżenia w sztuce ludowej tylko anachronizmu, obcego współczesności, chęci udowodnienia, że \u200b\u200bsię nie rozwija i zostaje ostatecznie zniszczona przez kapitalizm, zostaje odrzucona przez samo życie. W ostatnich latach działalność pasjonatów rozszerzyła się, odkrywając nowych utalentowanych rzemieślników, nowe szkoły sztuki ludowej.

Ośrodki sztuki ludowej rozsiane po całym kraju i niemało w Rosji świadczą o ogromnym potencjale twórczym ludu. Przecież każde palenisko ma swoje talenty, własne tradycje, własne systemy i metody artystyczne, sprawdzone w doświadczeniach wielu pokoleń twórców ludowych. I to doświadczenie tworzy kulturę tradycji, która wzmacnia narodowość sztuki profesjonalnych artystów. W ten sposób tradycja nie tylko odżywia to, co nowe, ale organicznie wchodzi w kontekst epoki. Lata 70. były szczególnie zauważalnym kamieniem milowym w kulturze artystycznej. Wzrosła rola sztuki zdobniczej w organizacji otoczenia, estetyka industrialna zyskała na szerokim zasięgu, a sama sztuka zdobnicza została określona w swojej wartości duchowej i zajęła miejsce równorzędne z malarstwem i rzeźbą.

W takiej sytuacji sztuka ludowa zostaje także wezwana do zajęcia swojego miejsca w systemie współczesnej kultury, odpowiadającego jej istocie. Należy zwiększyć odpowiedzialność naukową za rozwiązywanie jej problemów. Odpowiedzialność osobista i współodpowiedzialność wobec historii. Tylko z punktu widzenia takiej odpowiedzialności można podejść do produktywnego rozwiązania, przede wszystkim kwestii warunków, bodźców do jej rozwoju. Wiele powierzchownych sądów, bezpośrednie rozumienie zacierania się granic między miastem a wsią, w związku z czym błędnie ujmuje się rzekomo naturalne zanikanie sztuki ludowej, powinno zostać poddanych fundamentalnej „krytyce”, gdyż niosą one nieodwracalne kłopoty żywej sztuce wsi, przyczyniają się do zniszczenia wysokich wartości duchowych ludu.

Nie wolno nam zapominać, że zbliżenie między wsią a miastem to złożony, długotrwały, daleki od jednoznaczności proces, w którym dochodzi do różnego rodzaju ekscesów, którym towarzyszy negacja dziedzictwa kulturowego4.

Od dawna stało się jasne, że robotnik wiejski, niezależnie od tego, jak zmieniają się zmechanizowane formy jego pracy, nadal zachowuje specyfikę pracy, determinowaną przez sam fakt - uprawę ziemi, całą specyfikę produkcji rolniczej. „Ta cecha pracy rolniczej nabierze coraz większej atrakcyjności i wartości społecznej, wpływając na warunki osadnictwa, pracy i odpoczynku całej populacji”.

„Człowiek żyje z natury. Oznacza to, że natura jest jego ciałem, z którym człowiek musi pozostawać w ciągłej komunikacji, „aby nie umrzeć” 6.

„Jak ludzkość nieustannie rozmnaża się przy narodzinach i dzieciństwie dziecka, tak nieustannie rozmnaża się w kultywowaniu ziemi,„ aby nie umrzeć ”7.

A to oznacza, że \u200b\u200bzawsze zachowany jest bezpośredni związek człowieka z ziemią, z naturą, zawsze pozostaje podstawa sztuki ludowej, która nadal niesie pełnię swej duchowej treści i wcale nie zamienia się w grę kształtów, linii i koloru, dostępną tylko dla estetycznego zachwytu i zamierzonej, jak niektórzy myślą za swobodną stylizacją profesjonalnego artysty, za „zabawą”, jak lubią mawiać. Już takie rozumienie celu sztuki ludowej stawia ją w rzędzie czegoś drugorzędnego w stosunku do sztuki autentycznej, potwierdza wyjątkowość jej treści. A każda formalizacja walorów artystycznych, czyli pozbawia twórczość sensu życia, ostatecznie daje początek bezosobowej sztuce, skierowanej na samą siebie.

Z drugiej strony masowe powielanie dzieł sztuki ludowej, przekształcone w przemysł pamiątkarski, to ten sam brak zrozumienia jego znaczących zasad.

Teza o fuzji sztuki ludowej z przemysłem zamienia się w przemysł ludowy, przynoszący unifikację i standaryzację sztuce ludowej. W tej scenerii przykład artysty staje się decydujący. W tym przypadku zrywają się wątki ciągłości ludowego rzemiosła, upadają katastrofalnie. W efekcie załamują się systemy artystyczne w rzemiośle ludowym, niszczone są szkoły tradycji ludowej, które doznały znacznych zniszczeń w okresie dominacji sztalugowej lat 50. i braku wystroju - w latach 60., kiedy ornamentyka wyszła poza nowoczesność. W tych okresach sztuka ludowa została zdepersonalizowana w jej cechach regionalnych, narodowych, regionalnych, uśrednionych w jej artyzmie. Byliśmy świadkami, jak często, zamiast prawdziwie żywej sztuki, przedstawiano zjawiska, które były wewnętrznie ułomne, artystycznie mało obiecujące.

W takiej sytuacji nastąpiła oczywista substytucja wartości zarówno w nauce, jak iw samej praktyce, co nieuchronnie przerodziło się w zastój myśli naukowej i kłopoty sztuki ludowej. Ale gdzie w tym przypadku są kryteria prawidłowego rozumienia i zarządzania sztuką ludową?

Gdzie są ukryte źródła jego niekończącej się mocy twórczej? Trzeba ich szukać w samej sztuce ludowej, w jej związkach z tym, co dla ludzkości odwiecznie cenne - z naturą i kulturą. Konieczne jest uchwycenie dynamiki historycznej, innymi słowy, zrozumienie rozwoju kulturowego.

Trzeba powiedzieć, że nauka o sztuce ludowej, ze względu na swoją młodość, pozostaje jeszcze mało zbadaną dziedziną wiedzy. Przede wszystkim może to tłumaczyć rozprzestrzenianie się swobodnych i powierzchownych ocen, które są obecnie uważane za kierunek naukowy, a jednocześnie pozostają jedynie wyglądem, który łatwo zmienia się z trendów mody.

Sytuacja ta wynikała z nierozwiniętego charakteru wielu fundamentalnych problemów sztuki ludowej. Do niedawna w licznych dyskusjach, które wypełniały strony naszych pism, trzeba było bronić sztuki ludowej nie tylko jako kultury duchowej, ale także jako samodzielnej twórczości artystycznej.

Właśnie takiego podejścia do sformułowania problemu brakowało w pracach W.S. Woronowa i A.V. Bakushinsky'ego (o czym będziemy mówić bardziej szczegółowo później). A. B. Saltykov, który położył podwaliny pod zrozumienie specyfiki sztuki zdobniczej, w latach 50. nie poruszył jednocześnie teoretycznego sformułowania problematyki właściwej sztuki ludowej. Na obecnym etapie okazał się oddzielony od przeszłości nieprzekraczalną linią. W tym kierunku rozwinęła się myśl naukowa, pragnąca zobaczyć wszystko we współczesnej sztuce ludowej, a nie to, czym naprawdę jest. Do tej pory w rozwiązywaniu problemów teorii i praktyki słabo uwzględniane są wyniki badań przedrewolucyjnej sztuki ludowej w pracach z lat 60. i 70. przez BA Rybakova, GK Wagnera i VM Wasilenkę. Stąd samo pytanie brzmi: co uchodzi za sztukę ludową? - ma głębokie fundamentalne znaczenie i teraz staje się bardzo dotkliwy.

W związku z tym problem integralności staje się istotny8. Szczególnie ważne jest poznanie genezy sztuki ludowej, jej żywych źródeł twórczości, wzbogacającej całą kulturę, w integralności życia - w kompleksach życia wiejskiego i otaczającej człowieka przyrody oraz kulturowej ciągłości tradycji9. Różnią się nie tylko między narodami, ale także w każdym regionie. Ale jak w tym przypadku przezwyciężyć inercję myśli, która nadal opiera się na postawach odrzuconych przez czas, takich jak wymazywanie lokalnych cech i znaków szkół sztuki ludowej? W końcu ta postawa nawet teraz daje się odczuć w bezowocnych wezwaniach do kreatywności bez tradycji.

Jak sprawić, by jedność teorii i praktyki była skuteczna, a nie urojona? Na te pytania trzeba odpowiedzieć.

Jeśli sztuka ludowa jest kulturą duchową, co zapewne teraz nie ma wątpliwości, jeśli jest żywą częścią kultury współczesnej (wiele wystaw wymownie o tym świadczy, aw szczególności Ogólnounijna Wystawa Sztuki Ludowej 1979, pierwsza po 15-letniej przerwie), Wreszcie, jeśli wzrośnie zainteresowanie sztuką ludową (jest to oczywiste zarówno w naszym kraju, jak i za granicą), to przede wszystkim należy rozpoznać specyfikę sztuki ludowej jako integralności kulturowej i odpowiednio rozwiązać jej problemy naukowe, artystyczne, twórcze, organizacyjne.

Czy pomagamy, czy utrudniamy takie wyjaśnienie? To pytanie nie może nie stawić czoła każdemu, kto w taki czy inny sposób związany jest ze sztuką ludową.

W warunkach najostrzejszych sprzeczności między współczesnymi osiągnięciami technicznymi ludzkości a poziomem jej moralności, kiedy planecie Ziemia groziła zagłada, konieczne stało się poszukiwanie nowych kontaktów z naturą i ożywienie utraconych. W tej atmosferze odwieczne wartości kultury zabrzmiały z niezwykłą mocą. Łaknienie ich rośnie wraz z pragnieniem natury, ziemi. Jednocześnie odradza się wartość przyrody i sztuki. Do niedawna temat człowieka, zdobywcy przyrody, wchłonął wszystkie inne aspekty relacji z nią. Ale zdobywca często staje się konsumentem, marnotrawstwem jej bogactwa. Człowieku, żelaznym robocie, kim on jest - strażnikiem przyrody czy jej grabarzem?

Wielu współczesnych artystów poszukuje jedności człowieka z naturą, odchodzi od sztywno wytyczonej ścieżki przedstawiania bohatera-zdobywcy. W sztuce lat 60. i 70. zauważalnie uwydatnia się naturalny początek, a przede wszystkim w sztuce dekoracyjnej i użytkowej, gdzie następuje zdecydowany zwrot od rzeczy użytkowych i technicznych do unikatowo artystycznych, do obrazowania, plastyczności. Tak więc w pracach Shushkanovów, w nowej, nieoczekiwanej formie, znaleziono połączenie między zasadami naturalnymi i ludowymi, które zauważalnie zanikły w sztuce poprzednich lat. Coś podobnego dzieje się w ceramice i szkle artystycznym. Poszukiwanie związków z tradycją ludową jest nierozerwalnie związane z zainteresowaniem sztuką narodową i ogólnie kulturą przeszłości. W folklorze natura jest zawsze wyrazicielem piękna, dobroci, łączy się ze światem moralnym. Dlatego natura działa jako kryterium wartości ludzkich. A to podnosi problem twórczości ludowej w warunkach nieskończenie rosnących możliwości technicznych na nowy poziom problemów środowiskowych współczesnego świata.

Ekologia przyrody, ekologia kultury nie może nie obejmować ekologii sztuki ludowej jako części kultury, jako części natury, z którą początkowo jest związany człowiek.

Stawiając w ten sposób pytanie, określamy także sposób jego rozwiązania w systemie człowiek - natura - kultura.

To nowe sformułowanie problemu sztuki ludowej podnosi go do rangi wielkiej aktualności, pozwala wniknąć głębiej w treść obrazów, pomaga zrozumieć jego istotę jako niezależną całość. Podjęliśmy się teoretycznego zrozumienia problemów ogromnego obszaru sztuki ludowej w celu określenia jej artystycznego charakteru, wartości duchowej, a tym samym jej miejsca w kulturze.

Jako część kultury, sztuka ludowa jest zarówno samą naturą, jak i historyczną pamięcią ludzi, nierozerwalnym związkiem czasów. Estetyczna jedność, integralność sztuki ludowej świadczy o jej wysoce moralnych podstawach. To z tych stanowisk, odzwierciedlonych w serii ilustracyjnej naszej książki, rozważa się sztukę ludową i rozwiązuje pytania dotyczące jej teorii.

To jest problem tego, co ogólne i szczegółowe, które warunkuje wzajemne oddziaływanie sztuki zawodowej i twórczości ludowej, to także kwestia własnej specyfiki sztuki ludowej jako szczególnego rodzaju twórczości artystycznej, form jej rozwoju i związków z naturą. Wreszcie główne pytania dotyczą wartości, istoty, charakteru kolektywu, treści pojęć „sztuka ludowa” i „mistrz ludowy”. Poznanie kluczowych zagadnień teorii pozwoli, zgodnie ze specyfiką przedmiotu, pogłębić metodologiczne zasady studiowania sztuki ludowej. Pomoże zrozumieć jego miejsce w systemie kulturowym, ogromną rolę - historyczną, moralną, estetyczną - w życiu człowieka, w duchowym rozwoju kultury, jej konstruowaniu w teraźniejszości dla przyszłości. Materiałem naszej książki będzie sztuka ludowa wielu narodów naszego kraju, głównie ostatnich dwóch dekad.

Rozpatrzymy więc sztukę ludową przede wszystkim jako świat wartości duchowych.

Dziś wielu jest zaabsorbowanych poszukiwaniem narodowej samoidentyfikacji, duchowych więzi międzyludzkich, wspólnej idei, aw tych poszukiwaniach poglądy kierują się zwykle na wyżyny kulturowe, podstawowe zasady etyczne i mechanizmy ekonomiczne. Tymczasem poszukiwane wartości wkraczają do naszego życia, jak trawa przez asfalt, z niepozornymi faktami, wydarzeniami, tematami codziennej praktyki kulturowej. Kto w związku z tak doniosłymi problemami, jak samoidentyfikacja narodowa, zapamięta małą rzecz - ludową zabawkę? Kiedy ostatni raz ją widziałeś? A gdzie - w muzeum? Na wystawie? Na komodzie babci? Albo pamiętasz, jak grałeś w to w młodym wieku? I jak ta mała i zupełnie nieważna rzecz w twoim codziennym życiu może mieć związek z podstawowymi problemami duchowymi? nowoczesny mężczyzna a ponadto całe społeczeństwo?

Gwizdki i fajki

Historia glinianych zabawek sięga tysięcy lat i trwa do dziś. Wśród całej różnorodności glinianych figurek na szczególną uwagę zasługuje gwizdek. W starożytności ceramiczne brzmiące przedmioty były używane podczas rytuałów i miały cel kultowy. Gliniana figurka służyła jako talizman, przypisywano jej magiczne właściwości. Uważano, że gwizdanie może odstraszyć złe duchy, uchronić się przed złem. Dźwięk i gwizd spowodowały wiatr i deszcz. Wraz z zapomnieniem o pogańskich wierzeniach gwizdki straciły swoją świętą funkcję i niemal wszędzie zamieniały się w dziecięcą zabawę, choć kultowe używanie zabawek, w tym gwizdków, pozostało (do niedawna) wraz z zabawą. W Rosji najbardziej znanym wydarzeniem z udziałem gwizdka jest święto gwizdka lub gwizdka Vyatka.

Mistrz z Gorodets

Zajmując się zawodowo rzeźbą w drewnie, Siergiej Sokołow zaczął studiować tradycje tej sztuki Gorodets. Interesował się możliwościami ślepej nici w Niżnym Nowogrodzie. Nazywa się go głuchym, ponieważ w obrabianej płycie nie wykonano otworów, mistrz uformował relief na jej płaszczyźnie za pomocą dłut. Tak więc, zgodnie z tradycją, ozdobili rufę i boki statków Wołgi oraz przednią deskę chat chłopskich, gdzie deska zakrywa miejsce styku przyczółka dachu z górną koroną domu z bali.

Mistrz wyciął pożądany kontur za pomocą elektrycznej wyrzynarki, pomalowanej na przedniej stronie. Ponadto malował (akwarelę) bezpośrednio na drzewo bez podkładu, a następnie pokrywał olejem lnianym. Później Siergiej Fiodorowicz zaczął gruntować swoje rzeczy naturalnym olejem lnianym i przeszedł z akwareli na temperę, która daje bogatszy kolor.

Sztuka ludowa w paradygmatach historii i nowoczesności

Podejścia do rozumienia tradycyjnej sztuki ludowej wśród historyków sztuki, etnografów, socjologów, historyków, psychologów, ekonomistów i kulturoznawców są różne, ale tylko razem pozwalają zbliżyć się do zrozumienia zjawiska, które wciąż wymyka się całościowej analizie 1.

Sztuka i rzemiosło ludowe

Stosowanie materiałów naturalnych jest jedną z ogólnych i podstawowych tradycji sztuki ludowej. W materiale zawarte są jego artystyczne cechy. Rzeźbienie i malowanie w drewnie, tkactwo, haft, tkanie koronek, obróbka kory brzozowej i korzeni, garncarstwo, artystyczne kucie metali - przy całej różnorodności technik i materiałów, współcześni mistrzowie ludowi tej starożytnej sztuki trzymają się tradycyjnych elementów, form i przedmiotów.

Dom Polenowa, którego następcą jest Państwowy Rosyjski Dom Sztuki Ludowej, ma 100 lat. 29 grudnia 1915 r. Miało miejsce uroczyste otwarcie w Moskwie wyjątkowej instytucji zajmującej się historią kultury światowej - Domu Polenowa. Fakt jego powstania wiąże się z wielowiekową tradycją z historią rozwoju amatorstwa w Rosji. W skład Domu wchodziły: sala na 300 miejsc ze sceną do wystawiania przykładowych spektakli ludowych i szkolnych; sale do prób, biblioteka, warsztaty dekoracji i kostiumów, wystawa pouczająca. Budynek wzniesiono według autorskiego projektu wybitnego rosyjskiego artysty, wielkiego pedagoga, akademika malarstwa Wasilija Dmitriewicza Polenowa.

Człowiek wymyślił wiele sposobów artystycznej obróbki skóry: tłoczenia, aplikacji, haftu, malowania, a nawet inkrustacji metalem. Wśród nich wyróżnia się oryginalna technika szycia skórzanych butów we wzory Kazan. Technikę tę można nazwać mozaiką skórzaną, ponieważ zgodnie z zasadą mozaiki szczegóły kolorowej skóry są łączone w szczególny sposób haftu paskowego w złożony wzór.

Kwadratowy teatr Wschodu

Uderzającą cechą Kaukazu, którą można by nazwać nieśmiertelnością pamięci ludu lub poetyckim konserwatyzmem, jest zdolność do zachowania przez tysiąclecia tego, co kiedyś zrodziło ludzki umysł lub wyobraźnię. Zwykle w niektórych regionach, zwłaszcza na Kaukazie, można zaobserwować tradycje ludowe objęte szczególną ochroną. O tej części Kaukazu napisano wiele.

Jednak już na początku ubiegłego wieku badacze w to wierzyli „Nie jest łatwo odróżnić od całego szeregu przeplatających się i krzyżujących się wpływów kulturowych, pod wpływem których był Kaukaz, to, co lokalne, co asyro-babilońskie czy bizantyjskie, czy mongolsko-tureckie, czy rosyjskie czy islamskie z arabskim, Refrakcje perskie i tureckie ”.Pomimo tak złożonego przeplatania się, koncepcja „Kultura wschodnia” , pomimo całego bogactwa tego pojęcia, jego jedynej definicji, podobnie jak wiele dziesięcioleci temu, koncepcji „Kultura wschodnia” z grubsza odpowiednik „Kultura pozaeuropejska”

Lud i sztuka i rzemiosło jako część kultury artystycznej

Istnieje wiele rodzajów artystycznej obróbki materiałów. Jednak nie każdy z nich może stać się integralną częścią treści zajęć w szkołach ogólnokształcących, jako jeden ze środków wychowawczych. Muszą spełniać określone wymagania pedagogiczne. Rodzaje dzieł artystycznych i rzemieślniczych wykorzystywanych w pracy wychowawczej powinny być dostępne dla uczniów pod względem ich cech artystycznych i technologicznych, wysiłku i czasu. Oprócz dostępności i wykonalności zajęcia te muszą mieć potencjalny zapas złożoności, tak aby każde zadanie było realizowane zgodnie z zasadą nauczania dydaktycznego. Na poziomie trudności, który pozwala pełniej ujawnić duchowe i fizyczne możliwości dzieci w wieku szkolnym. Tego typu sztuki i rzemiosła stają się coraz bardziej powszechne, w procesie doskonalenia, które programowe nawiązują interdyscyplinarne powiązania, a także powiązania między praktycznym zastosowaniem a dalszym rozwojem wiedzy i umiejętności nabytych przez uczniów. Bo jedną rzeczą jest teoretyczne badanie przebiegu przedmiotu, a całkiem inną zastosowanie zdobytej wiedzy w praktyce. Doświadczenie pokazuje, że wiedza utrwalona w praktyce jest przyswajana przez długi czas i mocno.

Każde dziecko jest z natury obdarzone uczuciami, od których rozwoju i wychowania zależy jego zdolność do estetycznego postrzegania rzeczywistości.

Sztuka ludowa oraz sztuka dekoracyjna i użytkowa są integralną częścią kultury artystycznej. Dzieła sztuki użytkowej odzwierciedlają tradycje artystyczne narodu, światopogląd, światopogląd i artystyczne doświadczenia ludzi, zachowują pamięć historyczną.

W szerokim znaczeniu sztuka ludowa to poezja, muzyka, teatr, taniec, architektura, sztuki plastyczne i zdobnicze tworzone przez ludzi w oparciu o zbiorowe doświadczenia twórcze, tradycje narodowe i popularne wśród ludzi.

Inny obszar sztuki i rzemiosła wiąże się z dekoracją samego człowieka - tworzeniem artystycznie wykonanego kostiumu, który wraz z nakryciem głowy, butami i biżuterią tworzy całość. Ale ostatnio coraz częściej mówi się o kostiumie do projektowanie mody.

Dzieła sztuki ludowej mają wartość duchową i materialną, odznaczają się pięknem i użytecznością. Rzemieślnicy ludowej sztuki i rzemiosła tworzą swoje prace z różnorodnych materiałów. Najpopularniejsze to ceramika artystyczna, tkactwo, koronkarstwo, haft, malarstwo. A także rzeźbienie w drewnie lub kamieniu, kucie, odlewanie, grawerowanie, pogłębianie itp. W życiu codziennym możemy wykorzystać malowane naczynia, serwetki koronkowe, drewniane deski rzeźbione, haftowane ręczniki i wiele innych dzieł sztuki ludowej.

Duże znaczenie w sztuce ludowej ma ornament, który zdobi przedmiot lub jest jego elementem konstrukcyjnym. Motywy ornamentu mają starożytne mitologiczne korzenie.

Sztuka ludowa istnieje od wieków. Umiejętności techniczne i znalezione obrazy przekazywane są z pokolenia na pokolenie, pozostając w pamięci twórców ludowych. Z tego powodu utrwalana przez wieki tradycja wybiera tylko najlepsze osiągnięcia twórcze.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to dziedzina sztuki dekoracyjnej: tworzenie produktów artystycznych, które mają praktyczny cel w życiu codziennym i wyróżniają się dekoracyjnymi obrazami (naczynia, meble, tkaniny, ubrania, biżuteria, zabawki itp.). Wszystkie przedmioty otaczające człowieka powinny być nie tylko wygodne, praktyczne, ale także piękne. Korzyści i piękno są zawsze obecne, gdy artyści zabierają się do pracy i z różnych materiałów tworzą przedmioty gospodarstwa domowego, które są dziełem sztuki.

Inny obszar sztuki i rzemiosła wiąże się z dekoracją samego człowieka - tworzeniem artystycznie wykonanego kostiumu, który wraz z nakryciem głowy, butami i biżuterią tworzy całość. Ale ostatnio coraz częściej mówi się o kostiumie do projektowanie mody.

Jednak przedmioty dekoracyjne świadczą nie tylko o estetycznym guście i wyobraźni artysty. Podobnie jak w pracach innych rodzajów sztuki, odzwierciedlają materialne i duchowe zainteresowania ludzi. I choć dziś przemysł artystyczny tworzy produkty sztuki użytkowej, to w dużej mierze zachowują one swoje narodowe cechy. Wszystko to pozwala stwierdzić, że w sztuce dekoracyjnej pewnej epoki historycznej wyraźnie wyrażone są cechy jedności stylistycznej, na przykład okres gotyku, secesji, klasycyzmu itp.

Po czym poznać, że dany produkt jest dziełem sztuki? Czasami rozumują w ten sposób: jeśli wazon ma piękny kształt, ale nie jest niczym ozdobiony, to nie jest dziełem sztuki dekoracyjnej, ale jeśli nałożysz na niego jakiś wzór, natychmiast zamieni się w dzieło. To nie jest prawda. Czasami ozdoby zdobiące wazon sprawiają, że jest on bez smaku, zamieniając go w kicz. I odwrotnie, naczynie wykonane z czystej gliny lub drewna może być tak uderzające w swojej doskonałości, że jego wartość artystyczna staje się oczywista.

Jakie są podobieństwa i różnice między dziełami sztuki ludowej a rzemiosłem zawodowym?

Czasami, stosownie do sposobu wykonania rzeczy, udziału pracy fizycznej w tym procesie, masowego obiegu dzieł sztuki użytkowej, starają się nawiązać do sztuki ludowej. Jest to niezwykle trudne, ponieważ wyroby sztuki ludowej czasami powstają w fabrykach, a czasami w jednym egzemplarzu powstają prace dekoracyjne profesjonalnych artystów.

Chyba najważniejszą rzeczą przy ustalaniu, do jakiego rodzaju sztuki należy dana rzecz, jest ustalenie, w ramach jakiej tradycji artystycznej została stworzona, czy obserwuje się cechy typu obrazu danego rzemiosła i technologii obróbki materiałów.

Twórczość mistrzów ludowych i artystów użytkowych łączy przemyślanie form, celowość proporcji, stylistyczna jedność wszystkich elementów. Wyrazistość linii, sylwetki, rytmu, koloru, proporcji, kształtu, przestrzeni w każdym z rodzajów sztuki zdobniczej w dużej mierze zależy od użytych materiałów i technologii ich obróbki.

Artysta ludowy lub artysta sztuki zdobniczej i użytkowej w swojej twórczości stara się jak najlepiej ukazać walory estetyczne materiałów. Dekoracyjność w sztuce ludowej i dekoracyjno-użytkowej jest głównym środkiem wyrażania piękna, a jednocześnie cechą jakościową innych dziedzin sztuki.

Należy pamiętać, że w każdym typie sztuki obraz artystyczny ma swoją własną strukturę, uwarunkowaną z jednej strony specyfiką wyrażania treści duchowych, z drugiej zaś technologią, charakterem materiału, w którym ta treść jest zawarta. Wizerunek artystyczny w ludowej i zdobniczej sztuce użytkowej ma cechy wspólne i charakterystyczne.

Obraz dekoracyjny wyraża nie jeden, ale ogólny - „specyficzny”, „ogólny” (liść, kwiat, drzewo, ptak, koń itp.). Obraz dekoracyjny wymaga myślenia artystycznego i wyobraźni, mitopoetycznego stosunku do rzeczywistości.

Dlatego w sztuce ludowej zwyczajowo rozróżnia się obrazy - typy produktów tradycyjnych myśli artystycznych, które odzwierciedlają mitologiczne i estetyczne idee ludzi. Na przykład wizerunek ptaka, konia, drzewa życia, kobiety, znaki-symbole: ziemia, woda, słońce można zobaczyć w różnych materiałach artystycznych. Hafty, tkactwo, koronki; malowanie na drewnie i metalu; drewniane rzeźby; ceramika itp. Trwałość i tradycja tych obrazów, ich archetypiczny charakter pod wieloma względami decyduje o wysokiej wartości artystycznej i estetycznej dzieł sztuki ludowej.

Jednocześnie uniwersalność typów obrazu w sztuce różne narody świat pokazuje ich jedność. Związany z ogólnością podejść do procesu estetycznego poznania zjawisk przyrodniczych i społecznych.

Obrazy w profesjonalnej sztuce dekoracyjnej również odzwierciedlają wyobrażenia konkretnych ludzi o pięknie. Oni też często tworzą w oparciu o motywy naturalne lub geometryczne, ale tutaj dopuszcza się dużą swobodę w interpretacji obrazów. Historyczne wątki lub tematy współczesnego życia są aktywnie wykorzystywane w dziełach sztuki użytkowej.

Analizując walory artystyczne konkretnego dzieła ludowej lub profesjonalnej sztuki dekoracyjnej, należy zwrócić uwagę na jego rozwiązanie figuratywne, biorąc pod uwagę specyfikę materiału, wyrazistość formy i proporcji, rozwiązanie kolorystyczne, połączenie ornamentu z formą produktów, walory plastyczne, obrazowe lub graficzne rzeczy. Jednocześnie należy zauważyć, jak rytmiczne powtórzenia, cechy kompozycyjne konstrukcji ornamentu i rzeczy w ogóle wpływają na jego figuratywne rozwiązanie.

Sztuka i rzemiosło ludowe i zawodowe są interpretowane jako sztuki, które służą potrzebom człowieka, a jednocześnie zaspokajają jego potrzeby estetyczne, ożywiając piękno.

Sztuka ludowa to przede wszystkim ogromny świat duchowych doświadczeń ludzi, jej artystyczne idee są integralną częścią kultury. Sztuka ludowa opiera się na twórczej działalności ludzi, odzwierciedlając ich samoświadomość, pamięć historyczną. Istotną rolę edukacyjną pełni komunikacja ze sztuką ludową, której ideały moralne i estetyczne ukształtowały się na przestrzeni wieków.

Teoretyczne podstawy sztuki ludowej, jej istota i znaczenie jako system sztuki generalnie czołowi krajowi naukowcy uzasadnili: i in. W ich pracach główne prawa rozwoju sztuki ludowej wyznaczały „zasada kolektywności” i „narodowość”.

Sztuka ozdabiania jest złożonym, znaczącym zjawiskiem, które wymaga głębokich studiów, teoretycznego zrozumienia i praktycznego opanowania.

Ornament- to wzór oparty na rytmicznej przemianie i uporządkowanym ułożeniu elementów.

Termin „ozdoba” kojarzy się ze słowem „dekoracja”. W zależności od charakteru motywów wyróżnia się ozdoby: geometryczne, roślinne, zoomorficzne, antropomorficzne oraz łączone.

Geometryczny ornament może składać się z punktów, linii, okręgów, rombów, gwiazd, krzyżyków, spiral itp. Złożone ozdoby, takie jak meandry, występujące w sztuce starożytnej Grecji, można również przypisać ornamentowi geometrycznemu. Ornament geometryczny w krajach Wschodu był szczególnie zróżnicowany. 3

Warzywo ornament składa się ze stylizowanych liści, kwiatów, owoców, gałęzi itp. W starożytnych greckich ornamentach roślinnych często używano wizerunków akantu, lotosu, papirusu, palm itp. A wśród ludów wschodnich popularnym motywem kwiatowym był ornament islimi - wirujący powój. Kompozycje takiego ornamentu są bardzo różnorodne.

Zoomorficzny ornament przedstawia stylizowane postacie lub części postaci prawdziwych i fantastycznych zwierząt. Do tego typu ozdób należą również dekoracyjne wizerunki ptaków i ryb.

Antropomorficzny Ornament jako motyw jest używany przez stylizowane postacie męskie i żeńskie lub części twarzy i ciała osoby. Obejmuje to różne fantastyczne stworzenia, takie jak dziewica-ptak, człowiek-koń itp.

Często we wzorach występują kombinacje różnorodnych motywów: geometrycznych i roślinnych, antropomorficznych i zoomorficznych. Taką ozdobę można nazwać łączny.

Ornament jest najważniejszą częścią ludowej i zdobniczej sztuki użytkowej. Służy do ozdabiania budynków, odzieży, artykułów gospodarstwa domowego, broni, znajduje szerokie zastosowanie w grafice książkowej i użytkowej, plakatach itp. Ozdoba może być rysowana materiałem graficznym i malowana farbami, haftowana lub tkana z nici, rzeźbiona w drewnie lub wybita na metalu i itp. Ozdoba może stać się rzeczą, jeśli jest tkana w postaci koronki (serwetki, kołnierzyk, obrus itp.), Maty lub wykuta z metalu. Ozdoba może być wielokolorowa i jednokolorowa, wykonywana jest na powierzchni przedmiotu wypukła, reliefowa lub odwrotnie, pogłębiona.

Ogólne cechy stylistyczne sztuki zdobniczej są określone przez cechy i tradycje kultury wizualnej każdego narodu, mają pewną stabilność w długim okresie historycznym i mają wyraźny charakter narodowy. Dlatego możemy powiedzieć, że ornament to style epoki, niezawodny znak przynależności dzieła do określonego czasu i do określonego kraju (gotyk, barok, secesja itp.).

Przez wiele stuleci wierzono w ochronną moc ornamentu, wierzono, że chroni przed kłopotami, przynosi szczęście i dobrobyt. Stopniowo tracono funkcję amuletu, ale główne zadanie ornamentu pozostało - uczynić przedmiot bardziej eleganckim i atrakcyjnym, artystycznie wyrazistym.

Właściwości ornamentu zależą od przeznaczenia formy, struktury i materiału rzeczy, którą oswaja. Ozdoba pomaga uwydatnić plastyczność i cechy konstrukcyjne przedmiotu, uwydatnić jego figuratywne rozwiązanie, lepiej ukazać naturalne piękno materiału. Wszystko to jest możliwe pod warunkiem harmonijnego połączenia ornamentu i kształtu przedmiotu.

Ze względu na schematy kompozycyjne można wyróżnić następujące rodzaje ozdób: wstążka (fryz, obwódka, obwódka), która ma siedem różnych typów symetrii, siatkowa i zamknięta (w kole, kwadracie, prostokącie, trójkącie itp.).

Rytm jest bardzo ważny w zdobieniu. Rytm ornamentu to naprzemienność elementów wzoru w określonej kolejności. Rytmiczną konstrukcję w ornamentalnej kompozycji można osiągnąć różnymi technikami, relacyjne powtarzanie motywu tworzy zróżnicowany rytm. Powtarzające się elementy ornamentu nazywane są rapportem. Istnieją różne rodzaje kompozycji relacji.

Specjalnym tematem jest ornament i symetria. Symetria w sztuce to dokładny schemat rozmieszczenia przedmiotów lub części artystycznej całości.

Ornament utworzony w kole przez podzielenie go na równe części przez średnice nazywany jest rozetą lub rozetą. Symetria pomaga stworzyć określony rytm w ornamentie. Nie tylko symetryczne, ale także asymetryczne kompozycje zdobnicze są bardzo zróżnicowane.

Stylizacja jest dekoracyjnym uogólnieniem i podkreśleniem charakterystycznych cech obiektów przy użyciu szeregu konwencjonalnych technik.

Ozdoby ludowe najczęściej powstają w oparciu o stylizację form naturalnych. Przykład ornamentu jest dobrze widoczny. Jak formy roślin, zwierząt, a nawet postaci ludzkich można przekształcić w elementy geometryczne.

Wybierając najważniejszą rzecz, mistrz przekształca przedmiot, podporządkowuje jego kształt i kolor rytmicznej strukturze ornamentu. Sercem pracy mistrza ludowego jest postrzeganie emocjonalno-skojarzeniowe, jego pomysłowe rozwiązanie może znacznie różnić się od natury.

Kwiat, liść, gałąź można zinterpretować prawie jako geometryczne kształty lub zachować naturalne, gładkie kontury. Na podstawie prawdziwych obrazów artysta tworzy nowe ozdoby w oparciu o twórczą wyobraźnię.

W sztuce zdobniczej artystka w procesie uogólniania formy, zachowując jej plastyczną wyrazistość, podkreśla główne i typowe, odrzucając drobne szczegóły. Wszystkie odcienie widoczne w rzeczywistej formie są zredukowane do kilku kolorów. Możliwe jest również całkowite odrzucenie prawdziwego koloru.

Ogólne rozwiązanie stylistyczne ornamentu, jego linearna i kolorystyczna kompozycja opiera się na kreatywnym przemyśleniu natury.

Ornamenty są integralną częścią sztuki użytkowej. Wyraźnie świadczy o poziomie kultury materialnej i duchowej człowieka, w nim jest skoncentrowana głębia jego myśli, wyobraźnia twórcza, umiejętności artystyczne.

W hafcie rzemieślniczki łączyły wzory kwiatowe i geometryczne. Prostokąt, kwadrat, romb, trójkąt, trapez - to najprostsze geometryczne kształty często spotykane w zastosowaniach tkaninowych. Świąteczna odzież jest bogato zdobiona ornamentami, których głównymi wzorami są lipa i jodełka. Rzemieślniczka zdobi swoje wyroby ozdobnymi paskami, modnymi blaszkami.

Ponadto w dziełach sztuki użytkowej Jakucka, wraz z ozdobami, przedstawiane są różne rysunki fabularne o znaczeniu heraldycznym: skończony człowiek - jednorożec, lew, koń, święte drzewo folklorystyczne - Aal Luuk mas itp.

Język ornamentu służył do tworzenia obrazów artystycznych zrozumiałych dla ogółu społeczeństwa. Z biegiem czasu zawartość wielu ozdób została zapomniana, a współczesne badania będą wymagały wiele żmudnej pracy, aby rozwikłać zawartość przynajmniej części z nich. Niektóre wzory stały się tradycyjne bez żadnego wyjaśnienia. Motywy geometryczne w odzieży Jakuckiej znajdują się w ozdobach brzegowych nakryć głowy, odzieży na ramiona i butów. W przyszłości kontury ozdób stają się bardziej skomplikowane. Pojawiają się krzywoliniowe motywy - fale, łuki łukowe, figury skośne.

Szczegóły zdobień w ich konturach przypominają oczy, rogi, głowę, postacie zwierząt. Często zdobienia obejmują stylizowane wizerunki poszczególnych ozdób zwierzęcych, odzwierciedlone w formach i nazwach: „tanalai oyuu” (wzór nieba), „buer oyuu” (wzór nerki), „surekh oyuu” (wzór serca).

Ozdobny wzór jakuckiego stroju ludowego to cała warstwa duchowej i materialnej kultury ludu Sacha, która wymaga żmudnych badań: poznania jej etnicznej oryginalności, plastyczności kompozycyjnej, kolorystycznej, konstruktywnej i łączącej. Artystyczny obraz ornamentu jest ściśle powiązany z rytuałami folklorystycznymi, zwyczajami etnograficznymi, mitologią i eposami.

Całe życie Jakutów było ściśle związane z otaczającą przyrodą, wszystkim i jedzeniem, ubraniami i narzędziami, które otrzymali od niej. Według ich koncepcji natura była najważniejsza w naszym Wszechświecie. Dlatego ubranie ludu Sacha, jako część kultury materialnej, było nieodłączne od ich wierzeń, rytuałów, natury i bóstw.

Wzory i tkaniny zostały wyhaftowane według wstępnego wzoru nićmi, koralikami, koralikami i ozdobione metalowymi blaszkami, talerzami, aplikacjami z wielobarwnych mozaik materiałowych.

Rzemieślniczki potrafiły dopasować wzór ornamentu do wielkości i kształtu wyrobów oraz techniki wykonania, a sam wzór haftu Jakuckiego jest efektem pracy wielu pokoleń. Rzemieślniczki wniosły do \u200b\u200bpracy wiele osobistej wyobraźni twórczej, ale nawet tworząc nowe wzory, nie odbiegały od tradycji i nie naruszały ustalonego stylu artystycznego.

W historii (kulturze) każdego narodu wzory mają znaczenie mistyczne, służą jako amulety dla właściciela, a nawet swego rodzaju „paszporty”. Tak więc w starożytnej Rosji uważnie, uważnie patrząc na haftowany kołnierzyk koszuli, ustalili, czy jego właściciel należy do jakiegoś plemienia. W dawnych czasach w Jakucji wystarczy rzut oka na stroje i biżuterię kobiety, by dość dokładnie poznać jej wiek, sytuację finansową, a nawet liczbę dzieci, a także krów, koni i jeleni. Nawet dzisiaj Jakucka rzemieślniczka, po zbadaniu wzoru, będzie mogła powiedzieć, w którym ulusie żyje mistrz, który go stworzył.

Wzory na ubraniach były ściśle zgodne z położeniem ... czakr. Na przykład wzorzysta linia wzdłuż kręgosłupa (każdy jogin powie ci, że to wzdłuż kręgosłupa energia kundam unosi się w górę), nie tylko maskuje szew na ubraniu, ale także pełni funkcję ochronną, chroniąc żywotny rdzeń przed negatywnymi wpływami zewnętrznymi. Może być obecny zarówno na odzieży męskiej, jak i damskiej.

Ale haftowane podłogi, rysunki na biodrach są typowe dla odzieży damskiej. Rzadko przedstawiają gniazdo bogini Aiyyyt (patronki kobiet, porodu i macierzyństwa), która chroni łono przed złym okiem nie na gnieździe, ale na sercu z otwartymi krawędziami. Często zamknięty wzór jest powtarzany trzykrotnie, aby chronić wszystkie trzy dusze w osobie - salgyn kut, buor kut, iye kut (dusza powietrzna, ziemska, matczyna). Na zdobieniach głowy bastianów lub kapeluszy letnich symbol słoneczny (dekoracja symbolizująca krąg słoneczny) znajduje się zwykle pośrodku górnej części czoła w miejscu trzeciego oka. Dwa kolejne okręgi po obu stronach skroni również zamykają czakry.

Ciągły wzór wzdłuż rąbka odzieży, odpędzający złe duchy z niższego świata, był uważany za obowiązkowy zarówno dla odzieży męskiej, jak i damskiej. Często ten czarno-biały wzór jest tangalat, oznaczający drogę życia i przeszkodę na drodze zła. Aby zrozumieć, jak to wygląda, wystarczy spojrzeć na zwykły słupek graniczny.

Oznaczenia kolorów dla Jakutów.

Cały styl życia i działalność gospodarcza Jakutów był ściśle związany z Matką - naturą. Dlatego kolory ich ubrań odzwierciedlają naturalną paletę - kolory ziemi, nieba, roślin, słońca i śniegu, kwiaty, które są zawsze harmonijne i przyjemne dla oka świeżością i pięknem. Przebudzenie natury, nadejście lata, wiosenny rozkwit i więdnięcie jesienią roślin, wschód i zachód słońca - wszystko to znalazło odzwierciedlenie we wzorach haftowanych przez naszych przodków, w których dominowały kolory biały, czarny, niebiesko - niebieski, zielony i czerwony.

Od najdawniejszych czasów kolor czerwony kojarzył się z religią - to kolor krwi, kolor siły, życia, związku z matką, dlatego chronił ją amulet wiary matki - duszy (iye - kut); Zielony (zielona trawa); niebieski (błękitne niebo); niebieski (niebieskie otwarte przestrzenie, niebieski) to kolor natury.

Nasi przodkowie w swoich pieśniach i olonkho bardzo kolorowo zaśpiewali wszystkie te kolory i ich odcienie, więc kolor zielony uosabiał związek z życiem żywej natury, a niebieski symbol Salgyn Kut (powietrze duszy) reprezentował niebieską bezdenną przestrzeń z niebieskim oddechem (kuoh tyyn) ... I to był znak rozwoju, rozkwitu życia.

Żółte, białe kolory to promień słońca, śnieg, kojarzą się ze środowiskiem i są symbolem życia, szczęścia wszelkiego światła i dobra.

Czarny, ciemnoszary, brązowy - kolor ziemi, uosobienie Buor kut (ziemia, dusza), Matka - ziemia.

Studiując literaturę specjalną, potwierdzono, że mieszkańcy Sacha czczą wszystko, co nas otacza i co im daje bardzo ważne, co było przekazywane za pomocą wzorów, znaków, symboli.

My, współcześni Jakuci, zaczynamy rozumieć, że nasza kultura jest jedną z najstarszych, która łączy przede wszystkim miłość do rodzimej przyrody, zwierząt, wiary i kultu bóstw. Również kult kobiety, przodka klanu, plemienia, długości życia ludzi.

W naszych czasach stare symbole i znaki blakną, zamieniając się w proste elementy wzoru, który jest stereotypowo powtarzany przez bezwładność z pokolenia na pokolenie. Dlatego teraz wielu badaczy kultury ludowej mistrza przywraca zapomniane style starożytnych ubrań Sacha.

2.1. Aplikacja jest jednym z rodzajów sztuki dekoracyjnej i użytkowej do wykonywania prac zdobniczych.

Aplikacja nawiązuje do rzemiosła artystycznego i jest rodzajem haftu używanego do ozdabiania ubrań, artykułów gospodarstwa domowego, do tworzenia ozdobnych paneli.

Co to jest sztuka i rzemiosło? Tak definiuje się to pojęcie w zwięzłym słowniku estetyki (red., - M., 1964. - s. 73-74): sztuka dekoracyjna i użytkowa jest „rodzajem sztuki (zbliżonej do piękna), której dziełami są przedmioty, posiadające określone właściwości artystyczne i estetyczne, ale jednocześnie mające bezpośredni praktyczny cel w życiu codziennym, pracy lub specjalnie zaprojektowane do dekoracji ... "

Ze względu na swoje pochodzenie sztuka i rzemiosło należą do najstarszych rodzajów sztuki.

Od najdawniejszych czasów człowiek starał się, aby jego dom, odzież, artykuły gospodarstwa domowego były nie tylko wygodne, trwałe, ale także piękne. Głównym źródłem inspiracji dla ludzi był otaczający ich wspaniały świat przyrody. Ludy północy zostały przedstawione na wzorach jeleni, morsów, zjadanych (ryc. 2). Na niekończących się stepach Kazachstanu głównym motywem tworzenia wzorów była różnorodność rozgałęzionych rogów baranów).

Bogactwo form i jaskrawa kolorystyka pól Ukrainy mistrzowie przekształcili w ozdobne elementy zdobnicze.

Azerbejdżanie zainwestowali całą swoją sztukę w złożone, przeplatające się wzory kwiatowe i geometryczne.

Zachwycają wzory koronek Wołogdy, misterne sploty w ozdobnych zdobieniach minaretów Samarkandy, ilustracje starożytnych ksiąg ormiańskich i białoruskie hafty.

Narodowe style wzorów były doskonalone przez wiele pokoleń, stając się lakonicznymi i łatwymi do naśladowania.

W klasie w szkole dzieci zapoznają się z produktami szeroko znanego rzemiosła sztuki ludowej do obróbki różnych materiałów: Palech, Mstera, Fedoskina (miniaturowy obraz na papier-mache); Khokhloma, Gorodets (malowanie na drewnie); Kubachi (grawerowanie metalu); Vologda, Yelets (tkanie koronek); Gzhel (malowanie artystyczne na ceramice); Azerbejdżan (dywany); Uzbekistan (architektoniczne ozdoby gipsowe); Ukraina (intarsje huculskie z różnymi rodzajami drewna) itp.

Nauczyciel powinien uczyć dzieci rozumieć i być dumnym z dzieł rzemieślników ludowych wszystkich narodowości naszego kraju. A to z kolei przyczynia się do rozwoju artystycznego gustu, zrozumienia specyfiki konstruowania wzorów z uwzględnieniem przeznaczenia produktu, jego kształtu oraz użytego materiału.

Zarządzenie Ministerstwa Edukacji ZSRR z 01.01.01 „O działaniach na rzecz dalszego rozwoju rzemiosła ludowego” pozwala w miarę możliwości organizować naukę technik wytwarzania wyrobów artystycznych na lekcjach pracy. Wyniki pokazują, że w ostatnich latach sztuka dekoracyjna i stosowana w szkołach zmieniła się. Obecnie w szkołach wzory ozdobne są szerzej wykorzystywane do ozdabiania przedmiotów pracy. Studenci lubią angażować się w pogoń i grawerowanie, haftowanie i dziewiarstwo, rzeźbienie w drewnie i kościach, wkładanie i malowanie kół. W zespołach oświatowo-przemysłowych kształcenie przed zawodowe studentów odbywa się w specjalnościach rzemiosła ludowego. Stąd ogromna rola szkoły podstawowej, która stanowi podwaliny aktywności wzrokowej dzieci w wieku szkolnym. W klasie uczniowie nie tylko uczą się sztuki ludów ZSRR, ale także uczą się technik pracy artystycznej. W zajęciach pozalekcyjnych kontynuowane są ciekawe i ekscytujące zajęcia.

Technika aplikacji ma duże możliwości dydaktyczne i edukacyjne. W procesie aktywności artystycznej i zawodowej dziecko opanowuje szereg umiejętności graficznych (gra ołówkiem, linijką, kwadratem, kompasem), uczy się analizować zjawiska i przedmioty otaczającego świata, używać nożyczek, poprawnie nakładać klej pędzlem, starannie przyklejać części itp.) rozwija się wyobraźnia, dobrowolna uwaga, pamięć wzrokowa, oczy, poczucie formy, rytm, percepcja przedstawień przestrzennych, kolor i jego przemiana; miłość do piękna, precyzji, dokładności; cierpliwość, wytrwałość, chęć zakończenia rozpoczętej pracy. Uczniowie mogą później przenieść sztukę tworzenia aplikacji papierowych do pracy na tkaninie, drewnie, skórze, metalu itp.

Twórcami sztuki - pisał - byli garncarze, kowale i złotnicy, tkacze i tkacze, murarze, cieśle, snycerze, malarze, krawcy, krawcy i w ogóle - rzemieślnicy, ludzie, których wyroby artystyczne sprawiają przyjemność oczy wypełniają muzea ”(A Brief Dictionary of Aesthetics / Ed.,. - M., 1964. - s. 74).

Dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej różnią się rodzajem tworzonych wyrobów (meble, koronki, biżuteria, zabawki itp.), Materiałem, z którego wyrób jest tworzony (metal, drewno, szkło, porcelana, brąz, ceramika itp.). ), zgodnie z techniką obróbki materiału (rzeźbienie artystyczne, malowanie, pogoń, odlewanie artystyczne itp.). Sztuka dekoracyjna i użytkowa żyje wokół nas w dywanach, tkaninach, ubraniach, naczyniach ceramicznych, projektach książek, banknotach i dekoracji struktur architektonicznych. Wzory ozdobne służą do ozdabiania plakatów, gazet ściennych, plakatów z ozdobnym tekstem. Dzieci wcześnie zaczynają dostrzegać otoczenie, ale żeby docenić to, co widzą, odróżnić to, co naprawdę piękne od różnorodności i wulgarności, trzeba tego nauczyć, a im szybciej, tym lepiej. Praca nad rozwojem artystycznego gustu dziecka zaczyna się w rodzinie i placówkach przedszkolnych.

Podczas pracy z dziećmi w wieku szkolnym za pomocą aplikacji możesz zorganizować ekscytujący i pouczający proces uczenia się.

Wychowanie sensoryczne umożliwia dzieciom wykonywanie aplikacji porównywanie figur, a poprzez komponowanie, konstruowanie z prostokątów, kwadratów, trójkątów, okręgów, różnych obiektów i elementów flory i fauny, poznaje podstawy twórczości.

Na podstawie wypełnionych wniosków prowadzone są rozmowy promujące rozwój mowy ustnej.

Program szkolenia zawodowego obejmuje pracę aplikacyjną w klasach średnich. W klasach podstawowych prace aplikacyjne wykonywane są zwykle na kartkach papieru, aw klasach średnich służą one głównie do ozdabiania przedmiotów o wartości społecznie użytecznej. Aplikacja służy do ozdabiania zakładek, pudełek, folderów, modeli samochodów i innych przedmiotów; służą do naprawy książek, stołów, tworzenia pomocy wizualnych i dekoracji. Aplikacje zdobią codzienne życie. I to w żaden sposób nie umniejsza znaczenia aplikacji, ale jeszcze raz podkreśla jej użytkowy charakter.

Wychowanie głębokich i trwałych zainteresowań pracą artystyczną dzieci jest kontynuowane w ramach zajęć pozalekcyjnych. Zajęcia w środowisku projektowania technicznego i artystycznego poszerzają indywidualne zainteresowania poznawcze uczniów. Dzieci wykorzystują w swojej pracy wiedzę i umiejętności zdobyte na lekcjach matematyki, historii naturalnej i sztuk pięknych. Na zajęciach w kręgach używają różnych sztucznych i naturalne materiaływykonują bardziej złożone i interesujące aplikacje, mają większą niezależność w wyborze tematów lub wzorów do dekoracji. Nie ograniczając się trudnym czasem lekcji, dzieci wykazują więcej kreatywności i wyobraźni. Liderzy środowisk muszą celowo identyfikować skłonności dzieci i, uwzględniając wymagania pedagogiczne, proponować im tematy pracy zgodne z ich zainteresowaniami i możliwościami.

W wydłużonych grupach dziennych, na zajęciach w kółko, dziecko ma okazję pracować jednocześnie z kolorowym papierem, tekturą, tkaniną, plasteliną oraz modelować, tworzyć różne rękodzieło (patrz: Pozaszkolne prace przy porodzie / Komp. - M., 1981).

Odbywają się ciekawe zajęcia z tworzenia wyposażenia do bibliotek zabawek, dekoracji do teatrów lalek, kostiumów karnawałowych, różnych prac projektowych, konkursów na najlepszy wzór zaproszenia, emblematów na gwiazdki, kubka, oddziału. Prace wykonane przez aplikację są wyświetlane do ogólnego oglądania i dyskusji. Zgodnie z wzorami aplikacji uczniowie szkół średnich mogą wyciąć niektóre prace ze sklejki lub wykonać w inny sposób.

Koła zastosowań artystycznych z powodzeniem działają w internatach, domach sztuki, obozach dziecięcych, łatwo je zorganizować w DEZ. Organizatorami i liderami takich środowisk mogą być nauczyciele, rodzice, licealiści.

Nauczyciel lub lider koła powinien nie tylko uczyć młodszych uczniów pewnych metod pracy, jego głównym zadaniem jest rozwijanie ich zdolności do kreatywności, rozbudzanie zainteresowania pracą, zaszczepianie umiejętności kultury pracy, wzajemna pomoc wzajemna.

Produkty planowane do realizacji pod względem konstrukcji, technologii, dekoracji powinny być wykonalne dla uczniów szkół ponadgimnazjalnych. Praca powinna być nie tylko atrakcyjna wizualnie, ale co najważniejsze, powinna być wykonana z wysoką jakością przez każdego ucznia. Bardzo ważne jest ukształtowanie w dziecku stałego zainteresowania procesem codziennej pracy, tak aby każdą pracę wykonywał z przyjemnością, twórczo, radował się z sukcesu i wytrwale starał się korygować niedociągnięcia, osiągając we wszystkim dokładność i piękno.

Jednocześnie planowanie uproszczonych zadań prowadzi do spadku zainteresowania dzieci pracą. Dlatego bez względu na to, jak trudne jest to dla lidera, musi indywidualnie dobierać zadania dla uczniów. zróżnicowane, tak aby każde dziecko mogło wykorzystać całą swoją wiedzę i umiejętności podczas wykonywania określonej pracy.

Wybierając określone produkty do wykonania na zajęciach, należy dokładnie określić, w jakich konkretnych elementach wiedzy i umiejętności dzieci będą się poruszać; że nauczą się robić nowe rzeczy; w którym po prostu ćwiczą, jak wykorzystać już istniejące pomysły i umiejętności do wytworzenia nowego produktu. (67)

Chłopaki, włożyliśmy naszą duszę w stronę. Dziękuję Ci za
że odkrywasz to piękno. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook i W kontakcie z

17 najpiękniejszych rodzajów sztuki ludowej w Rosji.

Rękodzieło jest dokładnie tym, co sprawia, że \u200b\u200bnasza kultura jest bogata i wyjątkowa. Malowane przedmioty, zabawki i wyroby z tkanin zabierają ze sobą zagraniczni turyści na pamiątkę naszego kraju.

Prawie każdy zakątek Rosji ma swój własny rodzaj robótek ręcznych, aw tym materiale zebraliśmy najjaśniejsze i najbardziej znane z nich.

Zabawka Dymkovo

Zabawka Dymkovo jest symbolem regionu Kirowa, podkreślającym jego bogatą i starożytną historię. Jest formowany z gliny, a następnie suszony i wypalany w piecu. Następnie jest malowany ręcznie, za każdym razem tworząc niepowtarzalną kopię. Nie może być dwóch identycznych zabawek.

Malarstwo Zhostovo

Na początku XIX wieku bracia Wiszniakowowie mieszkali w jednej z wiosek dawnej wołosty Troickiej (obecnie dystrykt Mytishchi) w jednej z wiosek pod Moskwą i zajmowali się malowaniem lakierowanych metalowych tac, cukiernic, palet, pudełek z papier-mache, papierosów, dzbanków do herbaty, albumów i innych rzeczy. Od tego czasu malarstwo artystyczne w stylu Zhostovo zaczęło zdobywać popularność i przyciągać uwagę na licznych wystawach w kraju i za granicą.

Khokhloma

Khokhloma to jedno z najpiękniejszych rosyjskich rzemiosł, które powstało w XVII wieku w pobliżu Niżnego Nowogrodu. To dekoracyjny obraz mebli i drewnianych naczyń, który uwielbiają nie tylko koneserzy rosyjskiej starożytności, ale także mieszkańcy innych krajów.

Misternie przeplatane ziołowe wzory jasnych szkarłatnych jagód i złotych liści na czarnym tle można podziwiać bez końca. Dlatego nawet tradycyjne drewniane łyżki, wręczane przy najmniejszej okazji, pozostawiają obdarowanej osobie najmilszą i najdłuższą pamięć o dawcy.

Malarstwo Gorodets

Malarstwo Gorodets istnieje od połowy XIX wieku. Jasne, lakoniczne wzory odzwierciedlają sceny rodzajowe, postacie koni, kogutów, ozdoby kwiatowe. Malowanie odbywa się swobodnym pociągnięciem z biało-czarną grafiką, zdobi kręcące się koła, meble, okiennice, drzwi.

Filigran

Filigran to jeden z najstarszych rodzajów artystycznej obróbki metali. Elementy wzoru filigranowego są bardzo różnorodne: w postaci sznura, koronki, tkania, choinki, ścieżki, gładkiej powierzchni. Sploty są wykonane z bardzo cienkich złotych lub srebrnych drutów, dzięki czemu wyglądają na lekkie i delikatne.

Malachit uralski

Znane są złoża malachitu na Uralu, w Afryce, Australii Południowej i USA, jednak pod względem koloru i piękna wzorów malachitu z innych krajów nie można porównać z Uralem. Dlatego malachit z Uralu jest uważany za najcenniejszy na rynku światowym.

Kryształ Gusiewa

Produkty wykonane w fabryce kryształów w mieście Gus-Khrustalny można znaleźć w muzeach na całym świecie. Tradycyjne rosyjskie pamiątki, artykuły gospodarstwa domowego, zestawy na świąteczny stół, eleganckie dekoracje, pudełka, ręcznie robione figurki odzwierciedlają piękno rodzimej przyrody, jej zwyczaje i pierwotne rosyjskie wartości. Szczególnie popularne są produkty wykonane z kolorowego kryształu.

Matrioszka

Pulchna i pulchna wesoła dziewczyna w chuście i rosyjskim stroju ludowym podbiła serca miłośników ludowych zabawek i pięknych pamiątek na całym świecie.

Teraz lalka gniazdująca to nie tylko ludowa zabawka, strażniczka rosyjskiej kultury: to niezapomniana pamiątka dla turystów, na której fartuchu są subtelnie rysowane sceny z bajek i pejzaże z widokami. Matrioszka stała się cennym przedmiotem kolekcjonerskim, który może kosztować ponad sto dolarów.

Szkliwo

Broszki vintage, bransoletki, wisiorki, które szybko „weszły” w modę nowoczesną, to nic innego jak biżuteria wykonana techniką emaliową. Ten rodzaj sztuki użytkowej powstał w XVII wieku w regionie Wołogdy.

Mistrzowie przedstawili ozdoby kwiatowe, ptaki, zwierzęta na białej emalii przy użyciu różnych kolorów. Potem zaczęła ginąć sztuka wielobarwnej emalii, którą zaczęto zastępować emalią monochromatyczną: białą, niebieską i zieloną. Teraz oba style są z powodzeniem łączone.

Tula samowar

W wolnym czasie pracownik fabryki broni Tula Fedor Lisitsyn lubił robić coś z miedzi, a kiedyś zrobił samowar. Następnie jego synowie otworzyli zakład samowarowy, w którym sprzedawali produkty miedziane, które odniosły ogromny sukces.

Samowary Lisitsynów słynęły z różnorodności kształtów i wykończeń: beczki, wazony z tłoczeniem i grawerem, samowary w kształcie jajka z żurawiami w kształcie delfinów, uchwyty w kształcie pętli, malowane.

Miniatura Palecha

Miniatura Palech to szczególna, subtelna, poetycka wizja świata, charakterystyczna dla rosyjskich wierzeń i pieśni ludowych. Obraz wykorzystuje odcienie brązowo-pomarańczowe i niebieskawo-zielone.

Malarstwo Palech nie ma odpowiedników na całym świecie. Wykonywany jest na papier-mache i dopiero potem przenoszony na powierzchnię pudełek o wszystkich kształtach i rozmiarach.

Gzhel

Krzew Gzhel, obszar 27 wsi położonych pod Moskwą, słynie z wydobywanych tu glin od połowy XVII wieku. W XIX wieku rzemieślnicy z Gzhel zaczęli produkować półfajn, fajans i porcelanę. Szczególnie interesujące są nadal produkty pomalowane na jeden kolor - niebieska farba nakładana pędzlem, z graficznymi detalami.

Szale Pavlovo Posad

Jasne i lekkie, kobiece szale Pavloposad są zawsze modne i aktualne. To rzemiosło ludowe pojawiło się pod koniec XVIII wieku w przedsiębiorstwie chłopskim we wsi Pavlovo, z którego następnie rozwinęła się manufaktura szal. Produkowała bardzo popularne w tamtych czasach szaliki wełniane z nadrukowanym wzorem.